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中图分类号：G623.75 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2015）12-0190-01
美术是学生了解艺术、陶冶情操、提升素养的重要课程。国画历史悠久，作为中华民族的瑰宝和中国古代美术的典型代表，是教师引导同学分享历史文化，积极参与本国文化传承的重要体现。近年来，国画在小学美术教学中占有重要地位，但受制于传统的应试教育教学方式，不利于美术教学目标的实现和学生自身艺术技能的提高。国画教育往往以传统方法为主，内容单一枯燥，绘画技法复杂，在一定程度上抑制了小学生创造性和艺术天性的发挥，同时也不利于培养小学生对国画的持久兴趣。如何将小学生国画教学与小学生的生活紧密结合起来，开发其潜能，发展和张扬小学生的个性，让他们画出能够充分表达其内心的、属于自己的画，从而让他们更广泛、深入地了解美术，提高自身的审美能力，成为国画教学实践中人们共同关注的热点话题。
一、结合实际，善于引导
教师在小学美术课堂教学中，需要根据小学生的心智特点及实际能力选择国画教材，初期以讲授小学生容易接受并能通过简单联系加以掌握的国画技术。针对国画知识中理论性较强的内容，需要教师注意转换成对于学生通俗易懂的语言实施教学。同时需要注重国画的审美性，充分发挥学生的创造性，并考虑小学生的生活经验，激发小学生的积极性，拓宽教学内容，促进小学生发散思维，必要时还应考虑个体差异、因材施教。
二、体验美感，增强兴趣
教师利用简单的国画技法为学生展现国画的独特魅力，增强学生学习国画的兴趣。例如在国画课程开始前，教师利用画笔勾勒简单的水墨线条，形成学生所熟悉的动物图案，使学生感受到国画简约而不简单的文化内涵。又如，教师在绘画开始前为学生展示调和水墨的方法，引导学生进一步体验国画的独特美，勾起小学生对国画学习的兴趣，同时带领学生进行国画兴趣练习，使学生在兴致高昂时加以练习。
三、掌握技能，训练技巧
学好国画离不开扎实的基本功，教师应着重对学生进行国画基本技能的训练。首先是绘画中的握笔姿势，教师需要对学生进行手把手的训练以引导学生掌握正确的握笔姿势，这对于学生国画绘画的长远发展具有基础性作用。其次是训练学生笔墨技巧，用笔技巧主要是创作中的毛笔绘画方法及蘸墨方法，用墨技巧则是需要教师指导学生在实践中观察不同墨色的差异及使用方法，并通过对比的方式使学生直观的感受到不同的笔墨技巧所塑造的国画艺术效果。
四、学会鉴赏，热爱国画
学会鉴赏是学生艺术素质提高的重要标志。在小学的国画教学中，对国画的品鉴是更高层次的国画学习，美术教师在国画鉴赏过程中引导学生多学习历史上国画大师的作品，在欣赏中不仅开阔了小学生艺术品鉴的层次，增加人文素养，有助于提升小学生的审美水平和精神境界。不仅如此，对国画的鉴赏更是对我国民族穿透文化瑰宝传承和保护的重要途径，欣赏名家作品，提升小学生的爱国情感和民族自豪感，由此更加热爱国画学习。
五、小结
国画博大精深，是美术教学取之不尽的艺术源泉。加强小学生国画教育，将会对小学生知识面的拓宽、想象力的丰富，形象思维的发达、创造能力的增强都有好处。因此，教师在小学国画教学中应根据小学生特点，发挥小学生的个性，在继承传统文化的基础上，进行更多的创新，让小学生热衷于学习和表现国画，并使其创新精神在我国优秀传统文化的熏陶下得以升华。
参考文献：
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中图分类号：F241 文献标志码：A 文章编号：1673-291X（2013）16-0106-03
当前，随着国民消费能力的提升，以及对收藏文化价值认识的深入，众多高端投资者开始将投资视角从传统的证券、地产向新兴的文化和艺术品收藏领域转移，使得艺术品市场炙手可热、快速发展，艺术品投资已成为续房地产投资和金融证卷投资之后国际上公认的、效益最好的三大投资项目之一。期间，艺术品金融化的趋势越来越明显，诸如文交所、艺术基金、艺术抵押担保、艺术银行、艺术保险等艺术品金融化形式如雨后春笋般的成长起来。在这样一个市场繁荣、资金巨大、人才匮乏的大背景下，要控制艺术品市场的投资风险，必须拥有一批具有投资理论和实践经验两方面知识与能力的人，也就是从艺术品投资专业培养出来的专业人才去从事经纪人和专家的角色，帮助投资控制风险，实现资本增值。然而，由于受到传统经济发展和艺术研究的局限，以及学术交叉性特点的影响，在中国既懂艺术又懂金融的人才少之又少，具有艺术管理专业知识、艺术文化鉴赏学术研究的人才更是匮乏。时至今日，艺术金融管理专业在中国依然还是伴随市场经济发展而诞生的新兴学术领域。近年来，虽然国内各大学术院校和研究机构纷纷在这一领域作了多形式的大胆探索和尝试，培养了一批实用型的专业人才，但囿于缺乏系统的学科研究和教学，相关教学质量亦参差不齐，这一领域的专业人才无论在数量还是质量上，依然存在较大缺口，面对当今艺术品金融大潮，显得十分乏力。因此，抓紧培养出大批既深谙金融市场规则、拥有国际化视野，又拥有扎实文化艺术修养，懂得艺术品投资、鉴赏、收藏知识，与中国艺术金融市场发展规模及需求相适应的大批高素质专业管理人才迫在眉睫。
一、中国艺术金融管理人才培养简况
目前，中国开办艺术与金融结合专业的高等院校和机构并不多，在全日制大学中，以南京师范大学中北分院、上海大学、山东财经大学艺术学院美术学专业、上海金融学院工商管理专业等院校为代表；同时，还有一些多种形式的短期培训班，如清华大学美术学院艺术金融高级研修班、上海交大艺术品投资与收藏高级研修课程和浙江大学艺术品鉴赏与投资高级研修班，等等。从人才培养定位方面，主要可以分为三大类：
1.培养硕士研究型人才。如上海大学与国家文化部、中国文联有关单位共同发起的教学与研究机构——中国艺术产业研究院，其“艺术金融产业与投融资管理方向”研究生班主要着眼培养艺术产业高层人才与急需人才。中国人民大学国际学院联手法国鲁昂商学院，推出MICAIM国际文化艺术品市场管理硕士课程，旨在培养中国文化艺术品领域专业硕士学位国际化管理精英。
2.培养本科应用型人才。如南京师范大学中北分院即是培养以金融为主、兼顾艺术品投资方向的本科类学生，在课程设置上主要倾向于金融类相关课程。又如，山东财经大学艺术学院美术学专业是培养艺术品投资与鉴定方面的本科学生，主要以书画艺术品投资鉴定为主。
3.旨在提高从业人员素质。以清华大学美术学院艺术金融高级研修班为代表，包括上海交大艺术品投资与收藏和浙江大学艺术品鉴赏与投资等等各地的高级研修班。这些培训班采取非脱产分段短期集中面授的教学方式，以培养艺术品与金融投资这一高端专业人才为目标，借鉴国外先进管理经验和运作模式，迅速提高中国从业人员专业鉴赏能力和金融投资水平和管理能力。
二、目前中国艺术金融管理专业主要问题
纵观中国艺术金融管理人才培养现状，主要存在以下几方面问题：
1.人才培养目标定位有待明确。艺术金融管理的面非常广，包括古董与艺术品投资，国际拍卖与典当行业风险管理，银行、艺术基金会或大型企业资产储备的投资，国际性展览会、跨国艺术画廊、博览会管理，国际大型论坛策划与管理，艺术品保险管理，跨国文化沙龙策划与启动等等。目前，部分国内高等院校或机构开设的艺术金融专业在人才培养目标定位上不同程度地存在这样那样的问题，有的定位过高，片面追求全能型人才；有的定位过低，过于追求技能训练；有的定位不够清晰，尚未有效形成自身的专业教学特点。
2.理论研究落后于实践发展。艺术金融是在商品经济环境下发展起来的新兴行业，近几年才进入大众视野。随着艺术品一、二级市场的繁荣发展，尤其是拍卖市场的异常火爆，艺术金融产品也层出不穷。面对这样的新兴市场，相关学术理论研究也刚刚起步，较传统学科还远未形成成熟体系，即使是在这一领域较早作出探索的部分院校机构，相关科研课题、论文也为数不多，这些都远远落后于艺术品金融化的市场发展步伐。
3.师资队伍建设方面存在不足。艺术金融专业是新兴的专业方向，具有艺术、金融、管理三方面学术特点，学科跨度较大，对师资队伍建设要求较高。目前，在一些已经开设艺术金融专业的院校中，那种既懂艺术又懂金融的管理型教师十分受欢迎，对于加强教师梯队建设具有积极意义。例如有的院校是通过整合原有教学资源开设该专业，可能在初期还存在教师力量分散，特别是个别主干课教师分散于相关院系的情况，如要在短期内切实形成系统的教学体系还需作出持续努力。
4.教学模式比较单调。传统的教育方式是“大一统”的教学管理模式。即在教学活动中坚持教师、教材、课堂三中心，用统一的计划、统一的大纲、统一的教材、统一的考试方法和统一的标准来培养同样规格的学生。这种“大一统”的人才培养模式势必造成“统一、模块式”的“机器人”，显然不能适应知识经济社会对创新和创新人才的迫切需要。
5.学校与企业、经济和社会领域的联系不够密切。传统的高等教育往往被视为游离在经济社会之外的“象牙塔”，过于注重教授理论知识，对市场需求反应不够灵敏，导致实践环节相对滞后。尤其是随着近年来艺术品市场的迅猛发展，该行业深度、广度被大大深化和拓宽，相关岗位需求越来越多，专业要求越来越高。无论是拍卖行、画廊、美术馆、媒体等机构，还是策展人、经纪人、收藏家等角色，都在朝更加职业化的方向演变。在这种形势下，院校人才培养与实际市场需求之间还存在着一定的差距。
三、创新型艺术金融管理人才培养对策
