高中生对待事物都会有自己的看法和见解，每个学生的逻辑思维能力也会有很大的不同，因此，在高中的美术课堂中开展互动式教学意义很大，组成互动式教学的主要部分就是师生互动和生生互动，无论是师生互动还是生生互动，都极大地增加课堂的学习氛围，激发学生的学习热情。比如，在学习《古代雕塑》这节课时，教师可以将一些雕塑作品带到教室中去，让学生通过视觉、触觉去全面的认识雕塑，然后体会雕塑的质感、线条以及它的构造特点，教师也可以参与同学们的互动，在互动过程中可以给学生讲解更多的雕塑作品，比如雕塑现在的市场价值；怎样去清理和保存雕塑等知识，一方面开扩学生的视野，另一方面让学生体会学习美术的乐趣。
1.2在美术课堂运用情境教学法
情境教学法就是教师利用多媒体等网络资源等重现作品的文化背景，让学生通过感官的认识和自身的感受来调动学习的积极性实现情境教学，从而深刻的理解作品的主旨以及所要表达的情感。比如，在学习民国时期著名画家蒋兆和的代表作《流民图》时，教师也可以用多媒体将这个时期日本帝国主义在中国犯下的滔天罪行展示出来，让学生通过视觉来感受这一时期中国无辜平民所遭受的苦难，体会作者在创作作品时内心对人民群众的同情以及对日本帝国主义的愤恨。
2.结合其他学科讲解美术知识
高中的美术教育应和其他学科紧密联系起来，通过各个学科之间的联系，拓宽学生的学习视野，加深学生对美术作品的理解和认识，从而达到美术教学的目的。比如，在学习俄国著名的画家列宾的代表作《伏尔加河的纤夫》时，教师应该和历史、语文两门学科联系起来，通过历史让学生了解这一时期俄国劳动人民的生活状况以及社会地位，通过语文课文《伏尔加河的纤夫》的学习，让学生了解作品中人物的性格、社会地位以及生活状况，教师也可以通过多媒体等网络资源将这篇语文课文在班级进行朗诵，这样就极大地增加了学生对作品的了解，在广泛的文化中学生更能体会作品的内在含义，感受俄国劳动人民的苦难生活。同样的在学习徐悲鸿的代表作《奔马图》时，教师可以和历史背景联系起来，这幅作品是徐悲鸿作于1948年冬天，其时中国人民发起三大战役，北平和平解放在即，徐悲鸿一这幅作品几年这一历史性的时刻，如果学生了解了《奔马图》的创作背景，那么这幅作品的主旨大意也就不难理解了。当学生都惊叹作家是如何画出这么惟妙惟肖的作品时，教师可以将这幅作品美术知识讲解给学生，比如：作品中采用了中体与面、明与暗分块造型的方法，同时吸收传统的没骨法，结合线描技法......，学生这个时候一定会听得很认真，这节课的美术知识肯定也会掌握的比较好，如果教师单单的讲解美术作品，不与其他的学科相联系，教师讲解理论知识时学生便会觉得很无趣，不会全身心的投入到课堂中去，因此，教师一定要重视美术知识与其他的学科知识相联系，培养学生的学习兴趣。
2创设教学情境让学生体验教学过程
新课改下，在教学过程中教师可以通过创设教学情境，让学生体验作品的创作和产生过程，以让学生体验真实感。比如，可以根据美术作品的产生过程编排相应的故事或情景剧，让学生在具体的情境中体验情感，学生通过亲身体验加深了对美术知识和历史文化的理解和认识，激发了求知欲。另外可以组织学生到真实的场景写生，如让学生观察下雨时大自然的景象、下雪时的雪中美景等。通过让学生体验真实的场景调动学生的学习主动性，激发学生的创作灵感和创作欲望，培养学生的审美意识和情趣。新课改提倡体验式教学方式，但这种体验不是让学生漫无目的的观察，而是教师要加强对学生的指导，在体验前给学生布置任务，让学生带着问题去观察和体验，增加教学过程的针对性，这样才能达到预期的教学效果。教师要对体验式教学方法进行有益探索，让学生在通过体验掌握美术知识和技能，提高学生的审美能力和情趣。
3创新课堂教学模式
传统的高中美术课堂教学，一般是教师先对上堂课的内容进行提问以巩固旧知识，然后讲解新知识，让学生进行模仿练习，最后布置课后作业。在整个教学过程中，教师一直起着主导作用，学生完全按照教师的安排进行学习，这种以完成教学任务为目的教学模式不利于学生的发展，与新课改的发展要求不相适应。因此，教师要改变传统的教学模式，充分发挥学生的学习主体作用，实施以学生为中心的欣赏、讨论、讲解和训练相结合的新型教学模式，让学生成为学习的主角，教师帮助学生解决学习过程中的疑问和困难。欣赏美术作品是美术教学的重要环节，目的是培养学生的审美意识和能力，在这个过程中，教师要对学生进行正确的指导，鼓励学生对学习过程中存在的问题进行讨论，对学生存在的疑问要进行有针对性地解答，同时要加强课堂练习，并把课堂训练贯穿于教学全过程。通过树立学生的主体地位，能够有效调动学生的积极性，增强学生的参与意识，让学生主动投入到美术学习中来，从而提高美术教学质量。
但我们同时也要认识到当代的世界正处在一个巨大的历史转折期，学生经历着空前的观念撞击和文化震荡，正如电脑和算盘同在，洗衣机和搓板并存，试管婴儿和恐龙蛋化石共生一样，生活在同一时代的精神并非同代。
在这种观念的影响下，美术也显得希奇古怪。如现代主义的美术，有入说是一种头脚颠倒得艺术。一位心理学家曾幽默的用生动的语言概括了现代艺术和传统艺术的根本区别。他说："今天年轻的一代和我们这一有什么不同。他们也是逐渐懂事，也离家出走，也生孩子。只是顺序倒过来的。"的确，在现代主义和后现代主义的艺术家那里，艺术的含义更加宽泛，既包括美的，也包括丑的：既有善的，也有恶的；既包括物质的，也包括精神的：既有纯实体的东西，也有纯形式的纯数学的东西。
比如60年代，卢卡斯萨马拉斯主要探讨的是人的亲妮行为和暴力。他的作品中弥漫着炽热的和色情主义。似乎全部的作品都被梦魇困扰着，镶饰着欲望，渴望者心醉神迷。
尽管一些现代主义艺术也从不同的方面得到了人们的肯定，但某些作品的形式和内容的确不适合一个中学生。敏感的学生面对着万花筒般的多元观念，往往不知所措，分不清美丑。况且在过去的日子里，我们国家的美育也曾受到极"左"思想的影响，把美和资本主义混为一谈，在十年内乱期间，美育更受到毁灭性的催残，真假不分，善恶颠倒，严重扭曲了青少年的心灵，带来愚昧，粗野，庸俗等不良后果。
同时，随着我国商品经济发展迅速，社会上难免出现许多不良因素，商潮汹涌，文化兵败，伪劣走俏，真金蒙尘。今天，似乎已经到了这样一个扑溯迷离和令人费解的时代。
哲学家不再尊重笛卡儿，黑格尔；文学家不再推崇莎士比亚，鲁迅；艺术家也不再欣赏达芬奇，拉非尔和贝多芬。一台部级水平的交响乐演出，听众寥若星辰，而一位怀抱吉他，声嘶力竭，似唱非唱的"歌星"却吸引数以万计的歌迷。同样，在美术市场，一些利令智昏的画店，画商更是不吝出资，成批伪造画和名家字画。同时，在我们今天的艺术殿堂中，也似乎愈来愈难以看到人类古代所创造的各种美丽的神话，圣洁的传说，优美的音乐和令人心醉神迷的绘画。而更多的是邪恶，荒谬，仇恨，丑陋。
