美术教育中审美能力的培养是必不可少的，只有在美术教育中不断培养学生的审美意识和审美能力，才能让学生形成其独特的审美能力和审美意识，在进行美术创作时才能不断提高自身实力。美术教育的意义才能够凸现出来。
一、美术教育中审美的重要性
美术教育中审美能力的培养可以让美术专业学生有效分辨美与丑、善与恶等，在各种思想不断发展的社会中形成正确的审美观，才能在美术创作的过程中通过对事物正确的审美和见解从而在作品中形成自己的特点和个性，传达出良好的思想观念和价值观念。
二、美术教育中审美教育存在的问题
首先，在高校的美术教育中，其教学模式比较单一，学生在美术教学活动中一般情况下都处在被动地位，教师占据着课堂的大部分时间，学生在教学中的参与度和积极性都不高，这就很难让学生全身心投入到美术教育中来，更不用说对学生审美的培养了。其次，教师并没有跟随时代的发展不断更新自己的教学观念和教学手段，美术教学课堂氛围比较沉闷无聊，教师与学生交流也不够，不能够理解学生的思想状态，影响了对学生审美的培养。再次，教师在教学活动中没有根据学生的特点因材施教，促进学生的个性化发展，由于传统的课堂中教师与学生的交流很少，教师无法了解到每个学生的个性和特点，对于教学目标的设置比较单一，学生的个性和特长并不能发挥出来，对于学生的审美的发展也是不利的。并且对学生评价体系不够完善，一般对学生的评价都是通过成绩来进行判断的，但是教师对于学生不够了解，评价就不够全面和完善。
三、加强对学生审美教育的方法
（一）创新教学模式，培养观察能力。美术教师在教学活动中应该根据实际情况进行教学模式的创新，在条件允许的情况下，可以引导或者带领学生在大自然中感受美、欣赏美和观察美，引导学生观察自然中的美，培养学生的观察能力，在观察中不断开阔视野，积累素材，为以后的创作打下良好的基础。同时，在教学课堂中，要营造轻松和谐的课堂氛围，使学生能够在轻松的氛围中更好地开阔思维，交流感受，从而对教学内容进行全方位多角度的思考和把握，提高对美的欣赏能力。美术教师要积极引导学生观察生活中的美，这样才能让学生在不断的积累和观察中迸发出创造的火花。（二）更新教学观念和教学手段。教师要跟随时代的发展，不断更新教学观念，在教学活动中让学生成为课堂的主人，在美术课堂中发挥学生的主观能动性，让学生对优秀作品赏析时，要积极引导学生进行交流和讨论，通过小组学习的方式提高学生在课堂中的参与度，教师在这个过程中也要加入到学生的交流中，理解学生的思考方式和思想观念，从而根据学生的特点和个性，制定个性化的教学内容，在教学活动中关注到每个学生的进步并及时鼓励和帮助，在教学中不断提升学生的审美。比如在让学生欣赏水彩画《水穿石》的时候（如图1），可以引导学生讨论在生活中是否观察过水流在石缝间流淌的场景，在你的印象中水穿石是怎样的？通过引导学生互相讨论，学生发挥出想象力，并且参与到讨论之中，课堂气氛更加热烈，学生积极性不断提高。再让学生对作品进行赏析时，学生就会投入到作品中，这样教学质量可以得到保证，学生的审美也得到了培养。
四、结语
总而言之，美术教育中审美价值是非常重要的，在对学生进行审美方面的培养时，需要教师在教学中不断总结经验，在实践中提高学生的审美能力。审美的培养不是一蹴而就的，需要教师和学生的不断努力，才能让学生成长为全面发展的综合型优秀人才。
参考文献：
[1]杨晓荣.高校成人美术教育审美能力的培养[J].继续教育研究,2011,(08):129-130
一、美术教育中审美的重要性
美术教育中审美能力的培养可以让美术专业学生有效分辨美与丑、善与恶等，在各种思想不断发展的社会中形成正确的审美观，才能在美术创作的过程中通过对事物正确的审美和见解从而在作品中形成自己的特点和个性，传达出良好的思想观念和价值观念。
二、美术教育中审美教育存在的问题
首先，在高校的美术教育中，其教学模式比较单一，学生在美术教学活动中一般情况下都处在被动地位，教师占据着课堂的大部分时间，学生在教学中的参与度和积极性都不高，这就很难让学生全身心投入到美术教育中来，更不用说对学生审美的培养了。
其次，教师并没有跟随时代的发展不断更新自己的教学观念和教学手段，美术教学课堂氛围比较沉闷无聊，教师与学生交流也不够，不能够理解学生的思想状态，影响了对学生审美的培养。
再次，教师在教学活动中没有根据学生的特点因材施教，促进学生的个性化发展，由于传统的课堂中教??与学生的交流很少，教师无法了解到每个学生的个性和特点，对于教学目标的设置比较单一，学生的个性和特长并不能发挥出来，对于学生的审美的发展也是不利的。并且对学生评价体系不够完善，一般对学生的评价都是通过成绩来进行判断的，但是教师对于学生不够了解，评价就不够全面和完善。
三、加强对学生审美教育的方法
（一）创新教学模式，培养观察能力。美术教师在教学活动中应该根据实际情况进行教学模式的创新，在条件允许的情况下，可以引导或者带领学生在大自然中感受美、欣赏美和观察美，引导学生观察自然中的美，培养学生的观察能力，在观察中不断开阔视野，积累素材，为以后的创作打下良好的基础。
同时，在教学课堂中，要营造轻松和谐的课堂氛围，使学生能够在轻松的氛围中更好地开阔思维，交流感受，从而对教学内容进行全方位多角度的思考和把握，提高对美的欣赏能力。美术教师要积极引导学生观察生活中的美，这样才能让学生在不断的积累和观察中迸发出创造的火花。
（二）更新教学观念和教学手段。教师要跟随时代的发展，不断更新教学观念，在教学活动中让学生成为课堂的主人，在美术课堂中发挥学生的主观能动性，让学生对优秀作品赏析时，要积极引导学生进行交流和讨论，通过小组学习的方式提高学生在课堂中的参与度，教师在这个过程中也要加入到学生的交流中，理解学生的思考方式和思想观念，从而根据学生的特点和个性，制定个性化的教学内容，在教学活动中关注到每个学生的进步并及时鼓励和帮助，在教学中不断提升学生的审美。
2从设计流派看实用价值和审美价值的关系
在处理建筑实用价值和审美价值的关系上，强调前者的典型是功能主义的建筑师们。功能主义作为一个流派，代表了现代主义建筑发展的方向。对功能问题的重视，可以上溯到古罗马建筑师维特鲁威的建筑三要素：适用、坚固、美观，它一直被视为建筑学的经典公式。包豪斯校舍作为早期现代建筑的典范，体现了注重实用要求、发挥新技术和新材料的性能和造型整齐简洁、构图灵活多样的风格，具有极强的功能性。现代主义建筑大师格罗皮乌斯在设计中以实用功能为出发点，调整形态间的组合关系，整个建筑按功能分成几个部分，体现了由内而外的功能主义设计方法。美国建筑师沙里文提出了“形式服从功能”的口号成为功能主义及现代主义建筑的灵魂。这种流派强调功能，强调形式追随功能，实用功能是第一位的，这是应该充分肯定的，但后来发展为“功能至上”就太过片面了。国际主义设计流派的建筑师在某种程度上过分强调了形式服从功能的设计原则，导致了形而上学的倾向。他们反装饰、求简洁，认为美即功能，以技术代替艺术，把使用者抽象为生理或物理上的人，忽视了不同地域、不同文化的人不同的精神及审美要求，把形式变成技术功能的产物，导致了“方盒子”建筑的泛滥。国际主义为了追求少的形式，甚至不惜牺牲功能，抛弃人文关怀，把实用功能和装饰绝对的对立起来，也就是实用价值和审美价值绝对的对立起来，这是不可取的，终将被社会所抛弃，在处理建筑实用价值和审美价值关系问题上的另一种倾向是过分重视建筑的外在形式及装饰，不注重建筑的内在功能。其典型代表是巴洛克建筑风格和洛可可建筑风格。巴洛克风格打破了对古罗马建筑理论家维特鲁威的盲目崇拜，其特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩。有些巴洛克建筑过分追求华贵气魄，甚至到了繁琐堆砌的地步；洛可可风格反映了法国路易十五时代宫廷贵族的生活趣味，追求纤巧、精美又浮华、繁琐的装饰风格，具有代表性的是凡尔赛宫。这两种建筑风格虽然有肯定的因素，但因注重建筑的装饰，过分强调了建筑的审美价值，而慢慢的退出了历史舞台。