1.树立创新型教学理念，准确定位符合自身特点和市场需求的人才培养目标。马丁·特罗在其《从精英向大众高等教育转变中的问题》论述中，揭示了高等教育进入大众化阶段后其办学类型、人才培养等必然逐渐分化。只有通过这种分化，实现人才培养的多元化，高等教育才能应对社会多元的人才需求。要培养真正的创新人才，首先必须在理念上有所突破，应当树立“以人为本”的教育理念。在这一教学理念的指导下，笔者认为，目前国内高等院校、机构艺术金融管理教育要将创新型人才培养作为战略目标，依托校内校外特别是自身原有教学特长，有效整合学科、师资等资源，结合未来艺术金融市场的需求，对人才培养目标进行准确合理定位，并与其他不同类型大学本科专业的人才培养目标定位相区别，培养出适合自身特色的、应用型、创新型的艺术金融管理人才。一方面，创新型人才要有扎实的基础知识，有厚实的人文底蕴与科学素养，有较宽的知识面，另一方面，也是更为重要的，要有应用知识的能力，即较强的实践能力、丰富的实践经验与理性的创新思维能力。
2.探索多元化、多样化的创新性教学模式。美国著名教育家卡伯利（Cubberley）认为，优良教学最重要的条件是培养一些有效的学习习惯及独立的思考，而创新能力正是源自于这样的独立思考。改变传统的单纯知识传授型教育向创新教育的转变。需要在教育观念、教育制度及管理模式、教学内容与方法、教学手段等方面进行全面的改革。在教学管理体制方面，可以建立以学生“自主学习”的教学管理机制。认清学生在各方面存在的客观差异，在教学活动中可遵循因材施教和个性化原则，发挥学生自身的优势，提高学习的兴趣，赋予学生更多的学习自，发现自己的兴趣和能力，最大限度地发挥自己的智力与潜能。
传统的教学方式是由上课教师指定一本教材，学生只要牢记这本教材的内容，就能成功应考，忽视了学生能力的培养。创新教学的核心是激发创造力，是以培养学生创新精神为基本价值取向的教学，是富有创造力的教师在开放的教学环境与资源中，以活动化的课程与教材为依据，采取以学生为中心，以学生自主活动为基础的新型教学。中国相关院校可以通过借鉴国外成功的教育体制，尽量选择直观、形象、情景等教学方法，如德国职业教育所实行的“双元制”——学校和企业分工协作，共同完成培养人才全过程的一种职业教育办学模式。这种产学研相结合的教育方式，可以取长补短，既强化了学生的实践能力，缩短学生步入社会后的适应期，提高了就业率，又为拍卖公司输送了人才，解决其人才紧张问题，实现了双赢。目前，上海金融学院艺术金融管理专业根据学生认知特点和智能特征，积极开展教学改革，进行启发式、实践式教学探索，着力使学生从实践教学中学习消化理论知识。例如，通过到艺术品拍卖公司、大中型画廊、博物馆、美术馆等观摩、实践的互动式教学模式，积极引导学生独立思考，启发学生多角度、全方位观察、分析问题，以增进学生的直观感知和形象理解，进而拓展创新思维。
3.积极推进教师队伍的结构优化与素质提高。艺术金融管理专业首先面临的问题就是教师队伍的建设，新的专业教学对教师知识结构和综合素质能力都提出了更高要求。各相关院校和机构要通过参加高水平研修学习、加强人才交流等多种途径，不断完善教师培养培训体系，加强教师队伍建设，着力使教师队伍实现多层、交叉、复合型的知识结构，同时还要有丰富的实践经验，既要懂得艺术的鉴赏和投资，掌握相关的金融、信托、保险、物流、管理等知识，又要了解艺术市场的规律，具有国际视野，精通国际艺术品贸易知识，拥有较强的实践经验，具有创新意识和创新能力，能够改变传统的“因袭式”人才培养模式，成为既是学生学习的导师，又是学生优秀品质和健康人格的塑造者，还是学生创造思维的启发者。
4.推进课程的实践实训改革与创新。创新型人才的培养必须落实到具体的课程改革和课程创新上。打破传统的填鸭式、封闭式课堂教学，采取理论教学与实践教学相结合，让学生带着问题走出校门广泛开展实践教学，通过实践领会课堂讲述的理论知识。根据教学的内容，对专业课程采取弹性化课时、灵活多样的教学方式。其相关课程设置应当立足于市场，立足于行业，借鉴国外先进管理经验和运作模式，了解和掌握国内外艺术金融投资管理新发展、新趋势和新特点。例如，可以采用“1+1+1”的教学模式，即把课程分为三部分，先在学校学习相关的理论知识，并布置课题；接着，由老师带领学生去相关的实训地实地调研、考察、跟踪，收集第一手资料，了解实际的操作程序。最后再回到教室进行理论学习，总结经验，补充相关不足，完成最终作业。这样不仅打破了原有的被动的、填鸭式的教学方式，增加学生的体验性、参与性，学生消化并加深理论知识，同时强调相关知识的有机联系，注重课程的连续性与完整性，使学生有目的有方向地学习，有利于调动学生学习的积极性，也为进一步走向市场打下基础，有助于而且使学生尽早地接触社会，实现了由课堂向职场的转化。又如，部分院校的专业主干课程——艺术品拍卖，在保证理论教学的基础上，教师可带领学生去拍卖行，实地了解艺术品拍卖公司的机构构成及整个运作机制。体验、跟踪艺术品拍卖的整个工作流程，从中得到锻炼，真正地提高学生的理论知识和实际动手能力。
5.建立健全多层次过程性的教学评价体系。培养效果的评价不应该仅仅检查学生知识、技能的掌握情况，更应该重视创新能力、创新精神、创新人格的培养以及创新品格的养成。要着力改变传统的期末“一站式”评价模式，采用加强学生知识、学习能力、学习过程、学生素质的多元化的综合评价，包括课堂评估、具体技能评估、量化评估和质化评估相结合的综合性评估方式。以创新能力的高低作为评价的重要标准，建立师生融合的教学共同体，从多方面、多层次进行全面系统评价，促使学生提高独立观察、独立思考、独立学习、独立解决问题的能力，激发他们的创新意识，培养他们的创造能力。例如，在学科基础理论课程上，可以采取平时考核与期末考核相结合，采用作业、提问、课堂笔记、小论文、创意性作品、寒暑假调查报告、期中考试等方式，加强对学生平时学习情况的考核，明确平时考核成绩占课程总评成绩的比例，从而构建形成性评价和终结性评价相结合的全程性评价体系。在专业必修课上，可以采取过程式的评价方式，即与教学过程并行、全过程跟踪、定量和定性相结合、对学生的学习和教师的教学进行全面考察。根据课程内容设置多个层次、多个课题，每一个课题反映一个教学点，通过多个点的评价完成对教学全过程评价，最后形成该课程的累计分数。
四、结语
当下，在中国的文化产业中，艺术品市场方兴未艾，艺术金融作为中国文化产业的金融创新正在迅速成长，艺术金融管理专业已成为中国高等院校和研究机构适应时展而设立的一个综合性、交叉性新学科，相信随着这一市场的迅猛发展，有关学术研究和人才培养亦将随之不断完善，也必将为中国相关文化产业实现可持续发展提供新的更为强大的不竭动力。
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高职院校作为培养专业人才的摇篮，一直以来被家长和社会所认可，职业导向作为近些年出现的新事物，在教学中对学生的事业发展有很大的帮助。本文就职业导向在艺术设计教学中的运用进行了探讨。
一、高职艺术设计教学意义以及教学重点
高职院校是我国高等教育体系中不可或缺的部分，其目的是培养出适应社会的高素质应用型人才。我国高职院校中的艺术设计专业因其系统的高质量教学一直受学生青睐与社会企业的认可。艺术设计专业与其他专业不同，对于其他专业来说对事物的完成需要与他人配合，如土木工程专业的楼房施工作业。而艺术设计更多的是对设计师逻辑思维、艺术创造力、表达能力、行动力等综合素质的全面考察[1]。艺术设计专业有一定的服务性，艺术设计与艺术品不同。艺术是纯粹的，无功利性。而艺术设计是将现实生活中的某种平淡的东西通过艺术赋予其美感，提高人感官上对其的审美享受，最终产生的是具有艺术审美属性的生活实用品。艺术设计不能背离生活独立存在，这样就失去了它原本的意义。如服装设计专业，服装最开始出现的目的是为人们遮体。后来经过数千年的演变，逐渐成为现代有欣赏美感和生活具体需要的时装。现代对服装的基础要求是美感以及穿着的舒适感，满足这两点才可以是在市场上出售的服装。如果设计师设计过于倾向服装整体的美感忽略用户的穿着体验，这样的服装是不会被大众所接受的；反之过分追求舒适感却忽略其上身效果，也很难被大众所接受。对于高职院校的学生来说，学习是直面就业的，他们学习的内容要与社会需求接轨，就要求课堂中要有更多实用性强的内容。艺术设计的范围很广泛，如平面设计专业、环境艺术设计专业、电脑艺术设计专业、装潢艺术设计专业、工业设计（艺术类）、动画专业、服装设计、展示设计等。网络范围的有网络艺术、三维动画、视频设计、音频艺术、互动媒体设计等。如何确定自己未来的从业方向，除学生自身的思考外，老师要加以引导。根据心理学家研究发现，人的性格对未来的职业选择至关重要。例如内向寡言的人在卖场进行产品的推销工作，过分嘈杂的环境会使其有不适感，工作起来效果自然不好，也很难有事业上的突破。一个人所从事工作的行为方式如果和个人性格相匹配，工作起来就得心应手，容易获得工作上的发展和个人心理上的满足，反之则会缩手缩脚、停滞不前。久而久之对工作充满怨气，影响个人生活。选择真正适合自己的工作对学生日后的生活、事业发展至关重要。高职在课程安排上可以加入心理课程，帮助学生了解自己的心理想法和性格特质，从而让他们对自己以后所从事的事业做出更慎重的选择。
二、艺术教学中的职业导向
职业导向是对于学生日后就业的引导。设置职业导向有助于学生更好地规划自己的人生，有具体的目标性，增强自身的事业心和责任感，让学生对自己的未来有更好的人生规划，可以更好地掌握自己的人生，减少迷茫感，帮助学生实现人生价值。教师要对学生进行职业导向性学习，减少非主要课程的上课占比，按照职业规划引导学生上课。设置职业导向性学习小组在日常教学中调整上课结构，除专业的基础性知识理论外，增加课外实践学习。例如广告设计可以由老师出题，学生自主设计并打印完成，在班级里展示评选优胜者。同时，学校也可以将校企合作的企业需求，纳入学生教学实践中，学生根据企业提出的需求进行设计，最终企业采纳的学生设计，企业可支付一定费用，这样可以更大的调动学生学习积极性，学校与企业的合作也更加的密切，学生实践能力得到培养的同时也减轻了学生部分经济负担。除此之外，一个好的艺术设计师必定是懂得欣赏表达美的。在日常教学中，增加艺术课程培养学生的审美能力、艺术表达能力。如进行国际美术油画鉴赏、雕塑作品鉴赏学习培养学生美感抽象思维，以及将抽象思维具体化的艺术表达能力。艺术设计师在保证作品质量外还要把握市场。一个艺术家对艺术品的构思时间是很长的，如米开朗基罗的《大卫》从构思到完成用了两三年的时间，但如果一个产品广告制作两三年的话可能产品都已经下线了[2]。这样的设计师是没有市场价值的，因此艺术设计专业的学生学习要与市场需求接轨。