莎士比亚在《风月通鉴》中曾经写道：人们齐心赞赏新玩具，不理会他们是用旧物捏成，宁愿歌颂镀金的劣货，不愿欣赏盖了灰的金泊。
因此，做为美术教师，我们的任务不仅仅是在课堂上欣赏好一张画，一件工艺品，而更重要的是带动学生能独立的去认识美，有选择的接受新的观念。在我任教的高中美术欣赏课上，我做了以下尝试：
首先，选择优秀的画家，优秀的作品。上课时要先让学生对画家的思想和人格精神有个充分的了解，然后对其作品进行分析时，融入画家的思想和为人，学生在欣赏美的同时也接受了思想教育。要知道一件伟大的艺术品能屹立不倒，不仅仅只有外表的美，而更重要是对社会产生的影响。
如十九世纪最伟大的雕塑家罗丹。艺术在他看来是所谓静观默察，是深入自然，渗透自然。与之同化的心灵的喜悦，是智慧的喜悦，是在良知照耀下看清这个世界而又再现这个世界的喜悦。
学生从中获得审美喜悦，正是和艺术再现世界相对应的，即熟悉，亲切，又陌生新鲜的心灵体现。而对罗丹的大理石雕塑《沉思》，我们会同时浮现双重的现实感：一种是通过洁白润泽的大理石，造型语言等材料和媒介透出的再现形象；另一种是由这个再现形象激起的对外部客观现实的联想。这两种现实都在幻觉中产生，从再现形象到客观现实往复多次，构成心灵意象的跳跃感再现。捕捉这样一种大幅度的扩展和变化着的意象，将激起心理，智慧，想象，情意以至人生经验的涟漪，这一精神活动本身"力"图样，体现的恰是梦想与现实，精神世界与物质世界的矛盾。罗丹的助手葛赛尔写下了《沉思》这座雕像给他的审美经验--"这是一个非常年轻，神的张弛，往复，伴随着极度的审美愉悦，呈现为精神上的创造，自由和超越。他在表现时特别注重强调和对比，把眼睛以上从眉弓推向前额，突出入类精神生活最主要的领域，以先声夺人的精神力量去接近观赏者。而下颉到脖颈再到双肩，几乎"沉没"在石座里，"突出"与"沉没"的"秀"，面目俊美的女性头像，她低着头，周围萦绕着梦想的气氛，显得她是非物质的头脑上帽子的边缘，好象她梦想的羽翼一样，但是她的颈项，甚至她得颔都在一块粗大得石头上，好象夹在不能摆脱得枷板中一样，不具形的"思想"在静止的"物质"中花一般地吐放出来，而且用辉煌地光彩照亮了这物质，但是她丝毫没有办法摆脱现实的沉重束缚。"
而在现实当中，罗丹对艺术的执著使他自己认为是"教徒"，他在遗嘱中对青年谆谆教导：要有耐心!不要依靠灵感，灵感是不存在的。艺术家的优良品质无非是智慧，专心，真挚，意志。象诚实的工人一样完成你们的工作吧！
我们应该要引导学生在欣赏中感觉到这种美的力量。一个朦胧中的少女有着自己的梦想，这与中学生多梦的性格是如此的接近，这种心灵的沟通和激发，如电流通过全身，精神上的自由和超越，忽然间犹如脱胎换骨，学生在美的享受中自觉的接受了罗丹的高尚艺术品格，尽管也许不一定所有的学生都有这样的感受，但这种教育的深刻性是永远不能泯灭的。
又如凡高，他尽管只活了37岁，而且是孤僻，自闭，精神分裂．真正的去了解他，了解他的生活，了解他的品格，我想学生会对凡高充满了尊敬。
脾气古怪的凡高从小就不合群，不仅长相难看，有时羞却，有时又冲动粗鲁。他拒绝社会，社会也拒绝他；但他向社会献出诚心，社会仍然拒绝他。他在为古皮尔画店工作时，直截了当地批评顾客的爱好，甚至公开宣称商业实际上是有组织的盗贼集团，于是他被解雇了；他在一家寄宿学校任法语教师，看到了贫苦的学生的生活状况而没有向他们收学费，于是他又被解雇了：他在一座煤矿当自食其力的传教士，把财产分给穷人，自己粗茶淡饭，衣裳褴褛，教会认为他布道失当，于是他又被解雇了：他满腔热情，一往深情地追求真诚的爱情，但不是被戏耍，被背离，便是酗酒放浪，于是被"解雇"了；他如痴如狂，满怀虔诚的创造绘画作品，却因不被世人理解难以找到知音，于是他又被解雇了。
然而凡高和罗丹一样，对待艺术就象一个虔诚的教徒，他并不太在乎人们是否理解和接受自己的作品，他只是把画画当作宣泄情感的一种最佳方式，并且他有着和雷诺阿一样的追求。"我画画不是使人苦恼，而是使人们快乐。"他在一到信中这样写道。这一点着实令人惊讶，也使人们得以窥到凡高的内心：他就象一个天真烂漫的儿童，尽管生活如此对他不公平。他仍然热爱和渴望生活
他的代表作《向日葵》，作为一副静物画，从它色调，布局，瓶花的特定形成构成，以及笔触的运用，油彩技法上的处理，都是显示出画家对自然，生命，人生的独特情感的体验，传达出一种既热烈又悲伤，既骚动又孤寂的心理情绪。学生只有在充分了解凡高的基础上才能真正体会到这盘俯仰张弛挣扎的向日葵的内在涵义，充溢着张力的新生命在凋残痛苦的旧生命种诞生。学生在欣赏时自然而然地想象到凡高地一生，沉默，欲喊又喊不出来的压抑人生。而更重要的是凡高的这种爱心和渴望生活却永远留在学生的心中。
其次，在进行欣赏教育时，有必要的让学生允分地了解中国的艺术，提高民族荣誉感，长期以来，由于欧洲中心论的影响，由于把科学的发达等同于美学的发达的错觉，中国的艺术跟在西方科学的路子后面，疲于奔跑的追赶，在一定程度上舍近求远，忽略了中华民族的审美优势。
事实上，中国的近百年来科学落后不等于艺术落后，中国画作为一种风格独特的艺术早就与西洋画并起并坐，成为世界上最重要的两大绘画体系。
一，中国的绘画具有悠久的历史和独特的风格。据记载，早在春秋后期，周代都城的政治性建筑"明堂"里，就绘有"尧舜之容，桀纣之像，''''以及周公抱着幼年的成王接受诸侯朝拜的壁画．可惜这些壁画因为建筑物的毁灭都已不存于世，但是从1949年出土的两件战国帛画的线描人物形象，略加色彩的绘画技巧来看，我国至少在两干多年前已经达到一定的艺术水平。
到了战国以后，随着中国社会的发展，中国古代绘画也在不断地完善和丰富着它的艺术形式，表现手法，艺术风格以及各种绘画体裁，画家们将书法的结构，用笔运用到绘画中去。以加强绘画的表现力和艺术趣味，形成了具有具有浓厚的民族风格和鲜明的时代特色。它不仅是中国近代，现代绘画艺术发展基础，而且对我国一些邻近国家也产生了重要的影响，日本老画家中村不折在他的《中国绘画史》一书中指出："中国绘画是日本绘画的母体，不懂中国绘画而研究日本绘画是不合理的要求。我想，用长流不息来比喻中国的绘画是最合适不过的。"
而欧洲的绘画从时间来看，应该是早早承认，旧石器时代，世界上最早的美术品，都是发现于欧洲的西南部与中部。虽然考古学是一门不断发展的学问，但迄今尚无新证物以前无法动摇上述的观点。