从特征上来看，方东美把怀特海的机体主义世界观与儒道的价值理想、体用不二的圆融思维做了较好的会通，价值统会观正是这种会通的成果。可以看出，方东美定位审美价值的基本路线与王、蔡、梁、鲁等人是完全不同的。他抛弃了王、蔡一路延续席勒在感性与理性二分法，康德在真善美三分法基础上的以审美弥合价值分裂的审美救赎论和美感论走向，也放弃了梁、鲁的审美工具论走向，而是从真善美的先验统一性切入，把美的价值引向了人的生命结构以及以此结构为基础的人类生命的自我超越。为了对治现代西方的价值分裂与中国青年中普遍存在的价值失落问题，方东美从生命的形上层面把真美善都确立为构成生命的基本要素，也就是说，他把求真、向善、爱美视为人生的本然行为，而非后天教育的结果。因为人生的实际就是真善美的价值统一体，后期教育的目标在于通过各种手段常葆或者恢复人生作为价值统一体的完美结构，并在实践中落实各项价值，不断拓展人生境界。因此，美善同源、同体、同构作为普遍生命本体的内在结构是方东美人生价值论的重要特点。从目的上来说，方东美提出美善同构的生命系统是为了给宇宙与人生的美善价值寻求一个稳固的存在基础，以便凸显传统中国人美善相盈的生命观、审美观和道德观，以化解现代西方社会的价值失落、工具理性主导下的现代性危机。方东美多次提出现代西方社会的各种异化现象，并把它称之为“疏离”问题。1969年，在夏威夷大学举办的第五届东西方哲学家会议上，方东美发表了题为《从宗教、哲学与哲学人性论看“人的疏离”》一文，深入讨论了现代社会人的各种疏离问题，并把其根源归结于西方近现代科学发展以来的宗教、哲学与人性论上的各种价值分裂。他认为:“近代西洋人，从科学立场上看，宇宙纯是自然现象，转运不已的历程，无善恶美丑可言，假使提到价值观念，便也要像宗教哲学家或艺术家，先超脱物质世界，再来说话。”［5］21相比之下，中国传统的宇宙观与人生观则是物质与精神融会贯通、美善理想尽得流行的圆融之境。可以看出，方东美价值统会的美学理念，从一开始就具有强烈的现代意识，这种宏观的视野和敏锐的价值危机感都使他的思想呈现整体性和前瞻性特点。从作用上来讲，美善同源、同体、同构作为人类价值生命结构的先验预设，解决了一个非常重要的理论问题，即人类诸项价值的内在统一问题。人类生命本身就是一个价值统会的“集团”，其中先在地内含真、善、美等各项价值。价值之间本是相互融通、相互包含、相互促发、相互提携的关系，共同维护了生命的圆满。因此，方东美很少单独讨论美或者善的价值，他总是美善并提，而他的形上美善统一论也使他在理论上成功地超越了孔子的善主美从和康德审美桥梁论，实现了真善美的真正统一。孔子虽然持美善统一论，美善的关系显然是不对等的，善是目的、美是手段，善主美从。康德也持美善统一观，但他的统一是在美善相分之后的统一。恰如破镜难圆，尽管康德在划定了认知理性、道德理性和审美感性各自的作用范围之后试图以美作为沟通真善的桥梁，然而审美的无功利性却使它很难与带有强烈目的性的认知理性与实践理性取得真正的合一，这也是王国维、梁启超以美育救民于水火难以实现的原因。方东美的真美善关系是同根同源、相互促进的，因为先验地存在于人类生命，它们之间也就不存在孰轻孰重的问题，同时也为审美进驻人类的求知活动、道德实践活动提供了先验合法性，为解决西方的现代性危机提供理论基础。
审美是生命的圆融之境
从形上价值统会的生命理想出发，方东美在考察审美的独立价值时，也时刻注意审美对于还原生命的重要意义。就这一点而言，他与席勒、蔡元培等人以审美维护整全生命的美育理念走向是一致的。但方东美撇开了对具体的感性审美经验和艺术创作技巧的分析，而是从人生的内在超越的纵向维度阐发了审美独立价值。在他的阐释下，审美呈现为生命的圆融之境，真善美内在融通的理想生命以美以启真、美以携善、内在超越等方式完成。
(一)美以启真方东美认为，中国传统的思维方式整体上体现为一种诗性思想，这种诗性思维既是生命之美的自然展现，也是中国古人观察世界、改造世界的前提。庄子曾说:“圣人者原天地之美而达万物之理。”这句话被方东美视为中国古人审美认知方式的典型体现。他说:“所谓‘圣人者原天地之美而达万物之理’，当庄子说这话时，可说充分展现了中国人的深邃灵性。中国人在成思想家之前必先是艺术家，我们对事情的观察往往是先直透美的本质。”［5］125因此，在方东美看来，美具有通达真理的功能，中国人的认知方式是以审美的方式完成的，或者说审美先于认知，美的体悟是一切真理的入口，正是在这个意义上，中国人在成为思想家之前必须先成为艺术家。顺着“原天地之美而达万物之理”的思路，方东美还创造性地发展出了一套独具特色的生命诗学解释学。方东美所理解的“万物之理”是指宇宙万物所体现出来的真理，它一方面是指向人类理性所掌握的关于宇宙的规律、事理、科学真理，另一方面也指人类各种文化、宗教、艺术活动中所体现出来的生命之理，而这两面归根到底，都是人类生命精神在不同领域的体现。而“美”作为一个代名词，在方东美那里是指包括诗歌、戏剧、寓言、神话故事、绘画、音乐、建筑、雕塑等等在内的各类艺术形式。方东美经常借用这些艺术形式去解释人类科学文化思想史中所蕴含的生命之理。那么“美”何以具有通过“理”的功能呢?因为“一切艺术都是从体贴生命的伟大处得来的”［5］55，艺术敞开了一个真实的生命世界。方东美不仅认为美和艺术可以解释人类思想史，而且笃信美和艺术还可以解说科学。他把艺术与科学看成是人生的两面，二者虽有在感性与理性上的不同偏重，但经常能够获得惊人的契合，为此他还尝试性地用诗歌解释了物理学中的时空观念。徐复观曾把孔子与庄子所开创的艺术精神称为两种不同类型的“为人生而艺术”，尽管儒家与道家“为人生而艺术”的展开方式不同，但不可否认，两家都将艺术对于人生的作用定位于精神层面。方东美“美以启真”却提供了另一种思路，即审美对于人生的作用还可以体现在它对人类认知行为的引导乃至对人类知识体系的审美阐释，可谓是第三种类型的“为人生而艺术”。这种美育观打开了人类认识世界的另一扇窗口，使人们在与审美隔绝的知识体系或求知实践中窥探到人类生命的真谛。如同牟宗三提出良知坎陷说以会通道德、科学与民主一样，方东美的“美以启真”同样着眼于形上与形下、审美与科学的统一。尽管他们的会通受制于超越形上学而难以在形下层面起到实质作用，但这种圆融的思维仍然是生命理想的象征，特别是在价值分化严重的今天，它的意义更加凸显。
(二)美以携善美以携善是自孔子以来儒家美学的一个重要特征，也是现代新儒家美学竭力论证的主要内容之一。徐复观细致分析了孔子“兴于诗，立于礼，成于乐”之说中诗歌、音乐对于道德的促发作用，认为在艺术的境界中，道德与生理的对抗性消失，仁对于个体而言成为“情绪中的享受”［9］，儒家的道德遂经由音乐的中和作用而成为一种生命的圆融境界。牟宗三也把“即真即善即美”视为人生的理想，认为审美可以通过主体的感性愉悦而将道德体验带入一种超越自我的普遍性体验。方东美同样认为审美具有护佑、提携善的先天职责。所不同者在于，徐、牟等现代新儒家所强调的善多指向人类的道德理想与道德实践，而方东美的善除了此层含义之外，还尤其强调盈荡于宇宙间的生生之德。因此，他的善也就包括由形上到形下的多层境界，其中《周易》所谓“乾元”是最高类型的善，“元者，善之长也”说明乾元是宇宙间一切价值的总枢纽，乾元的创生与坤元的广生合在一起象征了宇宙广大悉备的生生之德。而人类与此生生之德感应和顺、参赞化育，遂形成各种道德理想和审美理想。在分析美对善的提携作用时，方东美以宋代书画艺术与理学精神相互促发来说明，他认为，宋代有第一流的书画艺术家，“画家，词人，他们共同参赞化育，担当改造世界的最大责任，他们也尽了他们最大的责任。然后在这个世界上面，‘美’已经变做‘Ethicalvalue’(伦理价值)。”［10］79方东美把艺术家的艺术创造活动视为人类参赞化育的重要活动之一，而参赞化育本身即是人类对宇宙生生之德的价值承担，是道德理想的实现过程，具有善的属性，也就能够进一步感发道德理想。因此，方东美认为宋学的兴起与宋代艺术上的巨大成就有密切关系。由此可见，方东美的世界中并无纯粹的“为艺术而艺术”的观念，当美的造诣达到极高的境界时，美就变成了“Ethicalvalue”。这一点与牟宗三对审美之定位有所不同。牟宗三认为美与艺术虽有兴发想象、调动情感的作用，但情感的自发性同时也带有一定盲目性特征，需要以良知仁性作为内在支撑才能保证审美情感的普遍性和超越性。而方东美却认为，审美中先验地存有善的属性，因此，审美情感本身即具有导向善的普遍性和超越性，善与美是内在融通，而非外在弥合。