三、职业导向对教学的影响
中图分类号：J329 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）05-0010-02
一、扬州玉雕综述
中国当代玉雕工艺根据地域差异，形成了若干派别。大的流派可以分为南北两大派别，北派包括北京玉雕、南阳玉雕、新疆玉雕等地域流派，南派则包括上海玉雕、扬州玉雕、苏州玉雕等地域流派。这些派别各具特色，体现了当代中国玉雕工艺的高超水平。
扬州琢玉历史悠久，成就令人瞩目。据相关史料记载及考古发现显示，扬州的玉雕历史可以追溯到四千多年前的新石器时代，其后于汉、唐、清时期出现三度繁荣，尤其在乾隆年间，扬州玉雕进入全盛时期，此时扬州成为全国玉材主要集散地和玉器生产制作中心之一，著名的《大禹治水图》山玉便是在此雕琢完成。
俗话说，“天下玉，扬州工”，这是人们对扬州玉雕的赞誉。扬州玉雕，在千年的文化积淀之上，在全面继承中国玉雕优秀传统技艺的基础上，不断开拓创新，从而形成了独具一格的玉雕流派，其制作工艺在几千年的传承中保持着扬州传统的地方文化特色，将阴线刻、深浅浮雕、立体圆雕和镂空雕等多种技法融为一体，形成浑厚、圆润、儒雅、灵秀、精巧的特点。今天的扬州玉雕构图新颖、造型优美、做工精致，其中，尤以“山子雕”及“练子活”技艺独具一格。
目前，扬州玉雕在社会各界的努力下，在继承、保护及创新等方面做了不少工作，也取得了不少成就，特别是近几十年来，扬州玉器精品迭出，屡获大奖。无论从品种门类上，还是技术实力上，在全国同行业中都名列前茅。扬州现已形成一支强大的玉雕大师队伍，拥有中国工艺美术大师5名，省、市级工艺美术大师数十名，这些玉雕传承人们为扬州玉雕的发展做出了巨大贡献，是扬州玉雕的宝贵财富。
取得可喜成绩的同时我们也发现，整个扬州玉雕产业仍存在很多问题和隐患。如今，扬州从事玉器生产的企业和艺人们普遍面临成本高、赋税高等困难，生存极为不易。扬州玉雕加工的原料主要来自新疆，现在的原料价格要比以往涨了很多，这造成了制作成本极大的提高。同时玉雕为手工操作，生产周期长，由于技艺的学习需要花费很大的精力和心血，在雕琢的过程中需要创作者有自己的创意和思维，付出与报酬不相称，致使很多年轻人不愿意从事玉雕技艺的学习，扬州玉雕面临着后继乏人的局面，发展前景并不容乐观，亟待保护、抢救。
二、作为个案的理由和意义
研究扬州玉雕具有宏观与微观两个层面的意义。
从宏观上讲，中国玉文化历史悠久，不仅深深影响了古代中国人的思想观念，同时也成为中国文化不可缺少的一部分。鉴于玉雕的巨大社会作用，对玉雕技艺及玉文化层面的研究自古有之。对扬州玉雕的研究，从宏观上有利于我国传统文化和民族文化的多样性发展，有利于促进我国的文化创新和发展先进文化，有利于促进我国和谐文化建设，有利于促进我国文化事业和文化产业的发展。
从微观上讲，扬州玉雕风格独特，自成一派，它于2006年被列入首批国家级非物质文化遗产名录，目前，对扬州玉雕的研究有很多，正是因为它有巨大学术价值，所以才吸引众多学者关注和研究它。
其研究的意义即在于：一方面，通过研究扬州玉雕的技艺传统和文化传承，可以找出传统玉雕留给后人的工艺经验和文化线索。即通过对扬州历代玉器实物及文献等资料的收集和整理，梳理扬州玉器的发展脉络及独特的地域特色，从而建立较为完善的扬州玉雕艺术资料库，有助于保护并继承扬州传统玉雕文化。另一方面，通过对扬州玉雕产业现状的调查与分析，并借鉴一些宝玉石加工产业发展的成功经验，能够为扬州玉雕产业的发展提出经验支持和具体建议，为扬州玉雕产业注入新鲜血液，提高其创新性，打造精品玉雕市场。
三、研究现状
玉雕艺术作为中华古老文明的代表之一，有关其制作工艺方面的经验早在《考工记》中就有记载。明代宋应星著《天工开物》，详细记载了玉料的来源、开采、运输以及琢玉的方法，清代李澄渊著《玉作图》，共十二幅图，每幅图都附有文字说明，是一部纪实的工艺图画，详细记录了当时治玉的工艺。
现代社会中，对于玉雕艺术的学术研究已超越了工艺研究的局限，它的历史积淀、丰富的人文内涵以及独特的审美情趣成为许多相关学者进行学术研究的共识。近些年来，对于玉雕艺术的研究较多地集中在考古学、文化研究、宝石学等领域：
考古学领域：例如著名的学者杨伯达著有《中国古代玉器精华》一书，初步探讨了古代玉雕艺术发展的基本脉络。同时，进一步阐明了各时期古玉艺术的不同特征以及推动其发展演变的客观条件及其内在基因。
传统文化研究领域：这一类的著作较多，主要从文化的角度研究玉器中凝结的中国文化传统。
宝石鉴定学领域：对玉石材料进行物理学的专业研究。
艺术品鉴赏方面：如麟冰、刘露所著《玉器中华古玩通鉴》、钟见慈著《玉器鉴赏》等，这类文献主要是从收藏学的角度探讨古代玉器人文内涵、美学价值以及玉器文物的经济价值。
关于工艺经验方面的介绍：如陈咸益著《玉雕技法》赵永魁著《中国玉石雕刻工艺技术》、徐琳著《中国古代治玉工艺》等。
在研究了图书馆以及中国知网论文库的所有相关书籍、专著、论文之后，发现现有研究成果主要存在以下问题：
其一，关于扬州玉雕的历史、地域特色的研究不少，但多是短篇论文，少有专著，不够系统和全面。
其二，现有的研究成果主要集中于对玉雕作品的鉴赏、玉文化的探讨、古代治玉工艺的研究以及对玉石材料的物理研究，而针对扬州玉雕艺术这种独特的工艺美术种类如何在现代社会传承、发展的理论性研究成果并不多。
四、研究思路及方法
对于扬州玉雕的研究是一个系统的工程，因此，采用正确合理的研究方法是非常重要的。西方人类学早已形成一个良好的传统，即研究往往从收集第一手的田野资料开始，而在国内，即便是对于某一种特定地方工艺美术的个案研究，田野资料其实也一直被研究者所忽略。
对于扬州玉雕的研究也是如此，虽然取得了一定的成绩，但是以系统的研究方法论为指导，深入全面地对扬州玉雕这一非物质文化遗产的田野考察仍然薄弱。由于玉雕工艺的特殊性，技艺难度大，制作周期长，即使在科技进步的今年，一件大型玉雕作品的制作可能也要花费数年之久，在这漫长的时间里，要记录下工艺的点点滴滴，实在不易。所以，在以往的研究中，一旦涉及玉雕工艺，多是表面的、简单的，甚至有臆断、浮夸。此外，对于玉雕技艺的传承、产业发展等方面的研究如果脱离了“工艺”这最基本的造物环节，也可能出现偏差。
例如，《工艺品雕刻工》（玉雕分册）和《玉雕技法》这两本书，都属于教材用书，其中关于玉雕技艺的基础理论知识非常全面，但涉及工艺制作的章节，都是一笔带过，较为简略，明显地体现出玉雕工艺研究领域的薄弱现象。
笔者认为，详尽的工艺描述应该体现三方面的内容，即，观察者对工艺的描述、艺人对工艺的描述、观察者通过实践后的感受。只有具备此三方面，工艺的描述才是全面的、客观的、有效的。
此外，对于玉雕工艺的研究，并不只是为了非物质文化遗产保护工作中的“记录”，而是为了在工艺研究中发现更深层的社会、文化层面内涵。即，扬州玉雕的产生、发展、存在的基点是什么？人如何利用“玉雕”来解决社会群体问题？扬州玉雕背后潜藏着什么群体造物思想？产生于扬州的玉雕起源、历史、社会结构工艺、造型、变迁、传承、制作、销售模式是什么？在不断出现强势文化压倒弱势文化的情景下，作为区域文化，如何在嬗变过程中保持自身的特点？以及由以上疑问所衍生出的其它问题：对于扬州玉雕这一非物质文化遗产的理论研究，学术指向应该是什么？非物质文化遗产保护，究竟保护什么？究竟由谁保护？而这些问题同样是扬州玉雕亟待解决的。
五、基本观点
笔者认为，开拓、发展扬州玉雕艺术，实际上是在寻找与激活在当代新背景下的传统玉雕新生命。其最主要的突破口在于从文化层面上获得新的增长点。概而言之，有如下两层意思：
其一，在当代背景下对传统玉雕艺术进行文化传统、文化个性的确认，以使其在趋向统一的当代文化氛围中显示其自身的价值。其二，对于传统艺术资源进行当代新的文化诠释，并使之焕发出为更多人所接受的新的美学品质。
以上两层含义同时包括了传承与创新的双重内涵，即：
首先，借鉴和发展传统玉雕文化是发展现代玉雕艺术的根基。在当代大工业生产技术为主的社会中，大机器工业生产已经承担了绝大多数产品的生产，玉雕艺术作为少数不能被取代的手工技术，其存在的价值和生命力正在于这些非物质的工艺传承和文化内涵。前人的具体玉器创作有其历史的局限性，但是从他们看待玉雕创作的角度、具体的工艺方式中透露出来的智慧是永远值得我们借鉴的，永远都有灵感的启迪，这对于发展现代玉雕艺术有着重要的意义。
其次，玉雕文化的创新，是社会发展的必然要求。文化在交流的过程中传播，在继承的基础上发展，都包含着文化创新的意义。文化发展的实质，就在于文化创新。“取其精华，去其糟粕”，“推陈出新，革故鼎新”，是玉雕文化创新必然要经历的过程。一方面，不能离开文化传统，空谈创新，对于一个民族和国家来说，如果漠视对传统文化的批判性继承，其民族文化的创新，就会失去根基；另一方面，体现时代精神，是文化创新的重要追求。这两方面缺一不可，同等重要。
总之，对于扬州玉雕的研究，只有坚持“继承、创新”辩证统一的正确观点，采用科学合理的研究方法，才能使研究工作不断深化。同时我们需要认识到，扬州玉雕的保护、传承与发展同样是一项任重而道远的文化工程，完成这项伟大工程需要整个社会的参与和共同努力。我们相信，通过人们的不懈努力，通过在深入的研究基础上实施切实可行的方针政策，一定能够使扬州玉雕这一非物质文化遗产得以有效保护和传承，并在新时挥更大的社会价值。
参考文献：
[1]杨伯达.中国玉文化学丛论[M].北京：紫禁城出版社.2006.