到了中世纪以后，由于基督教成为统治国家的精神支柱，这一时代在绘画史上称之为"黑暗的中世纪"。直到文艺复兴时期，新兴资产阶级为了扫清前途的障碍，需要很有说服力的思想武器，他门终于从古人的武器宝库里找到了饱含着现实主义精神和科学理性的古希腊，古罗马的思想文化，从而打出文艺复兴的旗号，正如恩格斯所说："拜占庭灭亡之时抢救出来的手抄本，罗马废墟中发掘出来的古代雕像，在惊讶地西方人面前展示一个新的世界，------希腊的古代：在它地光辉形象面前，意大利出现了前所未有的艺术繁荣。"因此，欧洲的绘画是时而浩瀚，时而干涸，这与中国地绘画地源远流长是不同的。
二、西方文化是以"神"为中心的文化。他们将人的发展归之于神的创造。在他们那里，"神"与"人"是分离的。所以他们习惯于将人与自然，人与社会，主体和客体对抗起来。探索各个领域中纵的逻辑关系，在种与类的基础上区别其层次，力求符合这些关系的客观秩序。
他们是属于哲学美学，叙事诗学，状物画学。
他们写实绘画的焦点透视，像一位独眼巨人在锁孔里看世界，只能老老实实地把看得见的画出来，把看不见的挡起来。他们的安琪尔要飞，只有实实在在地安上一双翅膀，其爱的信息的传达还得借助于一支有形的弓箭。
而中国的文化是以"人"为中心的文化。它以笔墨"线索"作为塑造意识形象的根本要求，并融诗入画，使画的意境，布局，笔墨，色彩完全诗化而成为"无声的诗"。他不仅是中国近代，现代绘画艺术发展的重要基础，而且对我国一些邻近国家的绘画也产生重要影响。因此，中国绘画是属于艺术美学，抒情诗学，写意画学。
中国绘画是多点透视，在游动中看世界，不但能画出肉眼之所见，而且能画出心眼之所见。山前山后，屋里屋外，长江万里，四季花卉，皆可同时纳入画面。
我们的飞天要飞，勿需安装沉重的翅膀便能"乘天地之正，而御六气之辩，以游无穷"，其爱的信息的传达虽然"身无彩凤双飞翼"，却能"心有灵犀一点通"。
一个是"无翼而翔"，一个是"有翼而飞"，哪个更高？
难怪毕加索反问："在这个世界上谈到艺术，第一是您们中国人有艺术；其次，是日本人有艺术，当然日本人的艺术又是源自你们中国；第三是非洲人有艺术。除二者外，白种人根本没有任何艺术可言。我最莫名其妙的，何以有那么多的中国人，东方人要到巴黎来学艺术"。
况且有专家认为，中国画是后现代主义的温床。进入90年代，伴着消费的发展，现代主义的热潮在中国迅速降温，而一种打破传统和新潮，艺术和非艺术，雅和俗的后现代主义以游戏的姿态悄然兴起，他兼容性更强，在这里，被排斥的古典艺术又有了自己的位置，并且是以一种游戏的姿态出观：维纳斯穿上了牛仔裤：蒙娜丽莎被戴上一副眼镜，弥勒佛扛起了广告牌等等。在这里，这些艺术既保持着自己的"风和雅"，同时更大众化。
现代主义重视看得见的形式，后现代主义重视道不清说不明的状态，他从东方神秘主义众吸取了信息，而崇尚"天人合一"中国早有"玄之又玄，天机不可泄露"之说。这些被某些学者视为不能用精确数值定量定性的落后乃至迷信的中国古老文化，说不定潜藏着科学主义未能认识的领域和未能解读的信息。
【中图分类号】G630
一、高中美术欣赏引入人文精神的价值
美术是人文性质的课程，在高中美术欣赏中引入人文精神，不仅符合现今高中教学的要求，更有利于人文精神本身价值的实现。如果要从人文精神对高中美术欣赏的作用方面来看，这种引入人文精神的做法主要具有以下几方面的益处：
首先，从教学角度来看，一些具有人文精神话题的引入，可以帮助教师激发学生们对美术欣赏的兴趣，并且加深学生对于一件美术作品内涵的理解。例如在欣赏一件古代陶器作品的同时，教师可以结合陶器的纹路等特征，引入一些当时的典故并要求同学们纷纷提出的自己的观点，这样就有助于教师及时了解学生的思想，便于制定一些适合不同学生群体的授课方案，便于今后教学工作的顺利开展。其次，从学生角度来看，高中阶段的学生正处于人生观、世界观、价值观逐渐形成的重要阶段，而审美则是塑造正确的世界观、人生观、价值观的重要手段，健康的审美则需要"总结人类审美活动中的历史经验，吸取美学史上积极成果才能逐渐形成"1，也就是说，日常美术欣赏课程中，需要我们重视美术的历史性、人文性，帮助学生从从社会、自然、艺术的不同角度理解、思考什么才是美，帮助他们建立正确健康的审美观。最后，从学科建设角度来看，美术、艺术作品作为民族精神的重要体现，往往能够对我国历史悠远的人文精神进行不同程度的反映，并且美术也并非是一门同其他学科没有任何联系的孤立存在的学科，美术作品作为一种人们精神世界观念的表达，势必会同一定的经济、社会、观念相联系，如果我们只是孤立的看待美术作品，不去深度挖掘其蕴含的人文精神、民族精神，就会影响其本身艺术价值的发挥，更不利于美术学科的建设与发展。
二、高中美术欣赏课堂人文精神的缺失
虽然人文精神本身的价值决定了其需要在美术欣赏中得到一定程度的发挥，但是现今高中美术欣赏中，对于人文精神的重视程度并不高，甚至导致了一定程度上的人文精神的缺失现状。笔者认为，从整体上看这种人文精神缺失的表现可以归结为以下方面：
（一）观念层面
由于高中教育处于高考前的关键时期，这种特殊性使得学生、家长、老师均形成了一种注重应试技巧传输的观念，美术的思想性内涵在高中欣赏课程中得到一较大忽视。对于一些美术考生来说，自身与学下的眼光都时刻瞩目与高考升学这一终极目的，观念上均认为那些能够迎合考试需求的技术性教学内容，才是目前最需要学生掌握的，这就使得本来应该饱含人文色彩的美术欣赏，变成了一种技术、技法的传播载体。学生也变得文化素质逐渐鉴定，并且逐渐在填鸭式的学习过程中很容易迷失自我，难以发挥应有的创造力与判断力。
（二）内容层面
前述功利性极强的教与学观念，使得在高中美术欣赏过程中，教师主要倾向技法知识的传授，学生也学习也往往局限于应试方面的内容与技巧。美术欣赏原本需要欣赏的是一件艺术作品当中蕴含的时代、社会等人文精神与价值，而不仅仅是对于作者技术、技巧的模仿，但是现今的教学内容却有着本末倒置的危险。技能化成为了优先价值理念，文化变得边缘和破碎，人文价值有所失落，这些都给高中美术的文化性构建造成了负面影响。
（三）体验层面
美术作品可以被看做是人们丰富情感的寄托与投射，美术欣赏的最大价值也需要在情感体验与情感完善方面的到最大的发挥。但囿于前述观念、内容层面的限制，现有的高中美术欣赏对于情感的体验与完善并不重视。由于过分强调一种美术方面的基本知识与技能的学习，学生们往往在对艺术作品的感知方面具有较大的困难，并认为美术欣赏是一种枯燥、无用的学习。这种对情感体验的忽略，使得学生觉得同美术作品之间具有隔阂感，难以真正的感受到一件美术作品当中蕴含的复杂感情。