(三)审美超越追求人生的不断超越是生命的本然使命。方东美考察了中国传统各家人生超越的基本模式，认为虽然人格超升是中国哲学的通性，但各家的超升之路却不尽相同。儒家关注在时间之流中人生价值的积累，强调继善成性、开拓进取，在总体上体现为道德人格的超升;而道家关注在空间之域中的人生境界的拓展，强调审美上的空灵意境，总体上体现为审美人格的超升。方东美把审美超越视为人生内在超越的主要途径。通过对道家审美人格尤其是庄子人生境界的分析，方东美认为，美与艺术有一种神奇的力量，可以如庄子之大鹏鸟一样，将人生提升至九万里高空的自由之境。然而这种审美超越并非脱离现实，从中国历代艺术精神的展现来看，美与艺术切实参与了中国社会的拯救和人格塑造工作。譬如五代十国时的艺术家们，“在他们的诗情画意中，发自忠诚的，把整个丑陋的现实世界化成艺术上的纯美的境界;再把这个纯美的境界，以人格的感化力，使它变成了纯正的道德世界。这是一个历史的奇迹，把中国最堕落的黑暗世界，化而为完美的人格的光明世界”［10］68－69。方东美晚年倾其心血绘制了“人与世界在理想文化中的蓝图”，将生命境界分为依次递升的物质世界、生命世界、心灵世界、艺术境界、道德境界、宗教境界等六个层次。前三种境界是人赖以存在的物质与生理基础，属形下世界，而艺术、道德、宗教是生命的拓展境界，属形上世界。艺术境界亦即审美的境界，是进入形上层面的第一种境界，在这种境界中人以审美的眼光观察世界，用美的语言、美的符号把世界美化，把宇宙与人生提升至自由无碍的空灵意境中。六层生命境界层层递升，层层超越，但却不是以抛弃下一层作为代价，而是在下一层基础上的价值积累。正是在这个意义上，方东美认为中国人在成为思想家之前必须先成为艺术家，艺术或审美境界是融通物质与精神、窥探生命真谛的入口，是人生超越的重要阶梯。
一、人的存在意味着什么――价值追问的起点
人的存在是一个什么问题？问及人的存在能否给出美的价值追问的起点？这是一个需要说明的问题。一般说，理由有二：其一，人的存在是一切价值的根基。这就是说，世界上一切价值都是因为人的存在而存在的，价值只是在人的需要的前提之下才会存在，才会成其为价值。没有人的存在，就没有价值这一回事。在地球上出现人类之前，物质世界已经存在了多少亿年了，但是并没有价值这种东西，价值是人的生活世界中才存在的一种属性；其二，在哲学价值论中，价值泛指因人的需要而存在的、能够满足人的需要的属性。
在包围着人的世界中，可以根据物质需要和精神需要，就有了物质价值和精神价值，那么，当我们问及美的价值时，对应的是人的何种需要呢？审美需要是一种什么需要？显然，美的需要不是所有那些分类需要中的某一种，而是一种根本性的需要，即人的存在需要，人实现自己的生命特性的需要。那么，存在价值就是存在需要的对应属性，就是俗话所说“活出个名堂”中的名堂。由此，人的存在意味着什么，这就是问：人的存在以什么为理由？以什么为原因？以什么为根据？总之，人存在的意义（名堂）是什么？这个问题就成了一切价值思考的起点，也是一切价值实践的核心。审美价值就是这种核心价值的一种呈现形式。
二、关于审美的价值的本质的五个结论
1、是生存价值的原初形式
把审美价值定位于生存价值层面，从而认定其内在的质的规定性是生存价值，可以从下述事实中得到证明。
⑴在价值论的视域之内，任何事物都以其价值性而成为存在，即有意义的存在。但价值性自由有不同的层次，至少有两个层次：一是自然存在层次，一是自由存在层次。前者以自然生命为中心，以满足自然生命需要的性能和功用显现其价值度量和水平，不能否认，自然存在乃是人类存在的基础，因此，生活世界中这部分满足自然生命需要的存在物是具有价值属性的。自由生命之不同于自然生命，就在于人在获取这些生活资料的时候还要实现另一种意义，即渗透在他的获取方式中的对人的生命意义的理解，也即是对人的生命存在方式的理解。
⑵审美价值显现于人追求自己自由存在的过程中，显现于满足自由生命的需要之中，它聚集于那些能够使人能够获得自由生命意义的事物和方式上。所以，如果我们要给生存价值作一个确切的定义的话，我们说，“人的生存价值应该指人的生命自由存在的价值。”i体现生存价值的事物是多种多样的，从领域上看，有制度、规范、法律、道德和惯例等形式，从形态上看，可以有物化的、行为化的和精神化的三种不同形态；但从存在的性质上，却只有两种，即：本源性的生存价值和凝固化的生存价值。本源性的生存价值，就是存在的筹划、选择中创造出来的崭新的生存方式中蕴含的意义，他当然可以而且也应该首先出现于实在的生活活动之中，他当然可以闪现于制度、规范、道德和惯例之中，成为美政、高风、美德和时尚等。
2、是终极性的生存价值
首先，体现生存价值的事物和现象，并不都是美，并不都具有审美价值，而只有那些体现着人的生存最高价值的事物和现象才是美的，尽管人们对生存最高价值的理解和观念很不相同，但没有它生命存在的时空就会缩小到现世，缩小到此时此地，便会只有“今朝有酒今朝醉，明朝无就喝凉水”式的现世关怀，生存价值就会定位于世俗幸福。古典美典范中松、竹、梅、兰等意象之所以是美的，那是因为，它们喻示着崇高的、高洁的人格和气节，而人格和气节的内涵正是古人在空洞的理想中寻找到的唯一的生命意义，生存的最高意义。其次，终极意义作为美的本质的规定性，还必须是在生存实践中敞开的，还必须具有历史的现实性。这表明，纯粹的、缺乏现实性的终极意义的意念，也不能具备真正的终极价值的本体的身份和性质，也不具备美的本质。
3、具有中介的属性
事实上，美的事物必有中介性质，或者反过来说，凡是具有中介性质的事物都可能会具有审美属性。它至少有三点要义：第一，中介化要求一种非形而上学的，然而又是本体论的理论背景，即不再相信世界上有一个绝对的本体，只存在着一种构成的本体。它是被先验的东西和实践中展开的、未有规定的东西所构成的；第二，中介的共性内涵必须是以终极关怀为中心的，普遍性、共性的层面不能止于经验的观察，而是必须以现实的整体性和历史的整体性关怀为内容的。也就是说，中介不论在何种实存的层面上出场，都必须是同时昭示了以人为中心的生活世界最高的存在层面的真实和意义的事件，“一叶知秋”，“一滴水见太阳”；第三，中介的个性内涵不等于实在的、事实性的个别事物，而仅指那种作为特殊的个别。不是说只要存在的都无差别地合理，而是说任何存在者，都因其个性中所含构成性本体共性的程度取得一定的特殊的程度，进而具有不同程度的中介性。
4、具有真实性属性
价值与真实本是两回事，价值是主观评价，而真实是客观实在，这里分野清晰，不容混淆。但是，这两种存在范畴也不是绝对隔绝，相互反对的。在人的存在范围内，在人们追求的终极存在和终极价值的视野中，真实性和价值性却是紧密相关的，甚至是相互包含的。美的事物必然会把真实性处理成一种隐含的属性包含在自身。不包涵总体真是的审美价值不是真正的审美价值。价值、审美价值是嵌入真实之中的，就像我们的祖先创造的阴阳双鱼所象征的是相互嵌入的。真是意味着必然，价值意味着自由，必然意味着限制，自由意味着超越，这不是对立的吗？其实，对立只是这两种存在范畴的一种关系，实际上，两者在人的生存活动中总是统一在一起而现实存在的。真正的自由永远是限制中的自由，不可能是绝对的自由，而限制又永远是自由开启的，与自由相关的并显示出自由诉求的限制，至少也应该显示出自由的焦虑。也就是说，没有这种自由的诉求，也就无所谓什么限制。
5、具有情感体验的属性
只有具备情感属性的事物才可能是美的，反过来说，美的事物应该具备情感体验的属性。关爱作为一束情感之花，他的开放当然是价值活动赖以启动的动力，同时也是价值活动产生价值评价、价值激情的根本，因为情感的本质正是价值评价。那么也可以反过来规定，价值之的本质形式首先是情感体验。如果我们把审美价值看成是事物的存在显示出来的一种性质的话，这种性质并不是绝对客观的，即不是事物自身的，而是依存于人的情感体验这个界面的。没有这种经验现象的界面，也就没有审美价值这回事。于是，这个经验界面就赋予审美价值一种本质属性。
注释：
i李泽厚.审美价值的本质[M].凌继尧，译.北京：中国社会科学出版社，1984.
【参考文献】
[1]马克思，恩格斯.马克思恩格斯选集[M].北京：人民出版社，1972.
