随着时代的发展，20世纪初叶国人对摄影艺术的态度有了很大的转变。这种转变，很大一部分原因在于民众的开化和摄影在传媒业中的大范围应用。这是巧合也是必然，东方风情的画意开始流行起来。郎静山的集锦摄影成为受到推崇的艺术：其既可以弘扬中国的文化（特别是精神世界），又可以在国际文化交流上占得一席之地，民族性的艺术语言更得到弘扬。而当时国际化的摄影语言已经形成，并且诞生了大量优秀的作品。艺术摄影的地位，已经得到了广泛的认同。那么，难道当时西方斯蒂格利茨的直接摄影没有传入中国吗？当时以曼雷为代表的超现实主义摄影没有被国人所熟知？答案是否定的。这就需要用民族文化的差异来解释。这些国际化的语言对于国人来说，可能只是一种视觉上的刺激。传统中国向来没有完全再现客观物象的艺术。中国画所秉承的“外师造化，中得心源”的审美理念，或高古游丝或半纸春水，迎合了文人士大夫阶层中庸与泰然处之的思想。虽然中国的文人已经接纳了摄影艺术，但这种接受的方式很被动。在民族意识觉醒异常猛烈的情况下，反而开始将自己的文化与西方强势文化进行强行嫁接。因此，摄影的国际化语言在文人阶层走入了死胡同。在那个时代，中国没有充足的准备让影像发挥它应有的特性。
20世纪30年代，左翼的社会文化浪潮也把摄影艺术推到了风口浪尖。没有什么比摄影更容易宣传自己的政治言论，似乎当时的人们有种错觉：政治标语本不可信，但加上了图像就仿佛真正发生过了。不论是达达的延续，还是超现实主义式的拼贴，亦或是对直接摄影的无限追求，都是这个时期摄影思潮的主流。在中国，这种思想的传播更是在追求进步的知识分子与掌握技术的产业工人身上表现得尤为明显。于是，政治题材的艺术摄影开始了对东方世界的征伐。不论是沙飞、吴印咸，还是后来的侯波，都在遵循着“摄影为政治服务”的主线走下去——这几乎奠定了建国以来的主流摄影方式。在苏联，甚至全世界，这种单向的宣传并不为过。作为政府的喉舌，国家媒体有权、也有责任宣传政府愿意让民众看到的事实。
在中国，“85艺术思潮”之后，人们所料想的摄影艺术的国际化也并没有出现。一方面，郎静山的画意摄影仍有很大的市场；另一方面，在相机广告的影响下，中国很多摄影师与摄影爱好者开始自愿放弃谋求艺术探索的机会，转而为器材痴迷。在笔者看来，这两类人群的出现仍是对20世纪初中国摄影艺术的延续。对于中国式的画意摄影，文人与艺术家都颇多赞同。这是一种对东方文化的认同与民族性的坚持。毕竟传统文化一直保持着旺盛的生命力。但是，在这个世界的主流意识里，人们往往将传统艺术视为一种落后的奇观。当这种民族文化遭遇国际性的艺术语言，会不自觉地让民族主义者抗拒。因此，夹杂传统文人画意味的画意摄影便被中国的文人们异化了——他们从中得到弘扬发展中国文化的幻想（当代水墨对传统的摒弃即是如此）。同时，随着艺术市场的繁荣，这类摄影艺术更容易获得市场的考量和虚假的追捧。在笔者看来，将民族文化附会到国际化语言的摄影艺术中去的做法，实在不可取。同样，对摄影器材的过度追求也在败坏着摄影艺术的前景。其实，这些对器材的热捧往往是一些商家的炒作所致。日本的摄影器材品牌往往会加大对相机特性的宣传，将你能拍出好照片的能力与你所获得的机器与镜头相联系，从而达到抢占市场的效果。这种将摄影艺术过度物化的行为，会使民众将精力放在器材的比拼上。更为严重的是，中国的摄影爱好者过度神化机器，追求照片画面的视觉冲击力，而这与真正的摄影艺术背道而驰（但比拼器材本身也是一个国际化的问题，其他地区的人们也受此影响）。
手机摄影的影像特点表现在：
（1）真实基础上的“超现实”。手机摄影的影像来源于日常生活本身，是对生活的镜像呈现。观看手机影像能发现其中的影像要素具有超现实的效果，亦如有鉴赏布列松“决定性瞬间”美学理念下创作出的作品时的审美体验。大量的手机影像展现出了“客观真实”的同时，也表达出了摄影者自身的“主观真实”。个人化的日常生活成为了目前摄影艺术表达的主旋律。