三、如何在高中美术课堂培养人文精神
（一）重视美术作品人文价值的挖掘
首先我们最需要做的就是扭转现有的重技巧、轻内涵的观念，在高中美术欣赏中，提倡对于美术作品本身蕴含的情感、价值等方面人文精神进行深度挖掘。对于美术欣赏教学本身来说，其最终的教育目的并不应该定位与培养专业的技术性人才，而是在于通过欣赏艺术品使得学生的艺术素养和综合素养得到提升，帮助学生塑造健康的审美观。高中美术新课程标准对高中美术欣赏提出要求是在高中美术教学中使学生"理解美术文化，形素质"，使学生较为全面地了解美术与自我，美术与自然，美术与社会等方面的关系，因此重视美术作品的人文价值，才能够帮助高中美术欣赏课程成为重要的提升学生人文素质的手段，有效发挥美术作品的教育功能。
（二）在欣赏教学中引入多元化人文元素
我国古代就认为，绘画作品具有"成教化，助人伦"的功效，一些优秀的美术作品通过一种直观形象的手段，将独具时代特色的政治、道德、社会现实融会其中，并且通过不同的手法与内容，表现出作者对于不同社会与生活的爱憎与取舍，达到育人启蒙的目的，笔者认为这种功效恰恰就是通过美术作品中蕴含的人文元素所发挥的。在现今高中美术欣赏课堂中，更要在欣赏教学中多多引入人文元素，将作品的文化背景、作者状况、时代背景等挖掘呈现在学生面前，引导学生从更多的角度理解作品，通过教学达到教化的目的，使得美术欣赏的教育功能得到最大限度的发挥。
（三）教师需要切实提升自身的人文素养
教师作为美术欣赏教学中的知识传播者，需要在高中美术欣赏课堂中切实提升自身的人文素养，以便能够胜任人文教学的重任。除了必须具备的美术欣赏专业知识之外，还需要教师具有深厚的人文理论功底，能够将人文要素成功的引入日常教学当中，服务与美术欣赏的教育目的。另外，也需要教师具备较高的品德修养，在提倡人文教育、人本教育的今天，能够真正的做到身为表率，以自己的一言一行为学生营造出一种良好的人文精神培育氛围。
参考文献
近些年,报考美术院校的学生越来越多,美术院校成倍增长的招生诱惑了大批学生加入到美术的学习中来,不论是热爱美术学习的还是不热爱美术学习的。在众多的美术考生中,很多在学校都不是专业学习美术的,由此使得校外的很多培训机构发展迅速,而且规模越来越大。我经过多年的教学,对美术的基础部分——素描教学进行了一些研究,现将经验总结如下。
素描在美术当中占据着很重要的地位,它是造型美术的基础。素描可以训练学生的造型能力,现在高考当中,素描是必考的科目,这种基本功的学习需要学生投入大量的精力和时间慢慢训练,也没什么捷径可循。下面我就谈谈如何把握好高考美术当中的素描教学。
1.观察认知
就刚刚开始学习美术的学生来说,他们所缺乏的是长期的训练及对事物的观察认知,所以在考试当中应该从整体上下功夫,不能急于求成,只注重局部,没有把握好整体性,而要把整体和局部都很好地衔接起来。学生在素描过程当中经常会出现一部分画得很完整而其它部分还都是空白的状态,所以这种画面的效果就不尽如人意。wwW.133229.cOM学生要想深入观察实物,是比较困难的。很多学生不能体会到这一点,上来就开始动手画,虽然绘画的数量有了,但是质量并不高,而且养成一种难以纠正的坏毛病,这种习惯养成了,以后如果想改是很有难度的,因为这是一种先入为主的思维形式,这种固有观念一旦形成很难改变。教师也要在教学中强调这一点,以达到美术教学的目标和培养人才的目标。
要教会学生将自己的视野放开,看到整个画面,而不是把目光聚焦到某个对象的某一个部分。因为不能把目光聚焦到某一个局部,所以我们所得到的是一个模糊的整体印象,这种印象就是我们所说的整体感觉,依托这种感觉,我们可以比较容易地感受整体的基本特征、结构、比例及虚实关系等,这个时候所有的多余的东西都消失了,只剩下了必要的东西。教师还要教会学生运用比较的方法来进行观察,让学生把整个对象中的每个部分进行比较得到局部与整体的关系。在比较的时候,要把图像呈现在自己的大脑当中,也就是“意在笔先”。只要学生能够意识到这点,并且能够运用,那么就可以少走很多弯路,收到事半功倍的学习效果,这对训练学生的艺术感受及绘画才能也相当重要。
2.着手绘图
我们如果想要把观察到的内容转化为具体的画面,就需要在纸上来进行构图,将这些要素合理布局安排组合起来。构图能否在视觉上给人亲切的感觉,与个人选择的角度有着相当密切的关系。在确定构图方案的时候一定要先找到对象当中形体最突出的部位,然后再根据所观察到的对象来把四个最突出的部位点确定下来,并且以这四个点为基础,考虑下一步的轮廓及如何来调整好比例关系。
因为形体自身体面的起伏不尽相同,所以它转折的边缘线也产生了不同的转折线,这些线可以清晰,也可以是虚线,比如说几何图形正方体,这只是简单的形体,若是复杂的形体就会更加复杂。在定轮廓的时候,我们应该从整体到局部,根据观察实物的具体感受,在画纸上展现出基本特征,比如说,先确定实物的基本形状,到底是圆形、方形还是三角形的,大动态是如何的,与此同时,也要确定好内部的基本位置和特征,比如鼻子和眉弓,等等。在打轮廓的时候有一些技术问题也需要我们多注意,比如说,我们要选用稍软一些的铅笔,笔尖可以稍微长一些,手在拿笔的时候可以离笔尖稍微远一些,这样比较容易修改,不会在很大程度上影响完成的效果。总之,打轮廓是很关键的步骤,所以教师只有在这个过程当中严格要求学生,才能保证下一步工作顺利进行下去。
3.塑造大关系
确定好基本的比例和动态关系以后,先把画面放到原处检查检查,因为在眼前我们很难正确辨认所画的比例和动态是否是准确的。在把画面推到远方来进行观察的时候,所有的局部就变得模糊不清了,这样我们就能够一眼看到整个画面的比例和动态的关系,忽略局部带来的整体效果。在往远处放置图片的时候,我们可以这样来做:把画放在实物旁边,先用素描第一步观察的方法来观察自己所画的画,然后转移到实物当中,看整体效果,这个时候就可以在自己的印象中与所画的实物发生重合,如果捕捉的整体效果不对,那么应该立即修改。用辅助垂直线与水平线的检查方法校正形,在我们采用第一种方法确定出对象大的基本形后,为了进一步检查校正形的准确性,特别是对一些形的具体位置点能有一种可靠的依据来加以确认,在打轮廓中可以借助用垂直或水平辅助线来进行检查。身体要尽可能坐直,并最好能正视对象,用眼晴假设画出一条垂直或水平的线,用它来在对象与画面的形体比例、动态方面去进行测量校正。