中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）05-0087-01
一、艺术是人类的创造物
艺术是人所创造的美，它的审美价值就是一种好恶。假如说一切美都是人类无意识的创造物，那艺术则是人类有意识地根据美的规律创造出来的存在物。任何事物，它必须首先能使人感到美才可能成为艺术。离开了这个最基本的出发点，就很难理解艺术是什么。以往许多对艺术的定义之所以不确切，就因为它一开始就离开了这个最基本的大前提。那种把艺术和技巧混为一谈的看法之所以宽泛和笼统，也因为它没有抓住“美”这一根本的缘故。美不是一个自然客体，故不能采用像自然科学下定义的方式来加以界定，而只能采用直觉来把握。任何事物，它必须首先是美的，然后才有可能是艺术，这是艺术概念的第一个层次。
为了区别自然与社会现象的美，还应当界定艺术品不是自然形成的，而是人类创造，具有创造能力，是人类心智的成长。艺术品的出现，只是人类通过有意识的劳动实践，对现实材料进行有意识的提炼。
绘画和设计在所要达到的目的上是统一的。绘画是通过艺术家的艺术创造力把其生活经验用某种艺术形式展现给大家，目的是给人精神上的美感，使观众感受到艺术家的心声。而设计艺术是设计师通过对人们生活的方式和习惯，结合美学因素而创作的，带给人们实用与美观的产品。然而，它们在工作方式和所运用的原理上又是对立的，设计师首先考虑的是功能性，其次才考虑美学的因素。而艺术家可以不考虑实用性而专门研究美学因素和个人风格，所表现的内容可以是抽象的，设计作品却一定要有一个具体的内容。每一个设计师都应该了解自己创作的目的，明白作品的实用性和美观性的主次。每一份作品都体现着艺术家的喜好，文化素养的理解，随时随地进行不断的分析。
变革是艺术发展的唯一出路，而变革势必会带来冲突。任何艺术流派，哪怕再激进，但最少也要有艺术家的创作过程，有艺术最起码的美。
二、审美价值离不开情感
审美价值离不开情感，情感是审美创作的动力、核心。情感的力量是非常大的，能激励人们为实现自己的审美理想努力奋斗。真实是情感具有审美价值的基础，艺术创作少不了真性情，连自己都无法打动的作品何谈打动别人。一切物境皆虚幻，惟心所造之境为真实，所以审美境界的创构必须因心而得。
艺术的权威是捕捉住那刹间便会过去的情感，令它随时可以再现，是把创作者自己个性的情感，打进别人的情阈里头。艺术创造和审美欣赏是人之为人的一种必不可少的高级精神需求，也是借以超越自我、实现自我的重要方式和途径。
三、艺术审美的民族性
对一个作品会有不同的审美体验，阐释各有差异。但是，在既定的历史情境中的民族，作为一个整体，人们对艺术作品的审美体验是会趋于统一的。
我们欣赏一件艺术作品，所使用的五官感觉本身就具有历史文化因素的渗透，人的心理结构中就有文化传统的力量。就是说人们对作品的感觉理解、审美意向、整体重建，大体上是按一个统一的审美方向。这是造成人们在审美方面具有民族的、文化的差异的重要原因。
为了我们的发展，首先要了解我们文明发展的轨迹，学习我们文明之中的精髓，思考如何从这些精髓中获得发展，得到启发来完善自己。一个不懂得思考的民族是一个没有创造力的民族，所以中国的艺术家不应急于颠覆或批判原有的艺术，而应静下心来好好挖掘，创造一些和自己有关和民族有关的作品，能够表达出具有这个时代特征人文精神的现代艺术作品。
四、结论
新时代就会有新的艺术产生，艺术存在千差万别、变化无穷的形式。作为一个艺术家首先要解决视觉的审美问题，必须要先知道如何表现不同的形象，经历这个传统的阶段，等逐渐熟练后，他自然会有些想法，及对人生对审美对价值观的思考，作品也就会发生变化。通篇下来，我的核心观点就是艺术的本质就是人的本质。要处理好艺术本质中的关系，就必须处理好人本质中的三种关系——也就是处理好人与自然的关系、人与社会的关系以及人和自我即自身信仰的关系。
毕加索说过，艺术可以洗涤自己的心灵和尘埃。如今，艺术的发展形式已经越来越广，但好像离艺术的本质也越来越远了，也许这也是艺术的一个特点吧。
参考文献：
[中图分类号]B834
[文献标识码]A
[文章编号]1004-518X（2015）04-0039-05
中山装以中国革命的先驱孙中山先生的名字命名，他本人亲自参与设计制作并率先倡导穿着，在中国大地上风靡了半个多世纪，成为民同直至改革开放这段历史的见证。服装的流行，遵守着特殊的周期规律，一种服装可以流行长达半个多世纪以上，这在当代中外服装流行史上都是罕见的。中山装白产生之日起，便在中国大地上渐渐普及开来，这一方面是中国特殊的政治、经济、文化背景造成的，另一方面则是因为巾山装特有的审美价值取向使然。
一、“便于动作”、“壮于观瞻”及威武雄壮之力量美
鸦片战争以后，中国逐渐沦为半殖民地半封建社会，救亡图存成为全国各界爱国志士的共同志向和追求。1911年，孙中山领导的辛亥革命满清王朝，此后，全国各地反帝反封建的革命浪潮风起云涌。然而，旧的中式服装形制与新时代的革命运动格格不入，因此，制作一种符合中国革命特色、顺应世界革命潮流的服饰以适应新形势的要求，变得刻不容缓。20世纪20年代初，孙中山亲自参与中山装的设计，并阐明其设计理念为“便于动作”、“壮于观瞻”。在他看来，这种新式服装必须简洁明了、穿用方便，符合革命斗争迅速行动的目的要求。在视觉审美上，必须具备足够的威武雄壮之阳刚美感，以直接带给人一种强烈的振奋精神的力量。
中山装威武雄壮的力量之美体现在服装设计的各个细节。我们可以从服装的线条和款式结构、色彩及使用的面料上来一一加以分析，
首先，简约的形制，垂直的线条，挺拔收敛的轮廓，无不体现出中山装的一种速度和力量美感。
在中山装问世以前，中国人习惯穿长袍马褂，这种服装穿着舒适，但不利于快速行动，缺少力量美感。中山装采用了上衣下裤、上下配套的穿着方式，既简单又方便，利于行动，有一种速度与力量的美感。与此类似，传统的中式长袍采用的是搭袢相扣，穿着起来费时费力，而中山装采用纽扣形式相系，穿用时方便快捷，也加快了行动力。除此之外，中山装的外部轮廓款式，采用了西式立体剪裁方法，利用收省和分片裁剪的方式，使服装在造型轮廓上与人体的线条基本吻合，这种款式穿在身上不会受多余衣料的牵扯，使人行动起来比较敏捷，更能表现人的一种努力奋斗、英勇向前的精气神。
中山装的设计和制作除了在穿用形制及外部轮廓上强调速度感、直线感和力量感之外，在其内部细节上，也到处充满细致独到的力量美感。中山装的领型设计就有一种含蓄隐忍的力度之美。中山装的领型不大，但领片采用立翻形式，内有衬垫，外沿压有明线，领子紧贴颈部，绕颈一周，下系一个隐型的风扣，整个领型利落干脆、挺拔俊秀。中山装的门襟和袋盖设计也主要采用直线造型，体现出运动的张力和坚强的力度美感。中山装的门襟居中而开，从上至下笔直垂落，左右衣襟上下各两个口袋。这四个口袋方方正正，皆平行于地面，口袋的上下边与门襟成九十度夹角，门襟的边缘和口袋盖的边缘皆压以一道硬朗的线条。这些明朗的直线左右排开，纵横交错，气势壮观，非常有效地凸现出一种时效、速率和力度美感。口袋的横线在视觉上起着一种稳健刚劲的作用，而门襟垂直向上的笔直线条，在视线上又造成了一种迅速敏捷、蓄势待发、力不可挡之势。关于直线带给我们的力量美感和运动美感，俄罗斯的康定斯基是这样描述的：“这就是直线，至于它的张力因而也在它最简洁的形式中表现出运动的无限可能性。”此外，作为礼服的中山装，其前胸和领部都装有软衬。内衬的使用，更加突出了挺拔干练、朝气蓬勃、奋发向上的精神力量。
其次，从色彩上来说，中山装的颜色大多选用深色或蓝、灰等大气庄重的颜色，渲染一种理性的精神力量和力度美感。从色彩心理学的角度说，深色容易给我们带来沉静稳重、端庄严肃的感觉。蓝色是一种代表理性的颜色，内敛而富有精神力量，它“犹如冬天的大自然的力量……在地球的大气中，蓝色的出现有最明亮的天蓝色晴空，也有最深沉的蓝黑色夜空，蓝色以信仰的颤动把我们的精神召唤到无限遥远的精神境界。蓝色对西方人意味着信仰，以前对中国人则象征着不朽”。中山装的色彩选用几乎都是无彩色或次无彩色，只是在有彩色中，中山装独独钟情于蓝色，这其实是有深刻意蕴的：蓝和蓝灰色，象征着革命党人坚强不朽的意志和远大的精神追求。除此之外，中灰或深灰色，也是中山装经常采用的颜色，孙中山也喜爱穿着灰色的中山装。灰色是知识、理性、诚恳、沉稳、精致、精确的象征，中灰与浅灰能显出哲学家的沉静，而铁灰、炭灰、暗灰则会在无形中散发出一种强烈的权威感和力量感，是高级智能和成功的完美象征。中山装选用的这些理性、内敛、沉稳的色彩，显示出无比深沉的力量，传达的是一种神圣不可侵犯的力量之美。
再次，中山装大.量采用挺括、平整、素色无底纹的面料，很好地表现出力量与速度之美。虽然中山装的选材范围广泛，但有一条却是不可忽略的，那便是用于制作中山装的面料，要力求挺拔、平整，因为只有整洁平齐、挺拔的面料，才具有一种速度、效率美感和力度美感。绸缎等柔软的面料不被采用来制作中山装，是因为这些柔软的面料，虽然舒适、华丽，但却无法诠释中山装的速度和力量美感。同样，花色面料因为具有随意、浪漫、放松、懈怠的心理效果，所以，也不会用来制作中山装。中山装选用的面料一律为素色，甚至连少量的暗地花纹装饰也不考虑，这都旨在回避这类面料带来的随意感和松懈感，强调为了革命，效率、果敢、迅速行动之必要，彰显一种坚定的、永远积极向上的革命精神。
无论是从服装的款式结构上还是从服装的色彩设计和面料选用上，中山装的审美价值取向都突出一种速度和力量的美感。要救亡图存，要旧王朝进行彻底的民主革命，就要有快速的行动和十二分的坚强和决心，而只有“便于动作”，“壮于观瞻”的服饰，才能表现出革命形势的危急和仁人志士时不我待、不惜抛头颅洒鲜血、前赴后继、为国为民的崇高理想和坚强决心。正是基于中山装的这种豪气云天、端正朴实的审美价值取向，在中国革命的漫长岁月中，中山装以及由之衍生而来的一些服装，遂成为革命者着装的不二之选。“在辛亥革命之后的中国革命进程中，中山装充分发挥了这种历史作用：北伐军、红军、八路军、新四军和的军服都是中山装式的。所谓‘中山装式’，是指与中山装基本同型，是一个基本造型的几个变种形式，这包括后来的军便服、干部服、建设服等，可称为‘中山装家族’。”