（2）随性拍摄，即时分享。手机摄影拍摄的心态是随意的，影像的获得依赖于拍摄者在日常生活中凭借细致观看和独到的眼力，利用轻巧的手机“妙手偶得之”。有了互联网和社会化的网络分享平台，影像可以即拍即传，更多人能第一时间观看，参与到评论中。互联网正在改变着摄影的表达形态和叙述方式，此点在手机摄影的传播中体现得尤为明显。
（3）大量App工具丰富了影像的表现力和趣味性。趣味性是我们解读摄影图片的路径之一，有趣味的影像往往能引起受众的注意力和思考，扩展影像表达效果。手机是一个集成了“拍摄+摄影App处理+社交网络”的终端，海量的应用软件可以对影像即时美化修饰渲染，让照片看起来更加具有趣味性和美感。
二、手机摄影与摄影艺术创作的关系
有学者提出，文化的多元发展，消弥了经典艺术的崇高性和通俗文化的媚俗性界限，传统的摄影“决定性瞬间”理论逐渐在多元现状和通俗化过程中被随时、随机获取的“机缘性瞬间”所取代。这体现了在新的文化语境之下，摄影作为艺术表达的媒介本身也在发生着巨大的变化。当下的摄影已经不只是一张照片，而是一种体验。现代摄影艺术已经出现了日常化转向，摄影正逐渐脱去高雅的外衣，艺术是生活，生活就是艺术已成为当下的潮流观念和不争的共识。摄影艺术创作在当下的文化中也已成为日常化表达的一部分。部分严肃摄影家批评手机摄影带来了摄影艺术的终结，笔者认为手机摄影恰恰为摄影艺术的创新与重塑带来了一股清新的甘泉。依托影像技术的进步，作为创作者的摄影师选择小巧轻便的手机为创作工具，将自身的气质与工具的特性结合起来，找寻到最适合自己的影像表述方式。手机影像中包含着作者个体化的情感与思维，实现了非常个性化的影像呈现。手机作为影像生产的新媒介，自身所拥有的特质将融入艺术创作中，成为未来影像艺术创作的重要武器。手机摄影创作能让摄影者放松心态，拿着轻便的手机和沉重的单反、大画幅机器创作时的感受也是完全不同的。摄影是观看的艺术，相机不过是我们收集观看经验的工具。摄影艺术创作本身不该是繁琐的。轻松的装备加上轻松的心态更有利于创作者全力以赴投入到创作活动中。随拍随发现、随心所欲记录生活，能让创作者更加注重瞬间感和影像最能打动人心的部分。手机摄影创作者把社交网络平台作为作品呈现的窗口，他们深谙接受美学的主张，即摄影作品最终被受众所接受才算真正实现了影像创作的全过程。因此，他们在拍摄时能寻找到自己的视觉体验表达与受众接受心理的平衡点，竭尽所能地期望自身的个体经验表达能引起更多受众的参与和共鸣。这也是手机摄影创作独特的创作心理。这种创作心理或许是对以往严肃摄影创作心态的拓展与解放。
三、手机摄影之于摄影艺术创作的可能性
手机摄影的普及发展极大促进了影像生产与传播，人人都可以记录影像、表达自我。摄影术从诞生之日起就有着鲜明的技术标签，影像的产生必须借助特定的设备即照相机。小巧的手机虽然在部分技术指标上达不到专业单反相机的要求，但是凭借其本身的特性亦可成为摄影艺术创作的利器，手机摄影可以给摄影艺术创作开辟出一片新“蓝海”。首先，手机摄影可以更为真实地呈现现实，与摄影艺术特质相契合。纪实性是摄影的本质属性，摄影艺术是对现实呈现的最佳方式，通过对摄影作品的观看与解读，受众形成对社会想象的感知和判断。艺术创作的灵感和源泉来自于社会生活，摄影艺术的创作亦离不开现实社会生活。摄影者对社会生活的观察和体验十分重要。手机作为随身携带的轻便拍摄工具在影像艺术创作中的优势得以体现，手机已经融入了拍摄者的生活，成为生活方式的一部分。摄影者拿着手机随时记录自身对生活的感悟与体验。这种记录方式更具有下意识，更贴近现实生活的本源。手机影像反映的恰恰就是拍摄者最真实的、未经修饰的世界。手机小巧的个头也使之成为隐蔽拍摄的最佳工具。用单反相机、大画幅相机拍摄时难免会给被摄对象一种压迫感。正如在《论摄影》中苏珊•桑塔格指出的“拍照的行为有某种捕食意味。一如相机是枪支的升华，拍摄某人也是一种升华式的谋杀。”这是视像霸权的突出体现，拍摄者与被摄者处于严重的不对等地位。