对初学画的同学来说,在打轮廓时虽然应该主要依靠感觉来进行观察比较,着重加强对眼力的训练,使它能比尺子或两脚规更准确地判定距离,但我们有时也需要借助手中的铅笔来进行形的确定和校正检查工作。它除了可用于垂直或水平检查方法外,还可以运用于确定出对象各部位的形体比例、长短距离等关系。只是我们要随时提醒自己记住:绘画是一种视觉艺术,主要是依赖于感觉而不是理性,因此可以说它所要求的所谓准确是相对于视觉意义上的,而不是数学意义上的绝对,如果我们过于依赖借用铅笔或其他工具来进行左量右测就好像不是在作画,倒像是在制作测绘图了。
4.结语
素描训练的每一部都很难,会让学生感到枯燥,但是它能够锻炼学生的毅力,教师应该关心学生,引导学生们突破所有的难关,挖掘学生的潜力。对于基础差的学生应该给予鼓励,给予他们心理上的关怀,让他们明白其中的道理,并取得很大的进步。在高考素描的教学当中,只要善于思考、总结,就一定能教学相长,教师要从实际出发,做到有的放矢、因材施教,提高学生的认知水平和艺术修养,这才是我们共同追求的目标。
整理
参考文献:
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近年来，人文精神培养成为教育改革的热门话题．受到人们的普遍关注。教育的人文精神培养强调以人的和谐发展为目标，使人的本性、人的尊严、人的潜能在教育过程中得到最大限度的实现和发展。美术教育有着自身的独特性，它主张以学生自身的发展为目的．强调个性和潜能的发展。因此，美术教育的人文学科属性必然要承担起培养学生人文精神的重任。
“人文”一词，最早出现在《易经》。《易经》贲卦的象辞讲：“刚柔交错，天文也。文明之止，人文也。观乎天文．以察时变；观乎人文，以化成天下。”很显然。这里所谓的“人文”，是与“天文”相对的，是人类文明时代与野蛮时代区别的标志，是人之所以为人的标志。人文是有别于自然现象及其规律的人与社会的事物，其核心是贯穿于人们的思维与言行中的信仰、理想、价值取向、人格模式、审美趣味，亦即人文精神。现代意义的人文精神高度重视人和人的价值观的思想态度，它关注人存在的意义、尊严、价值、道德、文化传统，以及人的自由与平等，人与社会、自然之间的和谐，等等，它对于全面发展的理想人格的肯定和塑造具有重要的意义。
美术是人类文化最早和最重要的载体之一，运用美术形式传达情感和思想是人类历史中的一种重要的文化行为。美术不仅仅是一门技艺，它还是人类文化的积淀和人类想象与创造力的结晶。它记录着不同时代的文明，闪烁着人类的智慧，代表着人性的深度。美术是人类情感和精神生活的创造表现。任何美术表现形式都包含着一定的情感和思想。美术教育通过使学生掌握形体、结构、比例、线条、色彩等造型因素，培养学生的形象思维能力、想象力、创造力、美术欣赏能力等，以及通过美术活动去发展情感、兴趣、气质、性格、审美趣味等个性品质。美术教育既是对美术技术的学习，更是对美术中的形式美的思考、理解和创造。其目的并不是要求学生单纯地掌握多少美术的技能技巧，而是通过把美术作为一种重要的文化教育活动来启迪个体存在意义，关注人的知、情、意和人格的建立。学生通过美术教育可以将自己情感生活用美术方式进行表达，使学生获得创造、表现和交流的能力．达到健全人格、陶冶性情的目的。
人文精神的培养反过来又会促进美术教育。人文精神的培养能够使美术教育的受众群体在提高自身素质的同时，陶冶精神情操，形素养，提高生活品质，促进身心健康；同时，也可以激发创新精神，增强实践能力，从而使审美水准得到提升，并提高对美术作品的文化内涵和艺术品位的欣赏水平。正如美国著名教育家罗斯菲德所说：“在艺术教育里，艺术只是一种达到目标的方法，而不是一个目标；艺术教育的目标是使人在创造的过程中，变得富创造力，而不管这种创造力将施用于何处。”在美术教学中，教师应通过美术作品去引导学生去欣赏美、学习美、创造美，并将其内化为自己的人格、气质、修养，从而形成一种基本的、相对稳定的、内在文化素质。
美术教育是一种文化学习，而不仅仅是一种单纯的技能技巧的训练。但我国的美术教育长期以来深受技术理性的影响，强调美术技能的学习，而忽略学生的情感体验和审美体验，从而进人重技轻文的教育误区。造成了人文精神的缺失。一些教师仍认为美术课堂教学就是“图画”，美术作品就是简单的“涂鸦”。在这种理念的影响下，美术课堂教学的方法长期处于单一和陈旧的境地，缺乏创新。一些教师一味地采用灌输式教学方法，注重教师的讲解和示范，忽视了学生的个体审美感受和体验。一些教师甚至只是给学生改改画、自己做做范画，很少有意识地对学生进行人文素质的培养，更谈不上将人文精神渗透在教育教学的全过程中。美术教学在一定程度上被简化成了学生机械地模仿的过程。
鉴于以上分析，笔者以为可以通过以下几个途径进行高中美术教育的人文精神培养。
一、强调美术教育中的生活世界意蕴
美术教育不是一种灌输和说教，对美术作品的审美和文化理解不能脱离学生个体的生活世界。生活是艺术的源泉，教师要引导学生通过观察生活来感受生活，体验生活中的情感和乐趣。如引导学生用点、线、面、色彩、空间、明暗、质感等绘画要素，运用对比、韵律、均衡、黑白、排列、堆积、组合等构成因素来表达自己的对生活世界的感受：引导学生善于发现身边的美，把自己的生活经验和现实中的美感联系起来，将自己对生活和自然的感受、体验与艺术家对它们的表达联系起来，并尝试用自己喜欢的绘画方式来表现自己的体验。从生活世界进行美术教学可以贴近学生的生活，激发学生的情感。因此，教师要善于充分利用生活世界这一取之不尽的资源，引导学生将美术活动从课堂走人生活，让学生积极主动地体验到美术与生活的联系，贴近生活、观察生活、感受生活，在自己熟悉的、具体的、生动的生活情景中感受美术活动带来的愉悦。
二、注重美术教学中人文知识的学习
美术不仅仅是点、线、面、色彩、空间、明暗、质感等绘画要素所组成的作品。这些绘画要素中都蕴含着一定的人文知识。这正是美术学科作为人文精神组成部分的要义所在。在美术欣赏教学中，学生往往只触及美术作品的表层描绘．对作品给出的评价也比较肤浅，特别是对一些表现人物、风景的写实作品。要提高学生对美术作品的理解深度．教师不能脱离美术作品中的人文知识。从这个意义上来说，美术欣赏必须和人文背景、人文精神等知识结合起来才能焕发美术的魅力。因此，教师需要通过丰富的语言、教具及多媒体等教学手段的综合运用进行课堂教学的特定情境创设。以此来交流情感、传达审美。也就是说．教师利用学校既有教学设备的精心准备下，有目的、有计划、有组织地创造出一个能够触动学生内心世界的，进而起到积极互动作用的课堂教学情感体验的环境，并以此激励、唤醒每一个学生的潜能。这种教学情境的创设可以涉及生活情境、游戏情境、实物情境、音乐情境、视频情境等诸多层面。