二、“宜于经济”、厉行节约及经济实用的素朴美
军阀混战使民国初年刚刚复苏的中国经济再度陷入困境。经济基础决定上层建筑，贫弱的经济催生的是实用的审美理念。这一时期，经济实用的观念贯穿到人们衣、食、住、行的方方面面，中山装的设计要考虑的一个重要因素，就是经济实用。
中山装的设计，无论是从面料的选择、款式设汁的创新，还是从色彩的选用来说，都体现出经济实用的审美价值取向，表现出一种经济实用的素朴美。
中山装在款式选用上，严格遵守经济实用原则。中山装长短适宜、大小适中，不会因为款式太短、太紧或太小而让人感觉行动不适，也不会因为款式的拖沓或面料的堆砌造成布料的浪费。中山装的经济实用性还体现在其口袋的设计制作上。中山装的设计参照过日本青年装、德国士官服、西装和南洋企领装等外来服装，在设计过程中，亦将其经济实用的原则贯彻始终。外来服装上衣的表面口袋基本上只起装饰作用，比如西服外面的上侧口袋，按其着装礼节，时常配一方手帕作花式装饰，并不具备什么实用性。而中山装则不同，其上衣表面除了比西装多增加了一个口袋外，还非常注重上下左右四个口袋的实用性。中山装四个口袋的尺寸就超过那些外来服装，上面两个口袋大小适中，而下面丽个箱型口袋则尺寸较大，这些大型的口袋设汁，方便穿着者携带更多的日用必需品。如上面的两个口袋可插放钢笔，可即时取用，下面两个大口袋还可存放笔记本、纸张等随时需要使用的物品。除此之外，中山装的每个口袋上还配上了口袋盖，并安上了纽扣。有了袋盖和紧扣的纽扣，装在口袋里的东西就不容易脱落出来，即使奔跑过程中也不会散落。
中山装的面料选用范围非常之广，除了作为礼服的中山装需要选用上好的毛呢面料外，日常穿用的中山装，其面料则可选用棉布、卡其布、纯化纤织品或其他混纺织品，这些面料物美价廉，穿着舒服，结实耐磨，容易清洗打理，深得广大人民的喜爱。作为礼服的中山装，加有华丽的衬里和挺拔的胸衬和领衬，而一般日常穿用的中山装，除了大多选用朴素经济的面料外，基本上都取消了胸衬和领衬，甚至一般的衬里都可以省去。因为面料的选择范围广泛，加上款式的尺寸适中，中山装几乎一年四季都可穿用，春夏季可单穿，秋冬则可内罩毛衣。在经济条件有限的情况下，一衣多穿、一衣多用是一种最为实惠的选择。
中山装的色彩选用也是从经济实用的角度出发的。中山装选用的色彩，大多考虑用深色或中度深浅的颜色。这些颜色一方面常穿常洗常新，不容易显旧，一件衣服可以多次穿用：另一方面也比较耐脏，不需时常清洗，节约了不少能源，也节约了不少着装成本。无论是深色还是中等深度的颜色，都是大众化的颜色，且中明度色的色彩纯度都比较低，这些颜色易染易得，染料既不昂贵也较易获取，那些价格昂贵、染色极不容易、染料极难获得的稀有色彩，则不在中山装选色的考虑范围。方便易得、经济实用的色彩选择，无形中降低了中山装的制作成本，便于巾山装的普及和流行。
中山装的设计和制作从经济实用的原则出发，注重经济适用的素朴美，在中国漫长而艰苦的革命岁月中，其形制发挥了重大作用，它也由此作为一种基础服装得以普遍流行。
三、“师夷之长”、取长补短及中西合璧的时代美
鸦片战争以后，中国国门大开，随之而来的19世纪中叶以后的“洋务运动”、19世纪末的“”以及20世纪初的“”，使“师夷之长”、取长补短、中西合璧、世界大同的观念深入人心。不仅要从经济上，更要从政治上对现有的社会进行彻底的改造，已成为全国上下各阶层的共识。
在这样的历史大背景下，中山装的设计与制作自然而然地融入了中西合璧的元素，采用了与时共进、世界大同的审美价值取向，体现出一种鲜明的时代美感，获得了大众的广泛认同。
“师夷之长”、取长补短及中西合璧的时代特色，首先体现在中山装的款式选用和裁剪方式上。中山装的款式选择的是短装式，长度与西式服装相近，穿着起来方便灵活，符合快速发展的时代生活的需要。中国传统的长袍衣长过膝，不便于快速行动。在裁剪方法上，中山装参照了西装的立体裁剪法，使服装更为贴身实用，但考虑到西装的衣袖与手臂过于紧贴，虽不乏美观，但于活动甚为不利。因此，中山装吸收中国传统服装的优点，将衣袖的袖身、袖口适当放宽，这样，既能使服装的穿着者感到方便舒适，又不影响此类服装具有的那种奋发向上的精神美感。除了袖子的适当改变外，中山装的领子设计和制作也体现了中西文化融合的精神。传统西装的领子是敞开式的，在寒冷的天气保温性能比较差，而中式长袍或日式青年装的衣领是单层立领，虽然解决了保暖问题，但缺乏足够的力度美。中山装将领子设计为立翻领，这样既解决了服装在冬季的保暖问题，又不失力量美感。中式长袍原先没有口袋，手绢等小物品一般是放在左袖口内，走路时左手不垂放或是用手牵着袖口。民国后，中式长袍在掩襟上装有一个口袋，但还是不便携带物品。西装在服装的表里皆设有口袋，但表面口袋的装饰性强过实用性。中山装仿照外来服装，在服装的表里皆设计了口袋，并且将表面的口袋设计成收纳功能与审美功能兼备的理想模式，符合了当时中国民众追求进步的西方文化与实际使用的需要。
中山装的设计崇洋但不，师古而不泥古，紧跟时代步伐，这与孙中山个人先进的政治文化观和独立的审美价值取向密不可分。他反对中国人一味守旧或全盘两化的态度：“中国从前是守旧，在守旧的时候总是反对外国，极端信仰中国要比外国好；后来失败，便不守旧，要去维新，反过来极端的崇拜外国，信仰外国是比中国好。因为信仰外国，所以把中国的旧东西都不要，事事都是仿效外国：只要听到外国有的东西，我们便要去学，便要拿来实行。”这两种极端的态度，孙中山都不赞成，他推崇师夷之长、世界大同的世界观、人生观、价值观，他的审美价值取向崇尚的是中西合璧、取长补短，求真务实的态度：“发扬吾固有之文化，且吸收世界之文化而光大之，以期与诸民族并驱于世界。”
中山装除了在领型、袖型的设计细节和制作上表现出“发扬吾固有之文化”外，在服装的纽扣、口袋上的设计和制作上则将中国“固有之文化”特点表现得淋漓尽致。“黄帝、尧、舜垂衣裳而天下治，盖取诸《乾》、《坤》。”（《易经・系辞下》）。“垂衣裳而天下治”代表着人法天地自然，以服装区分出人的地位和上下等级。中国服饰的审美传统，自古以来就具有极为强烈的政治色彩。自周朝以来，帝王将相的衣冠服饰，均配以“十二章”纹样，以不同的纹样代表不同的身份和不同的地位，“十二种图案分别依次排列在上衣的前胸、后背、双肩、两袖、裳前、裳后等部位。以排列的数量严格划分级别”。中山装的没计和制作继承了中国传统服饰的审美观，其审美价值取向，具有鲜明的政治意味。
但是，中山装强调的政治性与传统服饰强调的政治意味是有严格区分的：前者表现的是励精图治、为国为民、天下为公、世界大同的政治理想和治国方略，后者强调的却是阶级地位和等级的差别。中山装的设计造型中，上衣上下左右四个均衡对称的口袋，代表的是礼、仪、廉、耻之“国之四维”：“一维绝则倾，二维绝则危，三维绝则覆，四维绝则灭。倾可正也，危可安也，覆可起也，灭不可复错也。何谓四维？一曰礼、二曰义、三曰廉、四曰耻。”（《管子・牧民》）“四维不张，国乃灭亡。”民国时期，局势动乱，国家危难，巾山装四个口袋的设计，借用古语“国之四维”，表现国家危亡、人人有责的政治理念，意义深刻。五权分立，也是孙中山提出的一种政治主张，巾山装的前襟装有五粒纽扣，用于象征行政、立法、司法、考试、监察“五权分立”，中山装的五粒纽扣，垂成一排，各自独立，直观、形象地代表着孙中山的政治理想。中山装的袖口也装有三粒纽扣，这三粒纽扣，代表的是孙中山倡导的民族、民权、民生“三民主义”。此外，中山装上部小口袋的笔架形袋盖，则暗喻中国革命需要依靠知识分子才能获得成功。
审美有普遍性，也有特殊性，充分认识“特殊性”，更是直接丰富审美知识。戏曲是一种独特的艺术，既与中国独特的艺术表现形式有关，又与中国人独特的审美心理和文化精神有关，戏曲艺术教育围绕着戏曲艺术的特殊性展开，必然会传达出很多在其他审美活动中得不到的东西。比如，戏曲的程式化表演，既不同于西方戏剧的表演，也不同于现代影视作品的表演，是戏曲所特有的。这样就可以帮助我们了解中国传统戏曲与西方戏剧的不同，不会简单地用西方戏剧理论来解读中国戏曲。戏曲艺术的特殊美学特征，也就带来了审美的特殊性，因此，通过戏曲艺术教育，可以自然而在地达到丰富知识、开阔视野的目的。
戏曲艺术教育的一个显著功能，就是培养人们的审美能力。审美知识是审美活动的前提，而审美能力是审美活动的重要保证，直接关系到审美质量的高低。
审美是一种个性鲜明、创造性品质较高的活动，审美能力本身就是一种高品位的创新能力。人的各种素质中，审美文化素质是最主要的。人与自然的关系，最基本的是审美的关系，人的最高意识是审美意识。戏曲艺术教育，就是让学生通过大量直接而系统的审美活动，使心灵产生启迪、感染、震惊和净化效应，学会用审美的眼光去审视戏曲，培养对戏曲艺术的审美感受力、审美鉴赏力，激发审美创造，丰富学生的理性沉淀。
审美作为一种具有形式化、动情化的教育特性，其目标是培养和发展受教育者的感性能力，包括感受力、鉴赏力、想象力、创造力等，培养健全高尚的人格，塑造完美理想的人性，以最终实现人与自然、人与社会以及人与人自身感性和理性的和谐的终极追求。戏曲艺术审美体验的过程，其主体一直处于激越的情感体验之中，强调在“韬养”中让审美主体主动参与和全身心投入，同时作用于学生的感知、想象、情感、理解等诸种心理能力，并使它们处于一种极其自由与和谐的状态让他们体验美好、体验崇高，在潜移默化中提升对美的感受力、鉴赏力、创造力及自我完善的能力。
审美境界，与审美情趣、审美观念有关。情趣健康、观念正确，才可以提高审美境界，这些都需要接受一定的后天教育。因此，戏曲艺术对于提高审美境界来说，具有非常重要的意义。