手机媒介更富有“亲和力”，可以消除被摄主体的戒备，弱化和消解拍摄行为中的不对等，使得拍摄创作在相对融洽和谐的氛围中进行。其次，手机摄影创作心态随性，生产的影像艺术传达效果好。摄影艺术创作恰恰是在某个瞬间，摄影者运用工具将自己在艺术构思中形成的审美意象物态化生产出摄影作品的过程。目前较为出色的摄影师诸如《都市快报》的荷赛获奖者付拥军、getty图片社记者李锋、《南方周末》摄影记者王轶庶等都在利用手机摄影进行创作，诞生了一大批极具艺术价值的摄影作品。虽然媒材是摄影创作的重要基础，但是创作者不会因为媒材的变化而改变对事物本身的态度和价值判断。他们会根据所使用的器材特性因地制宜地展开拍摄创作。手机媒介消除了传统大相机的仪式感，可以有更多地探索与发现。手机是身体的延伸，眼睛和大脑的延伸。当外界事物激发创作灵感之时，快捷便利的手机就是最佳的记录工具。受众或许不会关心作品是出自于什么样的终端，而会花更多精力去观看、凝视影像本身的内容。再次，手机摄影可以对摄影语言进行新探索。纵观世界摄影史，私摄影这种用视觉化的方式去记录个人生活的摄影方式在上世纪80年代开始流行。正如罗兰•巴特所说，“摄影的时代恰恰与私生活扩展到公众面前的时代，甚或是创造一个将私密公众化的新社会价值的时代相一致，私密性被公开地消费。”目前很多手机摄影创作类似于私摄影，摄影者对待摄影创作的态度由以往的客观呈现事物转向为自我表达、私人体验、个性语言，甚至是隐私的、自闭的、窥视的影像。伴随着日常生活的审美化趋向，艺术与非艺术的界限被抹平，审美、文艺活动与日常生活之间的界限被消解了。手机摄影的创作更多是摄影者自身对内心生活的影像化呈现，更多的作品是指向人物内心世界。因为对摄影视觉规律的过度追求，专业的摄影艺术家可能失去表现生活的优势，各种条条框框反而成为摄影表达的自我束缚。手机摄影对摄影语言的探索是一种实验性的表达，类似于纯摄影，更强调回归艺术生活的原点，通过重新编码的方式打破各种视觉规则的束缚，回归原始状态，进而获得影像表达的最大张力。
二、有助于学生观察能力的提高
人的智力也叫智能，是人们认识客观事物并运用知识解决实际问题的能力。除了核心的思维力外，还体现在观察力、注意力、记忆力、想像力等水平上，而观察是诸种智力因素的先导。常言有云：摄影是一种减法的艺术，摄影实践需要摄影者在纷繁复杂的景象中抽取出其中精华的部分，在平凡的世界中发现闪光的东西。因此，摄影可以训练学生在司空见惯的事物中发现美，在稍纵即逝的瞬间捕捉美，在时间的长河里猎取美，在空间的坐标中塑造美，在百姓日用的凡俗中择取神圣。摄影家的观察具有细致入微、深刻洞察、反应敏锐、迅速发现（按快门）的特点，这种观察力素质是摄影家特有的基本素质。因此说，学习摄影有助于培养学生的观察能力。
三、有助于学生创新能力的提高
年轻人尤其是在校大学生的创造潜能是无限的，教师的责任是如何去激发学生的创造潜能而不能“以己之昏昏，使人之昭昭”。摄影是一门实践性很强的课程，在摄影创作中，教师要求学生不能仅仅满足于拍得清楚，而且要构思新颖，角度独特，运用一些与众不同的技巧来创作。鼓励学生运用一些新颖的手法创作作品，有利于坚定学生的创新信心。教师在课堂教学中，在学生学习、掌握摄影技术的同时，有目的、有计划地穿插发散、联想、类比、逆向等思维训练，让学生利用这些思维方法，结合课堂所学知识，尝试拓展性的创作拍摄，从而使学生在实践中逐步形成具有灵活性、独特性的思维品质。创新教育是素质教育的最佳突破口，摄影实践，既训练了学生实际动手能力，又对学生进行审美教育，还能培养其创造能力。雕塑家罗丹曾说过：世界上并不缺少美，缺少的是发现美的眼睛。摄影实践不但给学生一双发现美的眼睛，而且教会了他们去欣赏美，享受美，使学生成为美的创造者。
四、有助于学生的全面发展，尤其是“成人”