[2]中国轻工业珠宝首饰中心.工艺品雕刻工（玉雕分册）[M].北京：中国轻工业出版社.2010.
陶瓷,是人类在生存空间中最早出现的几种艺术形式之一。从初始的以实用为目的,渐渐随着技术的进步而增加了美学的功能,使其成为集实用和欣赏为一体的工艺美术品,最终,陶瓷又摆脱了实用的初衷,成为完全意义上的欣赏品。由此基础上衍生的现代陶瓷艺术,则具有更多的价值内涵,其中尚待我们进一步认识的有商品价值、装饰价值和收藏价值等几项,但是要怎样通过市场来肯定这些价值呢？这是我们现代陶瓷艺术工作者所要面对的课题。
艺术品市场，首先是市场，然后才是艺术。艺术家在禳中羞涩时会使他们在艺术的道路上举步维艰，一个再有抱负的艺术家若没有一定的物质基础支撑，他的事业发展往往会成为一个幻想，即使他才华横溢，贫穷却能使他自生自灭。我们的艺术家大多处于物质生活的初级阶段，他们的当前使命是：除了修炼心中的艺术之外最重要的是如何成为一个生财有道的商人。作为一个陶瓷艺术工作者，应该下力气去了解现代陶瓷艺术品市场，去研究这个市场中带根本性的规律。那么，我们就应该从下面几个方向去认识并熟悉它。
一、现代陶瓷艺术品的特点与品质
现代陶瓷艺术作品有三大类，第一类是纯雕塑作品,第二类是画于平面瓷板上的瓷画作品,第三类是器物造型和釉彩绘画相结合的作品。wWW.133229.COm每件陶艺作品都是独立的欣赏对象,并不受环境条件所影响。但目前大多数艺术的消费者购买陶艺作品,是作家居装饰，这样和现代建筑的环境的相容性和互补性便成为购买者的考虑因素。纵观目前创作的一些现代陶艺作品,或大而无当或过于矫情,难以被大众接受。强化现代陶瓷艺术的装饰性,应注重时代感、多样性和轻型化。
时代感—历史上各个时代的陶瓷作品几乎都与当时的生活居住环境协调一致。现代居室采光充足,色彩明丽,线条简洁,那些题材陈旧,纹饰琐碎,釉彩沉闷的作品已无法适应。
多样化—现代居室功能细化,卧室、客厅、卫厨都有装饰区别,除传统的瓶炉盘尊外,瓷板、壁饰、挂件、摆件都应设计和制作,其中卫生间装饰历来是空白,陶瓷不怕潮湿,具先天的优越性,仅此一项就是很大的市场。
轻型化—现在大多数家庭居室改善,面积扩大,因功能的细化,每一空间又不会很大,过于巨硕的造型会使购买者望而生畏。轻型化是扩大陶艺作品市场的必要条件。
在二十一世纪的今天,信息技术的先进与地球村的构筑,使世界再也不是分散的板块。而是被日益紧密联系起来。流动开放的环境,互联网的快速方便,带来了东西文化的交流、碰撞。无论主动还是被动,国人的传统生活方式和思维方式都受到了直接或间接的影响。艺术这一块,后现代主义风格的建筑也屹立在我们的城市里。不少外国艺术形式和风格已被一部分国人接受和认可,也为现代审美需求注人了许多新鲜血液。在这种历史趋势下,开放性的开放部分成为现代陶瓷艺术体现当代人们审美需求具有的可贵品质。
二、现代陶瓷艺术品与市场的关系。
张贤亮先生说得好：艺术有它的游戏法则，商品经济也有它的游戏法则，二者不可套用。许多文人就是因为不懂得这个道理，下海之后不是呛水就是淹死。艺术的法则中创造性是第一位的，你得我行我素，商品经济却不同，他的法则是价值规律，你的所作所为要迎合市场，要讨悦买主，要顺应商品潮流，要大家有利可图。
要让现代陶瓷艺术品进入市场，首先当然应该了解买方喜欢什么样的艺术商品。鲁迅说过一句非常形象的话：“焦大不爱妹妹”，那些纯艺术的作品，曲高和寡，在当前这个形势下是不会有多少经济效益的。追求高品味的艺术品只是那些精通艺术的收藏家和博物馆，遗憾的是这部分人在艺术市场中所占的比例太小，形不成市场气候。我们艺术家能否选择一种两条腿走路的方针：你的奋斗目标仍矢志不渝地去攀登艺术高峰，你也不妨多创作一些市场欢迎的商业性作品，以求获得物质帮助来扶助自己所追求的事业，相辅相成，岂不乐哉。
现代陶瓷艺术品进入市场，千万别忘了包装，在艺术商品中，作者就是商标，名人就是著名的商标，有了著名的商标作品就好卖。推出一批名人是市场的需要，因为大多数顾客对于陶瓷艺术品的鉴赏能力还不太高，他们的鉴别方法只能从商标上来甄别。艺术名人是那些艺术圈中鹤立鸡群者，有极高的市场信誉。好产品也离不开好广告，我们的宣传机构要采取各种手段向社会广泛深入地宣传名人，尤其是宣传那些后起之秀的青年名家。实事求是地介绍他们的艺术成就，宣传他们的艺术特色，让社会真正了解他们的价值所在。
要将现代陶瓷艺术产品打入市场，要熟悉艺术市场的规律，更重要的是学会推销自己，我认为最有效的手段是寻找合适的经纪人。艺术市场的建立是由经纪人和艺术家共同完成的，经纪人主观为自己，客观为艺术家为社会，高明的经纪人会有办法把你推向市场。我们的艺术家要大气，真正让经纪人获得实惠，他们才会有积极性，当一支高素质的经纪人队伍形成之后，各类画廊，艺术商店才会兴起，艺术市场的许多配套工程也就会建立起来，如权威性的艺术品鉴定机构，艺术品当铺，艺术品的保险机构定会应运而生。到时，国家再制定一部关于艺术市场的法律，保护艺术家和买主的正当权益不受侵犯，买卖方在艺术品交易中出现的一系列具体纠纷也就有法可依，陶瓷艺术正常运转对于提高陶瓷艺术家的社会地位，尽快提高国民的文化艺术素质也就是一句话了。
三、现代陶瓷艺术品的价值
现代陶瓷艺术品的价值主要体现在三个方面：商品价值；装饰价值；收藏价值。
在历史上,中国陶瓷与丝绸、茶叶一样,是重要的贸易品,通过陆上和海上丝绸之路传播的中国文化,其实是有着十分可观的经济利益的。因此,陶瓷的商品价值是明确的。但是,现代陶瓷艺术的纯艺术化追求,似乎淡化了应是与生俱来的经济属性。具体表现为创作和市场的脱节。
脱节之一是艺术形式和社会欣赏口味的差异。当代陶艺家在不断追求新颖的艺术手法,因过于超前或偏离大多数人的欣赏水平,很少有人会买一件自己完全不懂以至不能达到赏心悦目的艺术品,这便打击了市场购买力。
脱节之二是市场价格和实际价值的偏离。现代陶瓷艺术作品动辄上千上万,甚至上百万一件,平心而论,无论从艺术价值和制作成本来说,都是购买者心理上无法承受的。
脱节之三是作品数量和市场需求的脱节。市场需求的理论平衡是永远无法追到的,但可以调节到较为合理的程度。现代陶瓷艺术作品的总体趋势表现为比例失调的供大于求,呈现从艺术品位讲阳春白雪多下里巴人少,从作品价格看高档品多大众化少,从使用价值看纯欣赏性多兼欣赏与使用为一体的少。这些脱节的存在制约了陶艺生产的发展,是值得予以重视的。
和传统艺术陶瓷相比,现代陶瓷艺术更强化作品的欣赏功能,具有装饰价值。陶瓷的装饰价值有一个逐渐被人们认识的过程。中国古陶瓷有日用器和陈设器之分。陈设器从一定意义上说是装饰物,但尚存“实用”的外形。可以追溯到明晚期的瓷板画,是纯装饰意义的陶瓷品。瓷板正发展到清末民初,出现了浅绛彩和新粉彩两大品种,使人们认识到陶瓷品的装饰价值。现代陶瓷艺术的建造基础便是欣赏功能,无疑为其装饰价值确立了前程。
对于现代陶瓷艺术品的收藏价值，中国人历来持保守态度,产生这种情况有两个原因，一是中国人的崇古心理,总以为老祖宗的东西样样都好,新的哪怕再好也不足道。二是当代艺术尤其是陶瓷之类的工艺品大多粗糙简陋,确实无法和古代珍玩相比。因此,现代陶艺家和收藏家之间的通道是封闭的,只要打开这一通道,才能给现代陶瓷艺术的发展提供经济前提。为了达到这一目的要做两方面的努力。
首先是培养市场。和中国收藏家不同的是,国外艺术品收藏并不以时间久远为收藏前提。几个世纪以前的无名画家的油画仅值数百美元。当代大师的精心巨作价值几百万美元。艺术品价格的高低的决定因素是艺术价值。现代陶艺作品釉彩的理化性能远超古代,不管是釉上彩、釉下彩都能应用自如,呈色艳丽。先进的技术条件加上现代艺术手法,以更能符合现代人的跟美观。因宣传上的局限性,现代陶艺作品大多数人还知之甚少,不会欣赏,不懂价值,造成陶艺作品乏人问津的局面。
其次是精品意识。现代陶艺作品正处于剧变之中,艺术风格,表现手法都未定型、有很大的发展空间。因在探索中自然会不成熟,现代陶艺作品中精品虽有但比例很小,大多数作品仍较粗糙甚至毫无美观可言。对于陶艺家来说,精心做好每件作品,不但是为了不欺骗消费者,也是为了提高自己的技艺。可以肯定地说,只要有精品就必定有市场。
现代陶瓷艺术品的市场和价值其实是紧密联系在一起的，有市场才能体现艺术品的价值，有艺术品的价值才能繁荣市场，才能促进艺术品市场的发展。现代陶瓷艺术品要想得到生存和发展，就必须在市场中寻找和挖掘自身的价值,离开市场的经济支撑,为艺术而艺术是不现实的。可以预料的是,现代陶瓷艺术品的市场化进程或早或迟会发生,这也将是现代陶艺成熟的标志。
参考文献：
好琴之风 天下蔚然
从中国原始氏族伏羲“削桐为琴，绳丝为弦”开始，商周时期，古琴已经流行于士大夫阶层，制作古琴器的要诀更是藏于时代更迭中的“秘密”。
孔子就是一位深谙琴道以致三月不知肉味的琴家，俞伯牙和钟子期高山流水遇知音的故事也成为千年传颂的人文佳话；两汉魏晋，司马相如一曲《凤求凰》博得卓文君芳心，以及“竹林七贤”的嵇康临刑弹奏《广陵散》而成天下绝响，到唐宋诗词无不涉及古琴；有明一代，从皇帝到士庶，好琴之风天下蔚然。1950年，国家文化部、音协、广播局联合展开全国范围内有关古琴资料的搜集整理以及琴人的调查和录音。2003年，古琴被联合国教科文组织收录到人类口头与非物质文化遗产项目名录。
古琴器的制作自古以来作为“秘密”，除了皇室需要以外，只是父子或者家族传承。历史上许多斫琴名家没有写下自己制作工艺的文字流传于世，宋代以前的文献记载只是略及皮毛的片言只语。像《碧落子斫琴法》等这些文章虽然比较全面地阐述了造琴的工艺，但也没有真正深入它的本质，只是对于制作技术的一个概括。