美术教育中人文精神的渗入取决于美术教育工作者自身的人文素养。因为人文教育的核心是人文素养，它体现于一个人对自己、他人和社会的认识，也体现在态度和行为准则当中。其最高形态是人文精神，即审视人生，以人为本，达到对人生进行终极意义的探索，对人类命运进行深层关注。它包括人对完善自己的追求、对真善美的追求、对人的同情、对遭受不幸者的怜悯等。美术教师不能仅仅追求专业技能的提升而忽视人文知识的累积，这样必然会造成知识结构的单一化。因此，美术教师需要不断丰富自己的人生体验和理论素养，提升自身的道德修养，只有这样才能带给学生丰富的人文素养和人文精神，并形成正确的世界观、人生观、价值观。
1、对美术课的重视程度不够
高中美术鉴赏课的开始，宗旨就是促进学生得到全面发展。而美术鉴赏课不仅仅将学生的文化视野拓宽，还能对学生的情操进行陶冶，使学生的创新思维能力提高，对于促进个性健康发展发挥了积极的作用。因此高中美术鉴赏课对于全面推进素质教育，可谓是功不可没。但一些学校及家长和学生对美术课的重要性认识不够，认为它是插入到文化中的一门休闲课程。这种认识阻碍了美术鉴赏课教学的发展。
2、学生文化课负担过重
在长期的应试教育下，高中学生由于过重的文化课负担，而使学习美术鉴赏课上力不从心。长此以往，必然会使素质教育无法顺利开展下去。多数学校目前仍然将教学的重点放在文化课上，即便有兴趣学习美术鉴赏课，但也是有心无力，导致了美术鉴赏课具有较低的教学效率。
3、教师的教学模式落后
目前很多高中美术教师依然采用学生听、教师讲的方式，不能有效激发学生的学习兴趣，使学生不能认真学习美术课程。同时，还有一些教师只传授单纯的知识，对于学生情感意志和实践技能的培养不重视，使这门课程无法实现预期的教学效果。第三，教师教学模式与高中美术教学目标不适应，一些教师不具备过硬的专业素质，只能传授有限的理论知识，使学生只能粗略的了解美术鉴赏知识，这样对学生的学习兴趣产生了一定程度的影响。最后，由于教师不能充分利用教学资源，具有单一的教学模式，也无法使高中美术鉴赏课的教学效率有效提升。
二、提高高中美术鉴赏课有效教学的对策
为了真正提高高中美术鉴赏课教学效率，针对目前的教学现状，教师应及时转变教学观念，对教学方法进行丰富，教学模式进行改善，以便对学生的内在修养进行培养，使学生得到全面的发展。为此，应做好以下几个方面的工作。
1、对学习环境进行创设，使学生的学习兴趣得到有效激发
不同的学生，对于同一件美术作品，都有着不同的欣赏角度，并且在不同的层面，把握作者的思想感情。这样只有在良好的学习氛围里，学生才能勇于表达自身的观点。因此，教师在高中美术鉴赏课教学中，应与教学内容相结合，对相应的学习情境进行创设，将学生学习的兴趣激发出来。例如在《漂亮是美术鉴赏的标准吗？》这节欣赏课时，可组织学生通过小组的形式进行讨论，小组之间还可展开辩论，进行作品的交流，发表对美术鉴赏标准的不同看法，正是在这样的环境中，学生对作品的魅力才能切实感受。
2、对学生的主体性给予尊重，将学生学习的主动性充分调动起来
教师在高中美术鉴赏课教学中，需要对学生的主体性给予充分的尊重，对学生自我思考的能力进行培养。例如在上欣赏课《分析理解美术作品的创作意图》时，将徐悲鸿的《愚公移山》展示给学生，再对作品的创作背景和基本情况进行适当介绍，让学生对作品所诠释的思想感情进行思考。教师给予适当的点拨，并给出补充和评价。
3、延伸课堂知识，对教学模式进行丰富
教师在美术鉴赏课教学中，应与当地和学校的具体情况现结合，进行适度的延伸。将教学场地设在当地富有特色的民间作坊或者是美术馆，对教学模式进行丰富。例如，在上当地艺术作品欣赏课时，事先要在做好和当地艺术作坊的沟通工作，之后在进行实地考察和参观，带领学生点评和欣赏真实的美术作品。这样会进一步加深学生的印象，不单单能学到书本上没有的知识，还对自身的创造思维能力进行了培养。
二、创造性教育的特点与目的
美术教学的内容具有广泛性，在美术教学的过程中主要侧重于学生的审美教育，较为侧重对学生素质的培养。美术课程中创造性教育的目的就是能够通过创造及对艺术的欣赏，使学生能够更好地认识自己、把握自己，不被传统的框架所束缚，进而更好地放开自己的思想，最终得到更好的发展。创造性教育除了会在一定程度上较好地培养学生的艺术感觉，还能启发学生用更为科学、更为合理的方法去思考问题、解决问题，使其能够更好地发展。
三、创造性教育在高中美术教育中的应用分析
1.利用先进教学手段，扩大学生知识面
科学技术的飞速发展，为信息、科技的发展奠定了良好的基础。在这样的有利条件下，教师应该充分合理地利用先进的教学手段，帮助学生拓展知识，利用网络等多媒体技术帮助学生充实其美术知识，进而提高学生的创造性思维，全面提高其综合水平。例如，在带领学生学习梵高的著名作品《向日葵》时，教师就可以通过网络，找到相关的作品及作者的相关信息，加深学生对其认识与了解；另外，老师还可以组织建立班级讨论群，让学生能够在课后进行交流与分享，不但能够及时有效地了解学生的问题及兴趣爱好，还能够在一定程度上激发学生讨论的兴趣，进而启迪学生的思维。
2.合理运用教学方法，提高学生自主学习能力
学生是学习的主体，教师应该正确地认识到这一点，在教学过程中找准自己与学生的位置，在实际的教学过程中巧妙地运用创造性教育方法，引导学生进行自主学习，从真正意义上帮助学生提高其自主学习的能力。在实际的教学过程中，教师应该对学生个人的体验及情感的变化给予重视，要为学生创造机会，使其在对美术的自主探索和学习的过程中培养其兴趣。
高中美术课堂上的教学已经形成了僵化的教学模式，其中的原因是多方面的。一方面是由于部分学校的美术教师自身的综合素质不符合美术教学的多元化需求。美术这门学科作为一门综合性学科，对教师的综合素质实际上有着较高的要求。相关的美术教师不仅需要扎实的美术专业知识，而且还需要了解包括文学、哲学、历史等多方面的学科知识。只有这样，美术课堂上的教学才不会泛善可陈、教师也才能引经据典，帮助学生建立起优秀的美术鉴赏能力。其二是新课改后，美术教学课程的课时数不足以完成较丰富的教学内容，一部分教学为了完成教学进度，不得已缩短课本外知识的教学时间，使得整个教学模式仅仅局限于课本。但这种教学模式是非常枯燥而又单一的，使得学生容易丧失对美术课程的兴趣，也使得整个教学模式容易失去弹性和趣味性。