影视作为视听结合的综合艺术，具有易接受性、娱乐性、受众广泛的特点。随着电影艺术的发展，音乐已经成为电影语言中不可或缺的一部分。精美的电影配乐不但增强了电影的艺术审美价值，也起到了传播和普及音乐艺术、提高受众音乐欣赏水平的作用。电影作为一种音乐教育资源，也吸引了钢琴教学工作者的极大关注。1945年上映的影片《一曲难忘》由查尔斯·维多执导，并获第奥斯卡最佳音响、最佳剪辑、最佳音乐等六项提名。影片是一部关于“钢琴诗人”肖邦生平的故事片，片中描写了19世纪20年代沙皇铁蹄践踏着肖邦的祖国波兰，肖邦流亡巴黎并取得事业成功，其后为援助在祖国浴血奋战的仁人志士他巡回演出筹资，直至劳累和病痛夺去他的生命。这部影片中的音乐、剧情与人物描写相结合，是钢琴艺术的极佳教育素材。影片配乐中大量引用肖邦的经典钢琴曲，使影片具有极高的音乐审美价值。并且，从学生审美与教育需求、增强学生对钢琴曲的理解与认知、培养学生高尚的艺术情操等角度上看，该影片也同时具有很高的音乐教育价值。本文从这两方面来探讨影片在钢琴教育中的应用。
一
《一曲难忘》引用了肖邦多部经典钢琴曲，如《降A大调波罗乃兹舞曲》《E大调练习曲》《革命练习曲》等。片中情节与音乐的默契配合，使音乐在调动情感上的作用表现得更加突出，音乐有力推动了情节的发展，使观众在欣赏影片的同时，得到了很好的音乐审美体验。
影片从片头字幕出现，背景中《降A大调波罗乃兹舞曲》奏起，这支乐曲是肖邦创作众多波罗乃兹舞曲中的一首，也是肖邦的代表作之一。该舞曲作为主题曲贯穿影片始终，在片中以各种形态多次出现，其磅礴的气势、铿锵的旋律契合了肖邦在片中爱国者、革命者的形象，歌颂了祖国人民不屈不挠的抗争精神。片头音乐是《降A大调波罗乃兹舞曲》的一部分，其他部分在片中随情节发展得到了完整的演绎。肖邦流亡巴黎后，埃尔斯纳向出版商费耶尔极力推荐肖邦，可费耶尔却不感兴趣。这时悠扬的钢琴声从屋外传来，正是《降A大调波罗乃兹舞曲》，肖邦的音乐得到了当时已经成名的年轻钢琴家李斯特的赞叹。邂逅的二人因音乐而惺惺相惜，背对背坐在两架钢琴前的二人形成合奏，由肖邦一手弹主音部而李斯特一手弹辅音部，二人在合奏同时分别腾出一只手从背后互握，完成了两位音乐大师初次见面的历史性握手。而乐曲在二人配合下奔流而出，极大地调动了观众的热情，亦加深了主题曲在观众心中的印象。该曲在肖邦首次巴黎音乐会上公演，当天他却收到了战友为掩护自己出境而牺牲的噩耗。在弹奏《降A大调波罗乃兹舞曲》时，肖邦仿佛看到了战友殷红的鲜血，悲愤的他难以继续演奏，迈着沉重的步伐离开了会场。音乐仿佛是为战友哀鸣，诉说着波兰人民在沙皇铁蹄蹂躏下的苦难。在肖邦与恋人乔治·桑隐居期间他对这支曲子不断修改，在与乔治·桑就革命问题争执时，这首乐曲被肖邦反复弹奏。在拒绝乔治·桑劝阻后，投身巡回演出的肖邦为祖国同胞的革命行动筹款，从罗马到柏林再到阿姆斯特丹……终于，在巴黎演出时，他最后一次弹奏《降A大调波罗乃兹舞曲》，体力衰弱之极的他倒下了。《降A大调波罗乃兹舞曲》作为主题曲倾诉了肖邦对祖国的满腔热爱，也成为观众久久难以忘怀的一曲。
除了《降A大调波罗乃兹舞曲》，影片中出现的《E大调抒情练习曲》也是广为人知的作品，在片中这段乐曲用来渲染肖邦和乔治·桑的浪漫的恋情。《E大调抒情练习曲》特别明显地表现出了浪漫派钢琴风格的基本特征——追求鲜明的色彩和丰富的感情，同时展现了客居法国的肖邦对祖国的深切思念之情。[1]在乔治·桑初次帮助困顿的肖邦时，这首爱情主题曲就为他们二人奏起。在乔治·桑的家庭音乐会上，乔治·桑和李斯特欺骗了在场的听众，在所有的灯烛熄灭的情况下，以肖邦代替李斯特演奏，优美的琴声使众人陶醉。在乔治·桑用闪亮的烛光把演奏者肖邦照亮后，掌声雷动，人们欢迎着这个天才。《E大调抒情练习曲》明丽的旋律伴随着相恋的二人在鸟语花香的乡间住所诺昂，他们二人形影不离，爱情滋润下的乔治·桑完全无法忍受失去肖邦，她极力反对肖邦的巡回音乐会，这里《E大调抒情练习曲》作为爱情主题的音乐与爱国主题的《降A大调波罗乃兹舞曲》交替响起，正如肖邦在国家与爱情之间的挣扎。
影片中另一首脍炙人口的乐曲是《革命练习曲》，是肖邦在去巴黎的途中得知华沙起义失败而作，就像一把利剑直指沙俄侵略者。《革命练习曲》第一次出现是在一位公爵的家庭音乐会上，肖邦看到沙皇派驻波兰的总督坐在宾客的上座，愤怒的他走到总督面前，义正词严地宣布：“我不在沙皇刽子手面前弹琴。”说完拂袖而去。《革命练习曲》恰在这时响起，乐曲如号角般的音响击打在侵略者的心头，接着滚滚如雷声般描绘了爱国之士风起云涌的斗争，继而是低沉的乐曲表现对革命形势的忧虑，但最后归于坚定的尾段表达了肖邦对革命终会成功的信念。这段乐曲在公爵的满座嘉宾惊愕无语的沉默气氛中喷薄而出，以排山倒海的气势冲击着观众的听觉，使肖邦的形象更加高大、丰满。此外，《革命练习曲》在影片中多次伴随着肖邦的战友出现，也体现出《革命练习曲》是为革命斗士而作。肖邦在公爵家庭音乐会弃演之后，惹来了杀身之祸，一筹莫展之际，战友伸出援手，帮助他离开波兰逃往巴黎，这时《革命练习曲》由低回渐强，象征着肖邦命运的峰回路转，在他成功逃离时乐曲达到新的高度，预示肖邦将要开始崭新的旅程。当肖邦巴黎首演获知战友牺牲的噩耗时，《革命练习曲》在背景中亦变得低沉，而在肖邦为祖国募捐的音乐会上，《革命练习曲》则像战友一样陪伴他，为祖国继续奉献着自己的力量。《革命练习曲》奔腾的旋律诠释了肖邦的革命热忱和坚定信心。可见，影片中的钢琴曲具有很高的艺术欣赏价值，适宜作为钢琴教学资源。
二
视听语言相结合的电影作为钢琴教育素材，还有利于解决对独立音乐作品教育的抽象性，更利于学生的接受。有调查显示大学生上网观看影视作品的占60%以上。作为最具有广泛群众基础的最大众化的影视艺术，它在传播科学文化知识、进行思想和艺术教育、培养学生综合感知能力、提高艺术审美修养等方面发挥了巨大的作用。[2]因此，教师首先需要做的工作便是寻找到合适的电影素材，从学生的接受角度、审美习惯出发，选择经典的影视剧为教学材料，调动学生的学习热情。《一曲难忘》正是具有这样艺术教育价值的典型电影作品。
首先，这部电影从音乐到内容都十分契合钢琴学习者的审美要求与教育要求。该电影的主角便是世界著名的钢琴家，被艺术界称做“钢琴诗人”的肖邦。作为19世纪欧洲音乐浪漫主义流派的代表人物，他把一生都奉献给自己热爱的音乐事业，并有大量优秀的钢琴曲留世，成为许多后来者学习、借鉴与欣赏的珍贵素材。影片《一曲难忘》向观众讲述的正是肖邦富有传奇色彩的人生经历和呕心沥血的艺术生涯。这对于每一个钢琴艺术的学习者来说，是最为合适不过的音乐启蒙教育。肖邦从一个出生于贫苦家庭、默默无闻的平凡人，历尽艰难，几经波折，依靠自己对音乐的热爱、勤奋与坚持，最终成长为人人敬仰的世界级钢琴大师。这一音乐世界的领路人，对于那些充满了音乐理想并为之奋斗的年轻人来说，具有很强的激励、引导与教育作用。音乐中的人生，人生中的音乐两者互相映照，令人感慨难忘。
其次，电影音乐与故事情节、演员的精彩演绎融合得丝丝入扣。很多曲目对于学生来说都十分熟悉，它们与特定的环境融合在一起，产生不同的艺术表现力与欣赏体验。如，肖邦在巴黎出版商费耶尔家里偶遇早已成名的李斯特。而此时，李斯特正弹奏着肖邦作曲的《降A大调波罗乃兹舞曲》，并询问该曲作者。两个人因音乐而获得心灵上的相通，合奏了这一曲目。琴声节奏明朗，轻快，充满了友好、和谐与欢乐的气氛。而同样是这首曲子，当它出现在后来的音乐会上时，其情感与风格却大相径庭。那是正值音乐会当天，肖邦得知朋友为了掩护自己逃脱被捕而牺牲了性命。他悲愤、痛苦地在音乐会上弹奏了这曲被誉为“波兰精神”的《降A大调波罗乃兹舞曲》，然而强烈的情绪淹没了肖邦的整个身心，使他一度不能自已而暂停演奏，曲风也从哀伤徒然变为激昂。最终，他留下未完成的钢琴曲，沉重离场。这些特定的场面，赋予了钢琴曲以不同的情感色彩，具有鲜明的人格特征，给人以不同的审美体验，进而使学生对音乐产生了更加深刻的理解与认识。这部获得奥斯卡多个奖项的影片，对于教学接受者来说是一场难得的视听享受。整部影片洋溢着时而舒缓悠扬、时而激情迸发、时而沉静压抑的钢琴曲。学生在学习的过程中容易克服抽象音乐教学的枯燥与平淡。在电影衬托下，钢琴曲被赋予了鲜明的人格化特征，营造出学生接受音乐教育的感性空间。
最后，这部电影对培养学生高尚的艺术情操也富有重要意义。教学钢琴、演奏钢琴，不仅是在进行一种高雅的纯粹艺术活动，而且也是在进行一种高尚的人格教育与塑造工作。[3]
在高校钢琴教学中，强调专业教学与陶冶学生的高尚的艺术情操相结合，对于学生的成长与事业的成功都具有关键性意义。在《一曲难忘》中，涉及此类教育的内容十分丰富。肖邦在成长过程中，始终将自己与国家、民族的命运联系在一起，怀有浓厚的爱国热情，他对敌人的恨与对知己、师长的爱都是如此强烈和真实。他面对“沙皇屠夫”无所畏惧，慨然拒绝为其演奏；为了支持同胞们的革命行动，他呕心沥血，为其募捐，直至生命终结。他用音乐作为自己的语言，将自己毫无保留地奉献给音乐事业和自己的国家、同胞。肖邦用自己的音乐实现了人生价值，也为其赢得了人们的尊重与敬仰。影片所折射出这位伟大音乐家的精神力量，涤荡、冲击着学生心灵，使其感受到当音乐与高尚的品性结合在一起所生发出的无穷魅力。通过观赏该影片，教师不仅可以提高学生对音乐的理解力和审美能力，更重要的是可以对学生进行人格和爱国情感的教育，全面提高音乐专业学生素养。
影片《一曲难忘》不仅体现出丰富的音乐审美价值，更具有突出的音乐教育价值。观看《一曲难忘》使学生在受到良好的音乐熏陶同时，产生对钢琴音乐的认同和激发学习钢琴的强烈兴趣。本文仅以影片《一曲难忘》探讨了电影在钢琴教育中的作用，以期对丰富钢琴教学手段起到抛砖引玉的作用。
[参考文献]
[1] 大麟.影片《一曲难忘》中的肖邦和他的音乐[J].当代电影，1998（03）.