我们现在弹奏的古琴是唐代以来认为比较成熟的器物，而唐以前的古琴，从近现掘的墓葬实物和绘画、雕刻等艺术品相对比，是否确定还在论证当中。唐代以下，主要的款式是：伏羲式、神农式、伶官式、连珠式、仲尼式、蕉叶式、落霞式等。无论哪种款式，琴身主要由面板、底板和面底胎漆等构成，弧形的面板一般用梧桐和杉木制作，内部挖有槽腹；上下分别装有音柱，留有音梁，音梁俗称纳音；底板用杉木或者梓木制作，上下挖有长方形或圆形、椭圆形的出音空，靠琴肩的部分称为龙池，靠琴尾的部分称为凤沼；承弦的部分是岳山，龙龈和龈托，它和承露、冠角、尾托、轸子、雁足一般均由檀木、红木等制作；琴身向外的一侧镶有十三个表示音位的“徽”，大部分用蚌壳、金、玉等。琴的面底板合拢后，扎上葛、麻布，用生漆调和不同粗细的鹿角霜作为灰胎，经过多次精致打磨，测试煞音，最后用推光工艺制作黑色或者紫褐色的面漆。
斫桐为琴 金石遗音
“惟桐之材，其心虚而理疏。理疏则虚，不特其心而在体，举则轻，击则松，折则脆，抚则滑。轻、松、脆、滑谓之四善”。 ――《太古遗音》・论梧桐
“惟桐之材，其心虚而理疏。理疏则虚，不特其心而在体，举则轻，击则松，折则脆，抚则滑。轻、松、脆、滑谓之四善”。 ――《太古遗音》・论梧桐
百衲响泉 十年弦不断
“……或云其造琴，新旧桐材叩之，合律者裁而胶缀之，号‘百衲琴’，其‘响泉’、‘韵磬’弦一上十年不断，其制器可谓臻妙”。
――宋代朱长文《琴史》
唐代斫琴历史上创造了一种前代没有记载过的，而到现在也没有确证实物流传下来的古琴面板制作工艺――百衲。“衲”的原意是多次缝补的僧衣，百衲言其补丁之多，“百衲琴”就是用许多小木块拼接而成的琴器。
百衲琴据传雷氏家族也有制作，但是文献记载比较详尽的首推唐肃宗、代宗时期，累官至宰相的宗亲李勉。《旧唐书・列传》说李勉“坦率素淡，好古尚奇……妙知音律，能制琴，又多巧思”。《新唐书》又说李勉“有所自制，天下宝之。乐家传‘响泉’、‘韵磬’，勉所爱者”，可以想见其人精通音律又有独特的造琴技术。依此可知，李勉在梧桐小木块的选择上必须符合琴体不同音区而选择软硬、新旧不同的材料。譬如琴的高音部位因为声音短促，但是要追求的是将此音域的韵味增加宽长和饱满的程度，所以材质应该是选择松透的旧桐为好，而低音区本来就韵长有余音色偏沉弱，为增加音色中的骨力需要选择比较坚实的新材为好。
对于胶缀一说，并不是用胶汁粘接木块，因为胶遇水容易软化，遇热容易融解，遇寒又容易发脆，而且它的密度和梧桐的质地没有互融性。如果纯粹用生漆，则不容易很精确地将小木块合缝，所以从我个人实践，以为用生漆调和鹿角霜把小木块粘接起来比较合适。待它干燥后，粘合缝的漆灰的硬度和疏密度以及利于声音传导的特性正好和木材相匹配，加上整个琴的胎体部分用的是同一种用料，完全浑然一体。
百衲琴在物理上最大的优点是不易变形，因为面板用整块木料受气候和地理条件的影响比较大，经常会遇到塌腰或者上拱的毛病。百衲琴的面板由很多小块木材组成，材份短小受到自然条件和物理应力极小，所以有“弦一上十年不断”的佳妙。
宋代蔡京的儿子蔡在其笔记《铁围山丛谈》中记载“唐李勉公者号善琴，乃自聚灵材为之，曰‘百衲’琴。百衲琴流传当陵朝，亦入九禁。时天下号殊绝，独玉鹤、百衲为第一”，其又记此百衲琴因邀皇帝垂青，被当时内廷琴工“……破之，乃止八段，然胶漆俱解散，群待诏反大惧，辄鲁莽仅得和拼……然时时奏功第赏，但求金石之奏，思得山水之清音，无矣”，可知当时李勉百衲琴为当世所重而称第一，可惜因为邀功请赏者破腹而损坏。
在流传下来的古琴实物里面，还有百衲琴吗？
现藏于故宫博物院的唐代雷氏所制作的伏羲式琴“九霄环佩”，从它的CT图上可以观测，琴面中心弦路部分依然是一块整木，侧面肩膀部分另加木条拼补，由此可见，这床古琴是材料的宽度不够用补木条的办法加宽，所以不能是真实意义上的百衲琴；上海博物馆藏“绿风天雨”蕉叶式琴，面板本来就是整材，只是在龙池、凤沼内纳音暴露的地方刻划成百衲片的形状，然后填充漆灰，无非是百衲琴的假想而已；另外故宫藏有一床名“峨眉松”的仲尼式琴，是将六角菱形的紫檀片，以包镶嵌贴的手法拼接在整块的琴胚木料上下，而琴的表面并没有按照传统制作要求加施灰漆部分，所以也只能是作为的“御赏”之琴。
从命名为“响泉”“韵磬”的百衲琴来看，说明它的音色是温润清亮而余韵绵长的，有敲金戛玉般的清脆。我在不断试验百衲制作工艺的过程中，同时认为百衲片小木块的选择也是需要用梧桐的，梧桐软硬度上的选择余地也比较大，而杉木料的软硬度相对比较均匀，同时梧桐的疏密度和鹿角霜灰胎十分地接近，更加有利于琴体的共振。
课程群的建设方法
1.课程群的规模课程群的规模与设置以利于专业课程管理为宗旨，保证群内课程的联系紧密，以及相互之间关系的协调。因此，课程群的规模应该需要有3～5门课程作为支撑。2.课程群的重点前文谈到，课程群是以一门或两门的骨干课程作为基础,由3门及以上的性质相关或相近的单门课程组成的，因此课程群建设就是以这一门或两门骨干课程的师资情况、教学条件、教学内容的建设为基础,将重心放在课程间教学内容的整合上的。从市场化的角度出发，针对培养目标、职业发展方向及已有的知识基础等因素,将课程群进行重新规划,由追求单门课程内容的严密、完整转为追求课程群体系的完善、系统,使群内课程之间由原先的相互隔离、疏远转变为相互贯通，转变成相辅相成[3]。3.教学团队的建设师资队伍是课程群建设的重要内容之一。能否具有一支能力强、素质高的教师队伍，是衡量课程群建设成果的重要标准。教学团队建设主要着重从以下几个方面细化，即课程群的教师数量、年龄结构、职称结构、学历结构和学缘结构等。围绕教学与科研两方面的工作开展课程群建设，形成以中年教师为主体、青年教师为辅助，具有较高学术水平和发展潜力的教学团队[4]。以环艺设计方向为例。近三年，在以《室内设计学》为核心课程的课程群建设中，打造了一支有着浓郁学术氛围、探索精神、团结合作、充满活力的教学和研究团队。中青年教师优势互补，使课程的知识结构和能力结构的形成更具活力，教学效果得到了明显的提升。在学校的教学质量评估和青年教师授课竞赛中，这个团队的中青年教师都获得了十分突出的成绩。而团队中的成员在近三年撰写的专业论文和编撰的教材也在质量和数量上达到一个新的高度。与此关联的学术交流、学科竞赛以及学生撰写的学术论文，都得到了丰富、扩大以及水平的提升。课程群的建设，可以打造一支教学水平高、科研水平高的教学团队，锻炼和培养教学队伍的教学和科研的整体协作能力。在营造一个和谐进取的工作氛围的同时，也促进了本学科的学科建设。通过课程群建设，带动教师队伍建设、基础设施建设、教材建设以及相关的教学研究与学术交流，全力打造了一个培养高素质艺术设计人才的多元化的教学科研平台。
课程群的教学方法
通过所涉及的专业课程整合而成的课程群，加强专业设计和实际应用方面的联系，把课程的主题中心建立在课程群教学及项目教学上，实现从“课程教学”为主到“项目教学”为主的转变。在“课程群”的前提下设置出一个真实或虚拟的项目，以项目贯穿课程群内的各门课程，有机地将设计所需要的完整的知识和能力，通过教学科目段传授给学生，从而达到培养及提升学生的综合素质和整体设计能力的教学目的。通过项目式教学，可以真正做到理论与实践的融会贯通，丰富创新教学方法与手段，同时也能区别于过去的独立式课程。课程群将理论教学与相关的实践教学环节通盘考虑，不仅对理论教学开展系统的研究，对实践教学环节也进行了相应的改革，实现了全方位、多途径教学效果的提高。同时，课程群的项目式教学是相互关联和不断互动的，整个教学结构中的教师、学生、学院、教材、观念等因素互动连接，因而形成了一个高效的互动网络体系。艺术设计专业核心课程群建设，以“多元创新”为特色，体现专业知识的融合交叉与渗透，体现了课程设置的互补性、教学内容的复合性和教学方法的多样性。如今欧美国家及我国的部分专门性的艺术院校的设计教学方式大多是工作室制的，采用小班授课的模式。在课堂上教师以启发和引导的方式进行授课，教师和学生处于平等的地位，很少把自己的想法强加给学生；教师将设计理念融入项目设计之中，保证了学生的创意不遭受打击和破坏，也使教育的目标得以实现，这样就形成了一个教师参与，引导学生认识、体验和创作的模式体系。课程群的项目式教学带来的直接变化就是极大地提高了学生的学习兴趣和学习积极性，将学生从原来的被动式学习转变成主动式学习。
摘要：高职教育近年来备受关注和重视，在这种形势下，为了满足现代化市场对于人才的整体需求，高职教育正在大力进行改革和创新。本文对高职美术教育学生审美能力提升的现状问题进行详细分析，根据实际情况，提出相对应的解决措施。
关键词：高职；美术教育；学生审美；提升
在当前我国教育行业不断大力改革和创新发展的形势下，原有的教育模式已经不能够满足现代化社会的整体发展进程，也不能满足现代学生的整体学习需求。特别是近年来，我国已经逐渐将素质教育作为各个院校在学生培养过程中必不可少的一项基本素质。我国素质教育当中包括思想、文化、身体以及审美等等，素质教育最注重的就是学生的德智体美全方位发展。而其中，审美素质教育是必不可少的一项重要部分，为了提高学生的审美能力，在高职美术教育过程中，要将学生审美能力的培养和提升作为教育中的一部分，与教学内容有效结合，这样才能够有利于提升学生的审美能力、创新能力以及人文精神。
一、高职美术教育对学生审美能力提升的必要性分析
(一)培养高职学生的人文精神