教育的根本目的在成人与成长，而通识教育核心是在使人成为人，也就是要有独立之人格，自由之思想。作为高校的通识教育，其根本目的是要打破专业的限制、拓宽学生的视野、培养学生的怀疑与批评的精神，也就是使得学生“成人”，从而可以独立思想，拥有独立的人格，从而映照伟大哲人康德的思想：人是目的，不是工具。在现实中，由于我国社会发展的特殊性，作为弱势的大学生们不得不把所有的精力和热情几乎都放到了专业学习和各种可以为就业带来优势的“考级”、“考证”上，严重抑制了他们的全面发展。另外，课堂上还存在着一种灌输式教学，把所谓的知识硬塞进学生的头脑，从而在他们的心灵中，“自我思考”、“自我想象”、“自我判断”的领域越来越小，导致了现在的大学生普遍缺少敏锐的感觉、直觉、领悟、灵气，看问题做事情往往呈现出模式化、刻板迟钝、思想僵化。在校大学生二十来岁，正值风华正茂的时期，却不能给人一种意气风发、阳光洒脱的精神风貌。大学生中有相当一部分人的心理状态、审美境界、意志程度、人生态度与他们所具备的专业知识水平不相匹配，这束缚和制约着他们向更高层次发展。当然造成这一问题的原因是多方面的，既有社会环境和社会文化心理背景的深刻影响，也有学校自身专业教育的问题。同时，也强烈地折射出大学生的审美教育严重缺失，而作为大学生通识主要内容的摄影艺术教育是在传授知识和技能的同时，启发和帮助学生认识什么是美，如何去发现美、创造美；在追求美的过程中，培养自己敏锐的观察与判断能力，瞬间的领悟和捕捉能力，丰富的表现力和无限的创造能力。摄影艺术是个“我影照我心”的艺术形式，只要能把自己的情感和思想通过镜头释放，就一定会感到无限的快乐，进而使大学生在艺术的熏陶中塑造自己完美的人格。摄影艺术教学不同于高校一般理论课或专业课的教学方式，因为摄影艺术是艺术与技术的集合体，学习摄影艺术不仅要了解基础理论，还要锻炼实际操作能力，就是要学用结合，理论联系实际，注重培养学生的动脑、用心、动手的实际能力，并通过实践采风，专题创作，参加摄影比赛，参观摄影展览等实践环节，进一步开阔摄影艺术教育的视野，充分利用美育资源，把摄影艺术教育延伸到校外，扩大到整个社会，把美的欣赏、美的体验和美的创作结合起来，使摄影艺术教育活动具有更丰富的文化内涵。摄影艺术的创作实践就是让大学生作为主体主动参与和全身心投入，让他们亲自体验美好、体验成功、体验快乐、体验崇高，在潜移默化中提升对美的感受力、鉴赏力、创造力及自我完善能力。综上所述，通过在高校通识教育中开展摄影艺术教学有助于学生素质的全面提高。
（二）照片信息包含有审美属性普通的照片还不能称之为摄影艺术作品，还必须从主客观两个方面进行提升。首先，从摄影的主体而言，拍照者只有提高了自身的艺术修养，成为有艺术创作能力的摄影师、摄影家或摄影爱好者，才能成为自觉的摄影艺术作品创作者。其次，就是对于照片必须用符合艺术标准的审美价值来衡量其是否为摄影艺术作品。然而，不可否认的一点是，摄影的大众化普及为每位拍摄者通往摄影艺术之路奠定了入门基础。随着摄影进入艺术行列，也就产生了按照美的规律从事摄影艺术创作的摄影美学。照片或者说摄影艺术作品包含有审美属性，这是不争的事实。人们看照片的过程，就伴随有一种审美的心理。即便看普通的人像照片或者风景照，欣赏者也是带着照片真好看、真美这种普通的审美心理的，不要说具有更强艺术性、更高级的摄影作品，以及艺术欣赏者对这种摄影艺术作品的审美欣赏。实际上，照片的审美属性是比较普遍的，尽管有低级和高级之分，摄影的拍照者或者说创作者的艺术修养也有差别，照片的观赏者或者说摄影艺术的欣赏者的审美素养也有差异。但是，照片包含的信息，摄影的作品的光影、线条、色彩、质感等画面语言以及所表达的主题一定是含有审美元素属性的，和绘画、雕塑等一切视觉艺术一样。