中图分类号:J05文献标志码:A 文章编号:1673-291X(2010)10-0211-02
收稿日期:2010-01-18
作者简介:谢灵(1954-), 女,安徽蚌埠人,教授,从事军事写作学、军事文艺理论、军人审美学、中国传统文化研究。
建筑是人类重要的物质文化形式之一,是人类创造的最伟大的艺术之一。在西方古典艺术中,排在首位的便是建筑艺术。古典美学家常将建筑、雕刻和绘画称为三大造型艺术,足见它在艺术殿堂的重要地位。建筑艺术并不是单纯的精神生产,它还是一种物质生产,与人类的生产生活有着密切的关系,正因为如此,我们必须重视研究建筑艺术的审美价值。一般地来说,建筑艺术的审美价值主要表现在以下几个方面:
一、建筑的音乐性,可以使人获得多方面的美感
《红楼梦》中的描绘的大观园的建筑构图美,节奏鲜明,音韵和谐,极富音乐美的。书中第四十二回通过薛宝钗的口说:“这园子都是像画儿一般,山石树木,楼阁房屋,远近疏密,也不多,也不少,恰恰是这样。你若照样儿往纸上一画,是必不能讨好的。这要看纸的地形远近,该多该少,分主分宾,该添的要添,该藏该减的要藏要减,该露的要露。这一起了稿子,要端详斟酌,方成一幅图样。”这里谈的虽是大观园,但它的多少、主宾、添减、藏露、疏密、高低,不仿佛就是节奏、韵律、和声吗?不仿佛就是建筑的音乐性吗?
建筑和音乐的关系是非常密切的,德国古典美学家谢林(1775―1854),在其《艺术哲学》一书中说:“建筑是凝固的音乐”。此后,又有人加以发挥说:“音乐是流动的建筑”。歌德和黑格尔都很重视建筑和音乐的紧密联系。歌德曾经赞美建筑是冻结的音乐,以致他在罗马圣彼得大教堂广场的柱廊内散步时,仿佛听到音乐的节奏与旋律。黑格尔对于弗列德里希・许莱格尔曾经把建筑比作冻结的音乐说,也极为推崇。
建筑吸取了音乐的词汇来雕塑自己的形象,这就构成了建筑的音乐性。正因为如此,可以使人获得多方面的美感,而且可以展开想象,把欣赏者的视觉和听觉连结在一起,从而进一步获得听觉上的美感。当你在颐和园长廊里漫步的时候,你可见到长廊回环曲折,节奏分明,具有的韵律美,它简直是无声的音乐。它的廊柱仿佛是音符,长廊和山之间有二十几组美丽的建筑,如听鹂馆、云松巢,奇澜堂、画中游,景福阁、湖山真意,意留云在楼台亭阁。它们用美的魅力,把你的视觉和听觉之间,架起了一座通感的桥梁。
具体地说,建筑的音乐性首先表现为和谐。许多建筑家认为,从毕达哥拉斯学派关于音乐和谐的见解中最先推断出了一种建筑和谐的理论。和谐的灵魂是多样统一。颐和园内的十七孔桥,桥孔呈半圆形,第九个桥孔居中最大,两旁的桥孔则分别由大到小,彼此对称,十七个孔虽各有变化,而呈现出多样性,但都统一在弧形中,中国古典桥梁建筑一般都是把由小到大,由大到小的桥孔排列在孤形体这一完整的形象中,它单纯、清朗、均衡、对称,主次分明,极其和谐。
正因为建筑有这种音乐美的特征,所以建筑艺术对人们进行审美教育,提高人的审美能力和审美情趣,塑造完美个性有重要的作用。
二、建筑的构造性,提升人的品格的功用
建筑是物质产品,是人类审美理想的“外化”,蕴涵着丰富的象征意义。人们往往从外化的美的事物中观照自身,得到。而建筑艺术是人类观照自身最方便,最重要的镜子。
我们观赏北海的承露盘,系一耸立的华表,其顶端站一个人物雕塑,人双手捧盘超过头部,承受天然的甘露。华表周围雕满流动的祥云图案,巨大的白龙,左右回旋,仿佛在飞腾,整体建筑形象,鲜明生动,典雅庄重,清朗流畅,显得既崇高又优美,充分发挥了直线韵律(耸立的华表,站立的人物雕像)与曲线韵律(云纹、龙图、承露盘)的造型功能。
梁思成提倡的大屋顶式建筑,是吸收了中国古典建筑精华与现代建筑优点相结合的产物,也体现了直线韵律与曲线韵律的结合。建筑的音乐美,是此时无声如有声的美,乃似动实静的美。这种富有声于无声,寓动于静的现象,是音乐的特质渗透到建筑中的结果。这种结果的获得不仅要靠视觉,还要靠听觉;不仅靠听觉,还要靠想象、联想。因为建筑毕竟不是音乐。它那三维空间的形体构造,必然诉诸视觉感官的观照,才可被人认识。它不会发出音乐的声响,因而人们也就不可能把它当成实际上的音乐看待。人们只有架起通感的桥梁,充分发挥想象、联想的作用,把视觉和听觉联系起来,才可通过视觉去诱发听觉,从而领悟建筑中的音乐性,这种音乐性,仅仅是就其象征的暗示的比喻的意义而言的。
你到过长城吗?当你看到长城的时候,一定掩饰不住激动的心情,不由得会感慨:“啊,伟大的万里长城,你是中华民族的骄傲!”你即使从未写过诗,此时也会诗情大发,想吟诵一番。你深有这样的体会:长城宛如巨龙,在祖国的北方迤逦起伏。气势磅礴,气概恢弘,给人以壮美的感受。连黑格尔也很赞赏万里长城的建筑艺术。长城是由无数石块堆砌而成的,但它的价值决不止于石块,它是中华民族几千年历史的见证,它和埃及的金字塔一样,都是巨大的石头交响乐。但是,长城毕竟是一种建筑,而不是音乐。我们说它是石头交响乐,乃是就其象征意义而言,是指它的构造象征某种音乐性,暗示音乐的特质。不仅长城如此,凡是建筑都是如此。
我们观赏杰出的建筑艺术精品,总是感到自豪骄傲,充满自信和力量,这就是建筑美对人所产生的“”
功用。建筑艺术的内涵越丰富深刻,这种“”功用也就愈加强烈。
三、建筑的史诗性,具有时代的观照功能
建筑是“石头写成的史书”,是“时代的镜子”。雨果在《巴黎圣母院》中对巴黎圣母院所表现出的时代文化、历史意义作了如下的表述:“这是人民的贮存;这是世纪的积累;这是人类社会不断蒸发而剩下的沉淀……真的,这座建筑物上一层层艺术的积累,可以作为好些厚厚的书本材料,这都是人类的通史。”雨果认为,“这个可敬的建筑物的每一个面,每一块石头,都不仅是我们国家历史的一页,并且也是科学史和艺术史的一页。”
北京的故宫更是中华民族一部史书。它是在元代大都宫殿基础上逐步改建,扩建而成的。明成祖朱棣即位后,于永乐十四年(1416年)营造北京宫殿。清代加以扩建,故宫环以城墙,叫紫禁城。如果把故宫比做巍峨壮丽、气魄雄伟的交响乐,那么,从中华门到天安门约有1.5公里长的建筑群,便是它的前奏曲。进入午门,三大殿――太和殿、中和殿、保和殿、典丽堂皇,巍然屹立在故宫中轴线上,特别是太和殿,是中轴线上三大殿的中心,也是故宫宫殿的主体,俗称金銮殿。明清两代皇帝登基,朝会大典,即在此举行,它是皇帝发号施令的主要正式场所。三大殿支撑着高大朱色圆柱,殿内装饰着美丽的彩绘,屋顶的黄瓦闪烁着夺目的金光,巨大的廊檐向上翻卷,仿佛要起飞。太和殿前铺陈的云龙阶石,仿佛在游动,还有铜龟、铜鹤、日晷,嘉量,无不衬托出主体建筑的美,而太和殿就仿佛是故宫交响乐章的主题歌。故宫在中轴线上排列着三宫:乾清宫(皇帝寝宫)、交泰殿(宫廷小礼堂)、坤宁宫(皇后寝宫),乾清宫是主体部分,其他则是从属部分。总之,故宫是由许多建筑群构成的,每个建筑群又由许多独立的建筑物构成,成为具有三维空间的艺术品,秩序井然,贯穿有序,构成了多样统一的和谐美。当你畅游故宫之时,你的感觉、知觉、想象会出现一个美妙神奇的境界,你的耳中就不由得回旋着一组组、一串串木石瓦建筑音符谱写而成的大型交响乐。同时,更令你感慨的是仿佛听到历史的回声,仿佛看见明清两代王朝的历史画卷。