在高职美术教育过程中，提升学生的审美能力，在某种程度上就是为了培养高职学生的人文精神。人文精神是精神文明世界当中非常重要的一部分，对物质文明的整体建设也会产生一定的影响和作用。在这种形势下，艺术作为人文科学当中必不可少的一部分，能够将真实的社会现状以及艺术灵魂反映出来，学生学习艺术、培养学生自身的审美观，有利于帮助学生逐渐在实践当中找回真实的自己。人文精神的培养，不仅能够帮助学生逐渐将其自身的自我性开发出来，而且能够打破传统美术教学的局限性，让学生能够真正的提升其自身的道德情操和人文情怀。
(二)有利于学生创新能力的培养
在对高职学生进行审美能力提升的过程中，有利于其自身创新能力的培养和提升。在前教育行业不断大力改革和深入的形势下，我国在人才、质量以及数量结构方面与之前相比，都有了明显的改变和提升。虽然我国经济一直保持持续增长的状态，但是我国经济仍然处于转型期当中，对于人才的要求越来越多样化，也越来越复杂，特别是在当前现代化社会当中，对人才自身的创新能力要求也都有了明显提高[1]。培养学生审美能力属于一种多元化的培养措施，其自身的人文精神将创新理念也一并融入到美术教育当中，美术艺术自身具有一定的抽象性和创新性，所以在这个基础上，能够培养学生的创新意识和能力。
二、高职美术教育对学生审美提升的现状分析
(一)对美术课程的整体重视度不够
在高职美术教育过程中，由于之前受到一些传统教学理念和方式方法的影响，所以很多高职院校对美术教育的重视度仍然不够，没有意识到美术教育实施的必要性。特别是近年来中小学美术学科教育也在不断进行改革和创新，美术课已经不再是可有可无的一门课程，而逐渐变成了必修课中的一种。因此，相对之前而言，无论是教学方式，或者是教学内容也在不断的完善和优化，促使美术教育效果也有了明显的提升。高职教育中的美术教学在一定程度上仍然存在一定的滞后性，一般来说，大多数都是以选修课的形式出现，在对美术课程的重视程度上，也远远不如其他学科[2]。而美术课程纳入到选修课程当中，不仅没有被告示重视，反而学生大多数情况下，也只是看重结果，对学分、成绩比较重视，对课堂的实际教学情况并没有给予一定的重视。这样不仅不利于学生审美能力的培养，而且还会很容易给学生造成美术课程学习的消极影响。
(二)课程体系太过于陈旧
美术教育是通过对美术作品自身的特点、流派、内涵以及时代变迁等各种各样内容进行讲解，让学生不仅对我国国内美术作品有深入的了解，而且还对国外的一些优秀作品进行了解和分析。这样才能够在对这些作品的了解过程中，逐渐提升其自身的鉴赏，形成具有学生个人特色的审美观念。但是当前现有的高职美术教育体系太过于陈旧，很多内容都走形式化路线，无论是对学生的学习还是教师的教学来说，都在无形当中形成了严重的阻碍影响。学生在开设课程方面，一直沿用传统的方式方法，并没有与时俱进，也并没有与学生的实际情况进行有效结合[3]。很多院校在开展课程的时候，大多数情况下，仍然以鉴赏为主，并没有与设计、建筑等一些新兴行业进行有效结合。与此同时，在教学方法上也处于比较落后的状态，很多教师都是按照传统灌输式的教学模式来进行教学，导致实际教学内容与美术学科的整体发展背道而驰。
三、高职美术教育对学生审美能力提升的有效措施
(一)提高学生的学习积极性和主动性
无论是任何一门学科的学习，兴趣无疑都是学生最大的学习动力，对于高职美术教育来说，也是如此。教师要利用多样化的方式方法，来吸引学生的注意力，提高学生的学习积极性和主动性。在美术教育过程中，教师可以通过在引导学生用心对日常生活进行观察，促使学生能够将正确的审美观念应用到自己的日常生活以及大自然当中，对其他的一些领域进行认真的观察和分析，从中发现不同领域的美。教师应当逐渐打破传统教学模式的局限性，利用一些新型的教学模式来让学生积极主动的投入到学习当中[4]。在对新课程进行导入的时候，教师可以利用一些大文学家自身对一些经典美术作品的描写来提高学生的学习积极性，比如培根的“谈美”、李泽厚的“美的历程”等书中就有大量对艺术的描写，这些描写更加的详细，会调动起学生的学习积极性和主动性，这样就会带来更好的教学效果。
(二)改善教学方法
一直以来，高职美术教学在教学过程中，沿用传统教学模式，教学方法都比较落后，教师在平常的教学过程中，在课堂上都会开设一些中外名画欣赏的课程，在对课程的整体选择上比较少。教学内容也单一，很多教师在教学过程中，将美术作品进行简单的概述之后，陈述一下有关作品的人物、背景等等，并没有对美术作品进行深入的讨论和分析。针对这种情况，在实际教学过程中，教师首先要从自己的审美能力和教学水平提升方面着手，在保证教学内容丰富多样的基础上，要利用形象生动的语言来将这些内容传达给学生。其次，教师可以让学生以小组的形式来进行讨论，在课程开始之前先进行一切的预习活动，这样能够加强学生之间的交流和沟通[5]。比如在欣赏文艺复兴时期画作教学的时候，教师可以将单纯知识的讲解，传遍成为诱导式启发式的教学。在课程开始之前，将学生按照个人能力公平分为几个小组，引导学生利用课余时间对与课程内容相关的历史背景、社会环境、思想意识形态等内容进行资料的搜集和整理，在课堂上的时候进行讨论，最后安排一个代表来对自己小组的观点进行陈述。
四、结束语
综上所述，在对高职学生审美能力进行提升的过程中，不仅要从学生的角度出发，而且教师自身的审美能力也需要有所提升。高职美术教育在实施过程中，为了达到学生审美能力有效提升的根本目的，在课程教学内容上要进行改革和创新，为学生营造良好的学习氛围，促使学生的学习积极性和主动性能够被充分的调动起来。培养学生良好的审美观，有利于让学生拥有良好的观察力、想象力以及创造力，能够让学生养成良好的意识和习惯，有利于提升高职学生综合素质和美术技能水平。
参考文献：
[1]罗诗琦.浅析大学美术教育在提升学生审美观上的应用[J].艺术品鉴，2015(05).
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一、在环境设计专业中建立人文课程模块教学的意?x及定位
目前很多高校的环境设计专业，特别是地方性的强调培养以应用型人才为目标的二本院校，专业培养目标基本上都是适应我国社会生义经济建设的发展需要，在系统掌握环境艺术设计与创作方面所必须具备的专业知识和专业技能的基础上，具备接受新知识的能力和较强的创新意识及设计实践能力，能在环境艺术设计机构从事公共建筑室内空间设计、居住空间设计、城市环境景观与社区环境景观设计，并具备项目策划与经营管理工作能力的环境艺术高级应用型人才。从这个定位和需求上看，环境设计专业与众多的设计专业学科一样，作为大学教育的一门专业，同时又具备一定的稳定性，因此它的定位、方向、特点、优势、瓶颈、盲区、作为和理由，是需要随着时代的发展和社会的需求，在不断界定中思索和寻求问题，梳理关系后不断调整的结果。正是基于此，为环境艺术设计专业制定一个相对实用的教学模块，同时使其具备一定的“可成长”性，这将为学校向市场提供合格的设计人才提供必要的保证。
近几年来，笔者在与很多沿海一线城市及内地二三线城市的专业环境设计装饰公司及企业的校企合作互访交流中，总能听到一些对于现在专业毕业生的毕业现状的话语，其中最为重要的一点就是，90后的学生，个性表现中的独立及自主性强，但专业综合素质较弱，这里说到的专业综合素质，其中就包括了个人的人文修养。而毕业生在毕业之季面对社会这个大职场，公司及企业在选择人才的前期考核上岗培训中，也会就此选择出真正符合公司及企业文化发展需求的人才。由此可见，真正培养一个合格的专业应用型人才，除了在专业技能上要有所高要求，还应在环境设计专业课程中系统建立人文课程模块来进行教学，与需要掌握的专业实践技能形成互相渗透、相互影响，综上所述就是其意义所在。
人文课程模块在环境设计专业人才培养课程中的定位。改革开放的中国经济取得了举世瞩目的成绩，在当今国际中的地位也有了显著提升，在这样一个转型阶段，用一种学术性的批判态度来看事物的发展是极为重要的。当我们具备这样一种心态的时候，改变、调整和完善已有的教学模式，就变成了一种自信的外在表象了。在这样的大环境下，湖南本地高校的环境艺术专业该如何发展呢？湖南为中南五省之一，有着丰富的地理资源，历史造就了这个地区充沛的人文与地理资源，这也正是立足本土进行发展的良好基础。在这样一个背景之下，如何使得环境设计的形态与现代化的生活方式协调，同时又不失去本地区的地域文化特色，正是我们进行教学改革的重要目的。
二、地方艺术院校环境艺术设计专业人文课程模块教学的“学”与“教”的探索
1.环境设计专业人文课程模块教学的设置探索。针对环境设计专业的具体情况，需建立一个环境设计专业人文模块教学新模式，配合大学在读的四年时间，该模块绑定目前专业课程教学的六大部分，每个部分都是在完善其专业知识结构，同时细化每不同课程之间的关联性。具体绑定的六大模块分别如下：（1）在公共必修课模块中，在入学的第一学年，就应该在大学生职业生涯规划这门课程中，有对学生的人文素质培养做要求。其次，在后续的培养计划中，还应依次开设中国文化概论及大学生就业创业指导等相关课程，进一步强化其人文意识。（2）在接下来的造型基础模块中，设计素描与设计色彩的课程大纲设置中，要凸显民族尤其是地方文化的造型特色，总结并提炼出地区民族文化的精髓所在，在学生学习过程中进行介绍与课程练习。（3）专业通识必修课程模块中的艺术设计理论基础和中外工艺美术史，要结合地区文化及内涵特点进行讲授，在进行多方位的艺术观点介绍的同时，条件成熟的地方性高校，建议学生结合理论知识，体验式地参加课外相关人文活动来完成课程的学习。（4）设计基础模块中的设计基础（1）、（2）、（3）。主要是强调在“基本技能”之下的“环境与构成基础”和“环境与装饰造型基础”两个知识点，可以在强调环境设计专业特色范围内的构成及装饰特点的同时，让学生适当了解民族民间环境设计造型技法的基础知识，这样可与传统课程教学方法拉开距离。（5）在整个模块教学的核心部分专业设计模块中，教学重心可适当结合对于地区民族文化价值的研究，尤其是地方名族的建筑及环境设计特点，来进行具有针对性的教学设计，如民族民居的研究与改造、民族文化的二次提升等课题进行研究与设计，在了解地区民族文化的基础之上，进行环境设计的保护与创新。（6）毕业设计模块。主要由毕业设计、毕业论文两部分组成。毕业论文必须结合毕业设计进行研究，毕业设计要求对具体一个民族地区进行全方位的调查研究，深入实地，开展调查研究，并与当地政府形成合作关系，进行环境问题的梳理与解答，解决当地在发展过程中碰到的具体问题。相信在这样一个个的学习和探讨方案及项目设计的过程中，能潜移默化地将人文精神贯彻到每一位学生的思想当中。