1.2忽视学生作为主体的作用
长期以来，在课堂上，传统的美术教学都是以教师作为主体。让教师作为整个课堂的主导者掌控课堂，而让学生作为接收者接受教师传递的信息。整个教学模式是单方面的，教师单方面的将知识传递给学生，老师讲，学生听，老师不注重学生学会了多少，学生也没有办法向老师提出自己的疑惑。整个课堂没有形成一个互动性，而这种双向的教学理念的缺乏和学生没有能作为主体的教学现象，使得学生的自主学习能力和主观能动性难以发挥，导致美术教学难以达到既定的教学效果。
1.3艺术作品鉴赏范围和数量难以提升
在绝大部分高中里，学生鉴赏的作品仅仅局限于美术课本中所出现的艺术作品，新课改中所提出的“提升学生欣赏艺术品的数量”的相关要求在大部分高中里只是一纸空文。但若是想学好美术这门课程，学生的艺术作品鉴赏范围和数量都需要达到一定的水准，包括经典绘画作品、中国画、西方油画等等。相关的美术教师需要教给学生进行艺术品鉴赏的方法，学生再通过他们喜欢的艺术作品提升艺术鉴赏的能力，而不是因为自身狭隘的艺术作品鉴赏范围而导致难以学好美术这门课程。
2新课改下，高中美术教育的发展对策研究
2.1合理利用问题教学法，有效提升学生美术学习兴趣
高中生一般具有活泼好动的天性，在心理上更倾向于追求具体的形象事物。因此，想要调动高中生的学习自主性和积极性，并取得更好的美术教学效果，就需要借助一定的教学方法。实践证明，问题教学法对于解决美术课堂教学中的重复单一性和忽视学生作为主体的作用均有着明显成效。实际上，美术课堂上的问题教学法往往以问题作为整个教学的中心，让教学过程不仅仅是单一的教学到学生的知识单向传递过程，而是根据课本知识和学生能力，把整个教学过程问题化，让整个教学通过一种互动的学习方式，让学生学习到新的知识。这样不仅可以使得学生在课堂上能够及时提出对教学内容的不理解之处，也可以使得教师能够根据学生的教学反馈适当对教学内容和教学模式进行更改，从而使得整个课程能够取得更优秀的教学效果。例如，在欣赏《泥土的生命—古代陶器和瓷器》一课中，教师可以提问学生，我们生活中的陶器和瓷器有哪些呢？从古至今、这些陶器和瓷器又发生了怎样的变化？通过这些问题，教师可以有效培养学生的学习兴趣，从而起得比灌输式教学更优质的教学效果。
2.2充分利用现代化的教学工具，提升学生的艺术品鉴赏范围
考虑到美术课程的教学与文化课程相比，并不要太多的板书。因此，利用诸如多媒体等现代化的教学工具进行教学是具有明显效果的。正如上文中所论述的，大部分高中生对于艺术作品的认知仅仅停留在美术课本之中。所以，相关的教师需要借助多媒体，引用大量的艺术作品图片和历史资料，自身再辅以适当的讲解对课本上的知识进行补充，从而拓宽学生的鉴赏视野，帮助学生树立起优秀的艺术鉴赏意识。
二、高中美术鉴赏课堂教学需要合作舞台，学生自主探究
良好的课堂教学模式必须是学生自主探究、教师专业引领的课堂教学模式。因此教师必须要放下身段，走到学生中去面向全体学生，不能让课堂成为几个学生的表演舞台，要调动每一位学生积极性，参与其中。例如学习《传统艺术的根脉——玉器》时，为了让学生能够直观感受玉器，笔者用绒布口袋装了三种不同材质的玉石，然后提出问题“感受三种玉器，找出最光滑最润的”，好多学生都在踊跃举手，经过观察，发现前排有个女生，显得怯生生的，就及时请她上来，她满脸通红的摸了半天非常紧张。此时暗示同学们给与掌声鼓励，促进她拿出了最好的玉石。此后了解到这位女生其实很难鼓起勇气才举手，如果没喊她，下次就更不敢了。因此用启发、鼓励的方法与学生展开心灵的交流也很重要。
当然教师还要有驾驭和引领课堂的能力。《国务院关于基础教育改革与发展的决定》中明确指出：“鼓励合作学习，促进学生之间的相互交流，共同发展，促进师生教学相长。”所以应用探究合作的教学方法，鼓励学生分工合作，着重感受、体验和兴趣培养。推行小组合作，每组派一名代表对同一幅作品进行鉴赏，再进行互评、最后教师进行专业点评，形成积极良好的竞争课堂氛围，激发学生积极性；在教学过程中，应注意对全场的适度控制，要正确引领，不能偏离主题更不能把课堂变成菜市场。例如学习《天上人间—壁画》时，了解了拓印画的简单制作过程，当堂便要求学生分组合作完成一张黑白拓印画，感受一下拓印过程，几分钟后就通过实物投影展示学生合作而成的拓印作品，虽然很粗糙，但艺术作品制作成功的感觉却油然而生。
中国山水画几千年的发展演变形成了我们民族在山水文化上的优秀传统，她是中国传统绘画的重要组成内容，她伴随着我们的文明发生并发展，逐渐地形成了自己独特的个性语言和审美境界，成为了古代文人和现当代山水画家们毕生追求的一门优秀艺术。中国文人寄情山水田园的思想特质在山水画里体现得最为突出，许多文人雅士喜欢山水并绘制山水画。自魏晋以来，山水画艺术得到长足发展，到宋元时期达到顶峰。古人历代创造的不朽杰作在召唤我们努力学习的同时，也为当代的山水画艺术创新提出了更高的要求。
山水画作为当今高等艺术院校重要的专业课程，经历了从师徒言传到学校教育的发展过程，当代山水画的教学要求也在不断发展和演变着。今天，山水画艺术的教学呈现出多元探索的状态：一部分教师重视古代山水画传统的教学，注重追求古代文人画的符号化、抽象化的境界并付诸实践；一部分教师则重视师法造化，面对自然，走写生和创作相结合的道路，更加注重追求人生回归的艺术情怀；还有的山水画教师受西方现当代艺术流派的影响，求助于特殊肌理和抽象语言的综合表现，在倾向于现代水墨的探索中通过现代人文意识去触摸天人合一的境界。WWW.133229.coM这三路教育理念和教学思想的共同发展和相互交揉形成了当代山水画坛新的教学格局。然而，作为高校美术学科中国画专业教学内容之一的山水画教学实践该何去何从，如何转变教学理念，如何进行创新教学，如何更新教学内容等诸多问题一直困扰着每一个教育实践者，笔者想结合自己多年的教学实践谈以下几点看法。
一、提高学生理论修养和增设相关理论课程
山水画的学习，理论知识是关键，只了解山水画理论的基本方面是不够的，中国的山水文化和山水画艺术博大精深，其构图布势、风格意韵、人文关怀诸方面的认识才是根本，然而这类知识学生往往难以理解，不愿触及，这使学生在宏观上失去坐标，迷失方位。教师作为先行者，应提前对相关理论材料进行梳理加工，在教学过程中根据教学进度与学生需要分发下去供交流参考，使班级教学形成研究理论的良好氛围。