凡是伟大的建筑艺术,都是一个时代人们审美意识的积淀,都是历史文化的缩影,因而都具有时代的观照功用。另外,某些建筑还具有思想教育作用。建筑是一种抽象的表现艺术,一般不摹仿和再现现实,也难于叙述出某一题材的内容情节,而是以独特的艺术语汇和象征手法,传达和表现出某种意境、气氛和情调,能使人产生某种联想、想象和比较,造成思想情绪上的激动。例如,我们到南京瞻仰中山陵,就会从内心产生一种仰慕敬佩之情;我们到芦沟桥参观中国人民抗日战争纪念馆,就会从中受到爱国主义和革命传统的教育。
四、建筑的实用性,可以调节人的身心的平衡
中图分类号：J528 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）33-0142-01
成都瓷胎竹编历史悠久，产品造型多样，装饰手法丰富，极具地方区域特色，制作工艺精美，是我国传统竹编的优秀代表。瓷胎竹编经过历史的洗礼，愈加显示出独特的审美价值。
一、瓷胎竹编
瓷胎竹编（又名竹丝扣瓷）主要产地和规模集中在四川成都、达州渠县等地，成都瓷胎竹编工艺起源于明清时代，当时主要用作贡品。1916年瓷胎竹编产品在巴拿马国际博览会上参展获得银奖。建国后，作为极具东方特色和地域特色的代表，多次被选为出国展品和国家礼品，获得多项奖项，被誉为“东方艺术之花”。
二、审美价值
瓷胎竹编经过悠久的历史演变，从日常生活用品到工艺品再到收藏品，它们的造型多变，装饰特色富有形式感和节奏感，带给我们独特的审美体验。
（一）实用性价值
竹编日用品能在民间广为流传，材料易得是一方面，更重要的是传统竹编的实用性，这是传统竹编最初兴起的原始动力。
竹编是以使用功能为前提的，起初，人们将竹编编成一个托的形式包在酒坛等瓷器的外面，起到一定的保护功能，在清朝道光同治年检，四川崇州人张国正在竹编的基础上创作了有胎竹编，后人经过不断发展，形成了现在的瓷胎竹编。瓷胎竹编的前身就是为了保护胎体而产生的，而这种保护功能也是从多种方面体现的。主要因为瓷胎竹编通过竹篾依附于胎底的表面，依据胎底的造型顺应其结构编织而成，这样在胎底的外面就形成一层保护层。由于竹材本身的弹性较好，所以在瓷胎竹编使用的过程中，遇到碰撞、跌落的情况，外层的竹编可以起到缓解冲击力的保护作用。另一方面，竹子本身导热性较差，如果瓷胎内盛放极冷或极热的的东西时，可以避免像玻璃、塑料等材质那样变形，而且，使用者也因为有着竹编的保护层，避免受到皮肤接触所带来的伤害。如成都瓷胎竹编的茶具，人们在泡茶的过程中，不用担心烫手的问题。竹编的以上物理特性，使得竹编器具更加耐用的同时更符合现代人的使用方式。
（二）装饰审美价值
1.造型之美
瓷胎竹编根据胎底的造型转变随之带来丰富多变的造型。但由于竹篾的柔韧性有限，所以胎底一般不会出现尖锐的棱角，因此瓷胎竹编一般造型以圆形或椭圆形为主，转折处圆润柔滑，这样的目的在于避免使竹篾在制作过程中产生断裂的情况，同时造就了瓷胎竹编温润柔和的美感，这种美感拉近了人与器物之间的距离感，让人有回归自然的释然。
目前常见的瓷胎竹编造型主要有瓶、坛、盒、屏等。其中花瓶类尺度多变，瓶高小至5CM，大至2M，图案有的素雅，有的缤纷。瓷胎竹编的造型通过其依附的瓷胎展现出各种各样的造型，当总体呈圆润、平滑的姿态。
2.编织纹样
瓷胎竹编上的竹编一个是对瓷胎起保护作用，另外就是形成特殊的装饰效果。瓷胎竹编制作方式随着现代技术的发展而越来越丰富，如提花、染色等工艺竹编的出现，使瓷胎的装饰文案图像化，多元化。作为竹编传统工艺，竹编的编制方法始终是通过合理的经纬交织穿插组合而成的，这种纵横交错的装饰方法，形成了传统瓷胎竹编所特有的极具韵律的美感。现在我们一般常见的瓷胎编织结构有人字编、十字编、六角编、螺旋编、绞丝编等，每种编织结构又可以细分为不同的表现方式，一件物品在编织过程中几乎不需要粘胶或使用钉子就可以做到连接紧密，整体严谨美观。
制作竹编需要将竹篾按照薄厚、粗细不同进行细分，根据各类竹编器具在制作过程中使用的竹篾种类不同，或者相同的竹篾在器物的使用位置不同，也会形成宽与窄、疏与密、点线面的构成感，体现着均衡、对比、连续、重复等等形式美的法则。而传统观竹编的这种工艺方式与审美特征，也成为现代设计的借鉴来源。
3.图案之美
竹编在编织过程中，通过不同的编织手法自然能够形成千变万化的几何纹样，几何纹样具有规律的组织结构，体现了劳动的节奏感和基本的形式法则。除了几何纹，人们在编织竹编的过程中不断有所创新，图案纹样也是丰富多彩的，有花卉、果实等植物纹样、动物纹、人物、书画等等。成都瓷胎竹编形成了具有地域特色的装饰图案，以当地具有代表性的熊猫图案尤为突出。经过染色处理的黑白双色竹丝构成熊猫的纹样部分，图案主题和瓶颈、瓶底的编织手法差异开来，形成编织纹样的对比同时，凸显熊猫主题的特征，彰显地域特色。
4.色泽之美
虽然现在瓷胎竹编以原色为主，体现传统风格，但经过一些特殊的着色工艺，传统瓷胎竹编的色彩愈加丰富多彩，更是增加了瓷胎竹编的魅力。
经过着色的竹丝有橙色、黑色、红色、蓝色和紫色等，在编织竹器时，颜色或互相搭配或与单色与原色组合，同时运用基本的形式美法则，形成颜色多变，色彩各异的瓷胎竹编。由于竹子材质所具有的光泽度，经过染色的竹丝呈现出瓷胎竹编特有的色泽，温和而明亮。
（三）材料特点
瓷胎竹编能够能够行销中外，不仅在于它的功能与形式之美，更出于它所使用的材料本身：竹子和瓷器。首先竹子这一材质所蕴含的道德价值历来就是被人所推崇的，它是传统岁寒三友松、竹、梅的一种，也是文人墨客热衷表现的题材之一，有着自强不息，清雅脱俗的姿态。郑燮《竹石》“咬定青山不放松，立根原在破岩中，千磨万击还坚劲，任尔东西南北风。”将竹子坚韧的精神描绘得淋漓尽致。竹篾虽然不能代表竹子的全部精神，但却使竹编器具有返璞归真的人文气息，虽然竹编有染色、上漆的制作工艺，但是传统竹编多以竹子材质本身的原色为主，使得传统竹编透露着浓烈的自然气息。更重要的是，竹子取之于自然，用之于生活，最后还原于自然，传统竹编背后蕴含的生态的价值观也是我们现代设计当遵循和效仿的来源之一。
其次说到瓷胎竹编的胎底，多选用景德镇瓷器，瓷器乃是我国最具代表性的的传统工艺品种之一，将传统竹编与瓷胎相结合，呈现出一种全新的工艺品种，材料间的对比融合，相得益彰。
（四）文化价值
魅力的外表之下是瓷胎竹编深刻的文化内涵：天人合一的造物观。
瓷胎竹器工艺从材料的选择到编制过程，每一道工序都要严格准确，竹子搜集时间不当容易造成竹子生虫或者发霉，竹龄选择决定了竹子的柔韧性，从而决定了瓷胎竹器的编制难度和美观程度，而一件瓷胎竹器的价值更重要的决定权在于瓷胎竹编制作者的水平。《考工记》提出“天有时，地有名，工有巧，才有美，和此四者然后才可为良。”瓷胎竹编的材料选择的时节、地域，传统竹编的制作工艺、制作水平最终决定了一件瓷胎竹编是否材美工巧。传统竹编虽然算不上鬼斧神工，但是却更能体现中国传统造物观念“天人合一”所强调的人与自然和谐统一的思想和文化内涵。
发扬和继承传统，我想不仅是从传统工艺形态的制作层面，更深层面的意义是继承传统文化的精神内涵。
三、结论
传统竹编所蕴含的审美价值值得我们继续探讨和思考，其背后的设计智慧和文化内涵是传统文化的精神体现，也是我们现代设计借鉴的丰富的设计财富。虽然传统瓷胎竹编在当下批量化工业生产背景之下仍面临着诸多生存矛盾，但是它的装饰样式的韵律感、原材料的生态与环保，也为当下绿色产品设计与加工提供了多元的创意来源。
参考文献：
[1]田自秉著.中国工艺美术史.东方出版中心.
[2]沈珉编著.中国传统竹编.人民美术出版社，2007年9月出版.
[3]徐华铛著.中国竹编艺术.中国林业出版社.