【中图分类号】G【文献标识码】A
【文章编号】0450-9889（2014）02B-0022-03
创建特色普通高中，是优化学校管理、丰富学校内涵、提升学校品位，确保学校教育可持续发展的支撑点和生长点；是全面深化素质教育，实现教育创新的突破口和切入点；是呈现学校鲜明个性，拓展学校办学境界的立足点。《国家中长期教育改革和发展规划纲要（2010-2020年）》明确提出，“鼓励普通高中办出特色”。
由于工作的关系，笔者走访了多所特色普通高中试点建设学校，参与了一系列特色普通高中的建设活动，通过座谈交流、经验汇报、实地考察，感受到了特色普通高中建设学校积极实践、勇于探索的研究精神，但同时因为各试点建设学校的起点不一，特色各异，因此也存在认识和行动上的许多差异，还有许多东西值得我们学习、思考和探讨。笔者认为在特色普通高中建设中有五个关键要素值得特色普通高中建设学校的重视。
一、理解“特色学校”的“特色”内涵
《现代汉语词典》对“特色”的解释为：事物所表现的独特色彩、风格等。目前相关研究也对“特色学校”作出了一个较为明确的界定，即在全面贯彻教育方针的过程中和长期的教育教学实践活动中，从学校教育工作的整体上或全局上形成的、具有比较稳定的、区别于其他学校的独特风格或独特风貌，并培养出具有特色的人才的学校。
基于以上的界定，普通高色的基本特征就是独特性、优质性、整体性和稳定性。如果某些学校在某一个项目上或局部上有一定成果、获得某种奖励，比如在一些体育项目或某一学科上获得好的成绩，或者在某项竞赛中获得好的名次，或在文艺演出中获得几次奖项，就认为自己的学校是“特色学校”，这是不正确的。这些只能算是学校的特色而已，因为它只是学校的某个局部特色。“特色学校”却是整体和全局的，是一个学校的办学体制、办学形式、办学目标、课程及教学等方面具有的特色。千万不能把“学校特色”或“特色项目”等同于“特色学校” 。
以广西的特色普通高中试点建设学校为例，有的学校是艺术特色，有的学校是体育特色，有的学校是科技特色，还有的学校是民族文化特色。不管是体育特色、艺术特色还是科技特色，在学生素养目标培养上，追求的不应该是两三个学生的一枝独秀，而应该是全体学生整体素养的同步提升。特色学校建设是一个整体与系统的工程，普通特色高中试点建设学校必须树立全局观与整体意识，在普通高色学校的创建中，只有正确理解特色学校建设的内涵，才能避免在办特色教育上重局部轻整体、重形式轻内涵，重表面轻实质，“为特色而特色”的现象发生。
二、明确“特色学校”的发展定位
学校发展永远处在特定历史时期、特定社会环境之中，这必然要求特色学校建设不能脱离社会发展对学校教育的时代要求。作为普通高色建设试点学校，首先要通过结合内部资源、外部环境，以及学校类型、学校历史、学校文化、当地的教育环境等，认真思考，明确自己学校的特色发展定位，找准学校的优势和特色。只有方向明确，才能顺利达到目标。例如，广西容县中学在特色学校的建设中就确定了特色办学的重点方向：强调“学校有特色，教师有特点，学生有特长”作为学校的办学思路，努力发展和完善学校的特色，积极发展特长教学，如加强美术、书法、音乐、舞蹈、体育等科目的教学，使学生有一技之长，促进学生健全人格的形成和身心的健康成长。
特色建设学校的领导一定要具有较高的办学理念修养、强有力的领导力量，可以带领良好的学校领导集团群策群力、高瞻远瞩，拟订出学校发展的总目标、阶段目标以及每个阶段目标的具体实施标准，围绕目标科学管理，稳步发展，彰显特色。
优质性是特色学校的本质特征。发展办学特色是增强办学竞争力的策略之一，也是学校通过提升自身的内涵发展能力争取更多优质教育资源的途径之一。在特色学校的建设中，每一位学校管理者在确定学校特色发展的定位时都应该明白，特色教育的立足点是“以生为本”，是为了学生更好地发展。任何特色教育都不是孤立的，特色教育是常规教育的升华与提升，离开常规教育作基础，特色教育便失去了根基，没有了生长的动力。让特色教育与常规教育相得益彰，才能共同促进学生更好地发展。
三、注重“特色学校”的课程开发
课程是一所学校教育教学活动的基本依据，也是学校一切教育教学活动的内容，是实现学校教育目标的基本资源。开发有特色的校本必修课程对创建特色高中意义重大。它是促进学生个性发展、教师专业发展、学校特色形成的关键要素之一。特色学校在实施国家课程的前提下，以学校为基地，以体现办学特色和满足学生需求为目的，利用学校内外现有的条件和可挖掘的资源，设计出具有多样性的校本课程以及可供学生选择的各种活动课程，是学校特色创建和形成的重要途径。
例如，广西特色普通高中试点建设学校之一的柳州市第三中学在校本课程的开发上就立足学校艺体及心理教育特色，在打造学校特色课程方面，利用本土文化资源，不断完善艺体及心理校本教材，开发面向全体的艺体及心理校本课程，在新课改背景下设置校本选修课模块，挖掘学生社团等隐性课程资源，进一步形成“专业课+特色课”的校本课程体系，形成了独有的“专业教育+普及教育”特色教育系列。柳州市第三中学依托学校地域优势，充分利用周边的社会教育资源，不断丰富特色项目的校本课程设置，打造特色课程。学校开发了“校本特色课系列”共20门：民族体育课（抛绣球、竹竿舞、板鞋等）、民族蜡染、刺绣编织（十字绣）、民族器乐欣赏、葫芦丝与芦笙演奏、彩调桂剧、壮族山歌欣赏、侗族大歌、风情柳州英语导游、柳体书法艺术、柳宗元作品欣赏、奇石鉴赏、旅游工艺品设计、泥画、陶瓷玉器艺术品鉴赏、金石雕刻、现代重彩绘画、体育裁判培训、摄影艺术、漫画影视文学鉴赏等。开设“校本专业课系列”共4门：美术专业课程、音乐专业课程、播音主持专业课程、影视编导专业课程。在原有 “体育选项教学”基础上，增设“选项课系列”达到17门：壁球、剑道、武术（跆拳道）、台球斯诺克、网球、弓箭、射击、棒球、帆船游泳等。
又如，以艺术教育为特色的广西南宁市第五中学在艺术特色办学的实践中进行了艰辛的探索，他们深感特色学校的本质应集中在其独特的人才培养模式上，其中课程是学校特征的核心。于是学校在认真分析同类学校的共性，立足本校的办学实际，针对艺术类学生的学习特点，对国家的统编教材进行了二度开发，编写出了一套为艺术类高中生量身打造的《语文》校本教材。在教材内容的选择和编排上主要有四个特点：一是体现了新课标与高考的统一性；二是体现了语文教学和美术教学的兼容性；三是体现了立足培养语文素养同时兼顾培养美术素养的主辅性；四是体现了服务于艺术生语文教学的针对性和高效性。
以上两所学校的校本课程开发充分体现出自己的办学特色，构建了与特色学校相适应的校本化课程体系。普通高中在特色学校建设中，应通过校本课程的开发，实现基础性课程校本化，校本课程特色化，结合大课间活动和多种社团活动、综合实践活动的开展，进一步编制出学生素养目标实施手册，拟定详细的素养达标要求，实现全体学生能在特色学校的学习中掌握一二项体育运动技能或艺术特长或科技实践技能等。
四、关注“特色学校”的教师成长
评价一所学校是否有特色，关键在于这所学校培养出来的学生是否有个性、有专长。而特色学校的办学和办学业绩是通过学校全体教师的共同努力实现的。其中整体性的教育力量是形成特色学校的基础，而部分教师特有的教育力量是形成特色学校的关键。毋庸置疑，注重特色学校教师的培养，关注“特色学校”的师生成长是特色学校建设的重要任务。
特色高中试点建设学校在注重教师成长方面可以从以下三点入手：
第一，树立学校发展愿景，激励教师成长。愿景就是所向往的前景，是人的一种意愿的表达，它概括了对未来的目标、使命及核心价值，是一种为之奋斗的意愿。对一个集体来说，所谓愿景，即由组织内部的成员所制订，通过团队讨论并获得组织一致的共识而形成的大家愿意全力以赴的未来方向。特色学校的建设不是校长一个人的事情，而是学校全体师生共同追求的目标。在特色学校的创建中，学校领导应带领教师树立学校发展的美好愿景，通过瞄准愿景、开发愿景、落实愿景来建立团队，激励教师成长，促使教师力量最大化发挥。
第二，完善培训保障制度，助力教师成长。学校应该每年为教师购买学习书籍，订阅教育教学杂志，保障教师的学习资料；制订送教师外出学习或请专家进校培训的计划，保障教师的培训提高。对特色普通高中教师的培养要从一般性、普遍性的培训提高到对教师个性的培训、特色的培育的层次，以适应多样化、特色发展的要求。
第三，搭建教师展示平台，促进教师成长。完善学校的各项评比、竞赛制度，给教师创造论文评比、教学竞赛或学校学术论坛中展示的机会，促进教师成长。