学生需要的理论课程是多方面的，其中应至少包括哲学、文化、历史和美学理论著作等，还应有与山水画艺术相关的理论文献的阅读。根据笔者个人经验，学生应该阅读的有关山水画理论著作有郭熙的《林泉高致》，宗炳的《画山水序》，顾恺之的《画云台山记》，潘运告的《唐五代画论》、《宣和画谱》、《宋人画论》、《元代书画论》、《明代画论》、《清代画论》，朱良志的《中国艺术的生命精神》，宗白华的《美学散步》，杨大年的《中国历代画论采英》，张强的《中国山水画学》、《中国画论体系》、《国画现代形态》、《中国绘画美学》，陈传席的《中国山水画史》，愈建华的《中国画论类编》，杨成寅的《视觉美》等诸多对学习山水画有帮助的理论书籍和绘画文献。
阅读应在任课教师指导下，将有关理论著作和文献资料，细致分析，合理分解，找出规律，使学生理解起来比较容易。另外，最好定期与学生谈阅读感受，或者经常组织主体鲜明的理论知识辩论和论坛。千万不可忽视学生的理论修养，当然，教师要不断提高自身的理论水平才能做到在教学中有源源不断的知识带给学生。
二、要注意临摹的深度并加大写生教学环节的训练
首先，教师要加强学生临摹的深度和广度。山水画的临摹教学是学习山水画艺术的重要一课和基础一课，历代山水画名家都非常重视学习传统技法。对于临摹来讲，其前提是会赏析，山水画赏析的必要性往往被我们在山水画教学初期忽视了，其实，只有读懂了作品的内涵，了解了作品产生的时代背景、构思立意、形式技巧、笔墨语言等等，实践起来才不致于盲从，才会有分寸，才能深入挖掘传统资源，达到学习、借鉴、转化、吸收、提升的最终目的。古人讲“师其意不师其技”，师其意者为上，要学好山水画就要临对范图，更要领悟古人用意所在。
传统山水画的教学是要让学生了解山水画在美术史上的独特意义，赏析山水画的经典作品和继承发展。对山水画传统中要求掌握的树石画法、皴擦技法和构图布局规律的知识要结合具体理论，逐一掌握。山水画临摹是个艰苦复杂的过程，山水画景物繁多，层次丰富，绘制过程中要有耐心，临摹过程中还要做到胆大心细，教师要不断激发学生的临习热情，变枯燥临摹成为主动的求知过程。临摹中应注重临摹广度和知识的全面性，一般先要侧重一个时代的一家之法学好吃透，然后再换另一家学习，山水画的临摹应该遵循从隋唐临本开始，先进行工笔山水画的学习，等学生有了一定笔墨造型基础后，再从宋代山水名家中选择几家作为学习对象来重点研究。
在临摹教学中，教师要做学生审美方向的辅导，要让学生从临摹教学的一开始就学着用个人审美眼光和个性化的观点审视传统山水文化，用自己之个性去感悟古人之个性；用自己之特殊去感悟古人之特殊；用自己之创造去感受古人之创造。在临摹课堂上，必须对学生高标准严要求，把学习路子走正，还要保证学生的临摹时间，学生必须在教师的指导下花大力气临摹一批传统山水画经典名作。毕竟厚积才能薄发，传统山水画教学的最高要求就是用最大的力气打进去，还要用最大的力气打出来。
其次，教师要重视学生写生教学环节的训练和生活感受的山水画写生是很好的提高学生绘画水平及能力的有效途径，自徐悲鸿引西方对景写生之法以来，无数画家得到益处。写生教学的要求是让学生在写生中做到真正消化好从临摹中学到的笔墨规律，并努力找寻属于自己的表现形式和绘画语言。山水画写生的训练可以培养学生的观察能力、概括提炼能力和综合表达的能力，是山水画教学不可缺少的环节。高校的全日制教学有着优越的写生条件，应多组织学生下乡写生采风，把写生的重点放在观察方法的转变和笔墨语言的组织上。因为写生是创作的搜集素材阶段，所以还要有意识去探索地域特征，找到事物的典型性并尽量与自己的内在追求统一起来，从写生开始积累感受和表达冲动。写生环节就是到自然中具体研究客观事物，寻找规律，学生应在老师指导下深入研究消化传统知识和技法，去开掘自然之妙，打开自己的心灵，找到表现自然和内心情感的笔墨语言和审美图式，克服缺乏情绪调动和缺失个性化认识等通病，打开属于自己的精神状态。写生是直接面对自然的艺术行为，既要写景又要写情，不应只是关注自然物像的表面形态，还要研究其内在变化规律，找出共性，并渗透进自己的思想情感和主观期待。
山水画写生造境应是长时间关注的教学重点，教师在教学中要做到以身示范，循序渐进。山水写生环节中，教师要对学生不同时期记录的不同感受做定期辅导，把学生产生的不同心境作全面纪录和整理，还要引导学生多想像，与记忆中的某些场景发生联想并锻炼学生组合能力，正所谓“移花接木”、“迁想妙得”。写生中我们主张稳扎稳打，利用个体的独特感受去观察自然，表达自然，从情感深处贴近生活，练就学生的主观洞察力，学会将美的事物加工组合，践行从生活中来又高于生活的艺术原则。
三、积极组织学生进行山水画创作
强化富有开拓精神的山水画创作教学是高校山水画教学的延伸环节。山水画创作的教学是最终检验学生学习效果的重要手段，在全面继承吸收古典山水绘画资源后，学生应抛弃急功近利和浮躁的情绪，走向生活，走人自然，走进内心，尝试展开属于自己的山水创作之路。教师的教学应通过给学生分析大量的创作实例，使之逐渐找到自己的切人点并深入挖掘，教师要做好解决突发事件的准备，对于当下学术界普遍关注的创作问题，学生要泰然处之，教师要因人而异、因材施教；对于西方艺术思潮的诸多影响，教师要帮助学生建立个人坚定的民族文化立场。我们主张学生应在教师的辅导和鼓励下选定属于自己研究的绘画方向，并深入探索和用于实践，从而绘制出一系列有说服力的山水画作品。我们在山水画创作教学中要始终坚持以独特、创造为核心的教学思路，既要印证传统又要摆脱束缚走向自由，正所谓“随心所欲不逾矩”。
四、山水画教学要处理好的几个重要关系
首先，是教与学的关系。美术教学有其自身特点，心灵交流非常重要。教师要与学生经常谈作品、谈感觉、谈心情，随时了解学生的思想状况。外出写生时，教师尽量与学生同吃同住，保持亲近，在指导写生时，要密切关注每个学生的作品进度和学习规律，随时挽救一些转瞬即失的好想法与好感受，这样才真正起到教师的点拨作用并使学生可持续进步。教师还要在教学过程中尽量多的用自己良好的修养、熟练的技巧影响感召学生，并做到与学生一起探索，一起进步，让学生明确知晓自己的探索道路是正确的。
其次，是数量和质量的关系。教师在布置作业和留给学生独立思考命题时要有一定的量和深度，并且最好因人而异并有关联性。没有数量的要求难以提高质量，但盲目追求数量也会影响质量的提升，由于学生接触山水画时间有限，在绘画工具和艺术语言的训练中，要适当安排学生多练习写字和体会用笔。山水临摹课程期间要保证质量并很好的控制数量，山水写生与创作环节中需要多画稿子，反复修订，力求逐渐找到自己的语言符号。