皮亚杰说过：“有关教育与教学的问题中，没有一个问题不总是与师资培养问题有联系的。如果得不到足够数量合格的教师，任何最使人钦佩的改革也势必要在实践中失败。”创建特色学校需要建立一支教书育人且有特长的教师队伍，否则创建工作就是一句空话。拥有一支“和谐敬业、学有专长、积极进取”的教师队伍是办好特色学校的保障，只有努力建设一支师德高尚、学养深厚、技艺精湛、科研优良的教师队伍，才能培养全面发展、学有特长、学养深厚、能力突出的学生。
五、重视“特色学校”的文化建设
特色学校建设要想从外显特色走向内在特质发展，就必须注重文化建设。从某种意义上说，建设学校文化的过程，也是创建特色学校的过程。只有把自己的办学特色、办学风格融入校园文化建设中，形成一种无所不在的影响全体师生的价值观和独特气质，特色学校才会具有生命力。
特色学校的文化建设要与学校的“特色“紧密相连，与学校日常教育教学活动紧密相连，既要注意系统化，也要注重细节化。例如，学校走廊文化特色、楼道文化特色、班级文化特色、办公室文化特色等，做到个性与共性的和谐统一，把文化建设有机地落实到学校全部的工作中去。
例如，广西特色普通高中试点建设学校之一的东兴市东兴中学在“边・海”文化特色打造中突出了“边・海”文化建设主题，在学校精神的凝聚上，把本校的价值观念、历史传统、精神风貌、办学特色、办学目标、校训、校歌、校徽等进行宣讲展示，使全校师生熟知本校精神，并确立为共同的座右铭。在文化特色的内化上，以“边・海”落脚开展校本活动，通过开展校本读书活动、“边・海”文化主题演讲比赛、知识竞赛、征文比赛、社会调查等特色综合实践活动，让师生在活动中学习、在学习中提升，逐渐形成宽容、坚强、执著的精神品质。挖掘“边・海”课程资源，开发具有“边・海”特色的系列校本课程，设计基于“边・海”文化的特色课例。在物化景观的打造上，以边关小故事、边界知识、海洋知识、京族文化、民俗风情等内容打造“边・海”文化浮雕墙、文化走廊、文化展馆；依托“边・海”文化，引领教师和学生共同参与创意和设计个性化的班级文化，包括班级精神，设计板报、宣传栏、班级名片等，加深师生对“边・海”文化的认同，提升班级文化品位。
特色学校的文化“特色”是区别本校与别的学校、本校的学生与别的学校的学生最本质的东西。在特色学校的建设中，每一所学校应把原有的特色培植成为贯穿学校管理体系的重要因素，成为学校精神文化不可或缺的重要内容，这样才能推动学校成为特色学校。
普通高色化、多样化办学是人才培养模式的创新，多样化、特色化既是普通高中发展的世界趋势，更是当前我国普通高中发展的现实要求。特色普通高中的建设是为了让高中教育更好地服务于学生、发现和成就学生的独特性，实现他们的个性化发展。这既对普通高中提出了更高的要求，也给普通高中提供了更广阔的发展空间。特色普通高中的建设任重而道远，只有在特色普通高中建设中注重五个关键要素，不断思考、不断研究、不断实践，才能使普通高中的特色教育更加完善，更好地促进学生发展。
【参考文献】
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“虚静”的缘起与道家有关，其最初的含义是“无”、、本体”®正所谓“夫虚静恬淡，寂寞无为者，万物之本也”（《庄子天道》）。庄子认为世界的本体是“无”，是“寂寞无形，变化无常”的，唯有保持“心斋”、、坐忘”、、丧我”、、虚己”的虚静之心，方能摆脱尘世的烦扰，达到精神的无限自由，与天地万物相互交融，进而体验生命的本真，烛照永恒。然而这里的“虚静”还只是哲学层面上的认识论，真正自觉地将其运用于艺术创作研究的代表人物，无疑是魏晋南北朝时期的陆机与刘勰。陆机率先将“虚静”同艺术创作构思联系了起来，他在《文赋》中提出的“伫中区以玄览”、、馨澄思以凝虚”等观点，便是在强调艺术家进行艺术构思时必须保持—种虚静凝神的心境。刘勰则从文学理论的角度出发，对陆机的“虚静”观做了进一步阐释，《文心雕龙神思》有云、是以陶钧文思，贵在虚静，疏瀹五藏，澡雪精神。”刘勰认为进行文学创作构思，最重要的是创作主体能够进入、虚静”的精神状态，要把自己的脏腑及内心世界清洗得一尘不染，要祛除个人意识中的各种杂念，使自己的心灵世界虚空澄明，以利于审美意象的产生。自此，、虚静”的本质是作为艺术主体在艺术审美活动中应该保持一种虚空澄明的心境，便达成了共识。正如朱志荣教授在《中国艺术哲学》中所言、虚静是主体审美活动的前提，贯穿在主体的整个创作和欣赏活动的过程中。主体在审美地感悟自然万物和社会活动，乃至创作和欣赏艺术作品的过程中，其整个心理活动都以虚静为基础。”®足见，、虚静”主要关涉的是艺术主体在艺术创作和艺术欣赏过程中的一种心理活动，是萌发创作灵感和审美灵感的前提，是促使艺术主体形成审美直觉的基础。
那么，如何在艺术创作和艺术欣赏的过程中，达到虚空澄明的心境昵？古代艺术理论家认为应该通过“去物、去我”，使艺术主体进入—种“凝神退思”、、物我两忘”的神思境界。所谓“去物”就是“从实用功利中移出物象而作审美的把握”“从特定时空中移出物象而观其永恒”，、从具体形态中移出物象但观其精神”，、从异己的状态中移出物象而使物我交相契合”®。简言之，、去物”就是一个“去除物象”的心理活动过程，它不再是那种“引人堕欲海、致人以躁乱”的具体的物，而是一种亲近永恒的生命本体，它以无穷的魅力吸引着艺术主体，为“虚静”心理定势的形成创造了良好的客观条件。而“去我”则是达到“虚静”心境最关键的一环，它主要通过对“自我、自我知识、自我行动”三方面的超越，使得艺术主体在除欲去智的状态下，进入一种忘我的、没有任何遮蔽的“心斋”、“神思”状态。由此可见，不管是艺术创作，还是艺术欣赏，“虚静”偏重的是一种艺术主体的审美心理活动，一种生命精神的体悟，而不是一种具体的结果或者形象。
二、“气韵”生命精神的和谐律动
先秦两汉时期是“气韵”理论的孕育期，这一时期的“气”和“韵”尚处于分裂之中。“气”的原始本义是指天地之间的自然之气，后引申为生命之气，如《管子枢言》中的“有气则生，无气则死，生者以其气”。汉代的王充在先秦哲人的基础上把“气”发展成为了一个更加宽广的哲学概念，他在《论衡》中指出“万物之生，皆稟元气”，“天地合气，万物自生”，“天地，含气之自然也”。‘‘气”不仅可以用来作为生命的象征，而且还是一切生命得以产生的原初动力，是宇宙间一切事物得以统一的基础。而“韵”的概念首先来自音乐，原本指和谐好听的声音，也专指使声音和谐的音节的韵脚、韵母等。随着艺术的发展，‘‘韵”不断地被运用人物、诗词、绘画的品评当中。然“气韵”理论最终走向成熟是在魏晋南北朝时期。‘‘气”由哲学领域进入艺术审美领域的重要标志便是曹丕《典论文论》的出现，他在文中强调，文以气为主，气之清浊有体，不可力强而致。譬如音乐，曲度虽均，节奏同检，至于引气不齐，巧拙有素，虽在父兄，不能以移子弟。”曹丕所言的“文气”主要是作家的稟性、才能、气质、情感等内化于作品的艺术生命力和感染力。与此同时，韵”也作为一种艺术理论进入了审美领域，并被广泛运用于音乐鉴赏和人物品藻等。但真正把“气”、‘‘韵”合流上升为艺术审美理论的是南齐著名画家谢赫。谢赫在《古画品录序》中提出了绘画“六法”，即“气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写”。谢赫之所以把“气韵生动”列于“六法”之首，主要是因为“气韵”不但是对绘画作品总的要求，更是绘画创作所追求的最高目标、最高境界，是艺术生命力的综合体现。谢赫之后，、气韵”理论在艺术领域的影响不断扩大，内涵日趋丰富，直到唐代“气韵”理论达到了鼎盛时期。
从某种程度上讲，、气韵”是一个非常复杂的理论体系，且不说它吸收、融合了儒、道、释三家的哲学思想，仅在处理“气”、、韵”之间的关系上就存在着“分论”与“兼举”的争议。而笔者比较倾向于接受“气韵”兼举的说法，因为“气”是生气、动力，生命的本源，、韵”是和谐、节奏、韵律，是生命灵魂的体现。、气韵”合观，则合与中国哲学在对立统一中重合、重整观宇宙生命内涵之要求，亦即合于《易传》“_阴_阳之谓道”的要求。在审美上，“气韵”合观体现了阳刚与阴柔之美的有机统是大宇宙完美的生机活力的综合体现⑦。不仅如此，、气韵”理论经过长足的发展，形成了_些专属于自己的理论特征，朱志荣教授曾对之做过非常详细的论述，他认为“气韵是自然之道的体现”，、气韵反映了生命的律动，体现了生命意识”，、气韵体现个性特征的风采和神态”，》气韵体现了和谐原则”®。如此看来，“气韵”既是一种风度、一种神采，也是一种品格、一种特征，更是一种层次、一种境界。、气韵”的发生与艺术家的天赋、人品、陶养有着非常密切的关系，是自然造化之道与主体胸襟的交融，是生命律动与精神韵味的高度统一。所以，、气韵”是艺术作品的生命力，有“气韵”方能栩栩如生，充满生命的律动；有“气韵”方能超尘脱俗，意味深长。
三、、空灵”——生命精神的自由观照
、空灵”是中国艺术创作追求的至高境界，“空”指_种纯净的可以进行审美静观的形象氛围，》灵”指灵气、生气的自由往来。、空”与“灵”的结合便指在纯净、虚静、空荡的气氛中时时透出生命灵气的那种艺术境界®。、空灵”最初源于庄子的“惟道集虚”以及老子的“有与无”、、黑与白”的辩证思想。在道家哲学里，“道”是一种寂静虚空的本源存在，是宇宙本体精神的体现。因而道家所追求的“空灵”境界也即是“道”的境界。当然，、空灵”也更多吸收了佛家“空”的哲学思想。佛家讲究“色即是空，空即是色”，、四大皆空”，“空”在佛家哲学里并不是什么都没有，恰恰是什么都有，一切都在变动。又如禅宗所言的三境界第一境界是“落叶满空山，何处寻形迹”，禅之根本是找不到的；