（三）大学生的人文素养需要摄影审美支撑摄影具有审美价值，视觉文化的影响力无所不在。我们已经置身一个全球化的影像社会，大学生的人文素养培育需要具有审美属性的艺术形式来实现，那么大学生的人文素养就需要摄影审美支撑。不要把很容易掌握和普及的摄影当成只是随手拍照相，只是玩乐一样的无意义消遣。要看到摄影这种最普及、具有审美元素的拍照在所有大学生学习、生活和成长中的潜移默化影响，要提高其对人文素养培育和提升方面的价值。同时，把大学生摄影这种非自觉的拍照，通过课程、校园文化建设等方式方法变成意义更加明确的认知和培育，要从理性认识和科学方法上促进摄影教育对大学生人文精神培育所应担当的艺术审美功能的实现。
二、摄影促进大学生人文素养培育的途径
在摄影艺术具有美学价值，且美学是人文精神和情怀的重要载体这样的认知明晰后，摄影可以作为培育大学生人文素养的方式方法也就可以理解了。大学应通过各种摄影艺术途径培育学生的人文素养。
（一）摄影艺术课进入人才培养方案的课程人文教育课程是帮助培养大学生对社会、对历史文化、对人的精神世界的一种终极关怀的情感，除了哲学、文学、艺术等大的学科专业支撑之外，作为艺术内容之一的摄影艺术也具有通识课程的属性。从教育的本质看，高校公共艺术教育是素质教育不可或缺的一部分；从教育实践看，高校公共艺术教育正成为素质教育中实施美育的主要途径。摄影艺术课不仅是摄影和艺术专业里的专业或专业基础课程，也完全应该成为大学通识教育体系里对大学生通识美育和人文精神培育的课程。人文艺术课在大学里具有重要作用，大学应重视艺术对一个人的成长、创造能力和人文精神培养的重要性。大学不仅要培养有一定专业知识和技能的职业人才，更应该成为培养有社会责任感和人文精神的公民。摄影艺术课程可以丰富学生的知识结构，培养大学生的鉴赏能力和审美素质，发展其想象力和创造力，提升其人文修养，促进其人格完善，包括能力、方法、价值观和情感态度等方面的内容，让大学生的智力因素和非智力因素协调平衡发展，促进其全面发展。摄影艺术技巧和艺术理论教育课程的开设，可以满足大学生在现代社会生活中对摄影技能和人文精神修养的需要。据调查，法国一些重要的大学几乎都开设摄影教育课，如巴黎大学、里尔大学、波尔多大学等。
（二）大学生的摄影艺术课外活动应该得到加强美育对于促进学生全面发展具有不可替代的作用，各级学校要在加强艺术课堂教学的同时开展丰富多彩的课外文化艺术活动，增强学生的美感体验，培养学生欣赏美和创造美的能力。
1.成立摄影学会、协会类组织摄影艺术社团是高校艺术教育的重要组成部分，是高校进行素质教育和人文精神培育的重要途径。摄影艺术社团通过开展各种摄影艺术类实践活动，可以培养大学生的摄影艺术实践精神，提高其摄影的创作和欣赏能力，提升人文素养。大学生摄影协会可以把有摄影兴趣、爱好的学生组织起来，开展摄影技术培训、摄影创作和欣赏讲座，进行摄影创作活动，搞摄影比赛与展览，开展摄影艺术研讨活动等，通过丰富多彩的社团摄影艺术活动，提高大学生的摄影技术与艺术水平，提高其文化修养和人文情怀，使其更深入地关注人的精神世界、关注人的社会活动、关注大自然等，更好地实现大学教育对学生的培养目标。作为学校和社团的摄影艺术教育、实践和活动对于大学生的摄影艺术和人文精神培育具有重要作用，可谓意义重大。
2.光对摄影艺术造型的表现力造型用光是构造影视画面层次感、立体感，并形成视觉冲击力，增强画面层次效果表现力的主要影响因素。根据电影艺术创作中光线方向与太阳照射物体方向的差异性，可以从顺光、侧光、逆光等三个不同采光方向探索造型用光对摄影艺术的表现力。这几种光的组合和演变，使作品呈现了各具形态的艺术效果。如顺光以物体受光面的均衡多层次、多维度地再现物体的质感和艺术效果。侧光表现出鲜明的反差、强烈的视觉冲击力，空间立体感和层次感比较强。逆光侧重于对空间深度和环境气氛的烘托，偏向于对物体轮廓的勾画。
3.光对色彩还原的要素光在色彩传达中的再现与还原构成了五彩缤纷的彩色世界。根据造型用光的特点，可以将光对色彩还原的要求归纳为以下三个方面：即光的属性特征。不同的光在影像效果和色彩表达中有着不同的表现。如自然光和人工灯光的区别，成像效果也截然不同。从光的来源方向来看，直射光和散射光在影像摄影过程中的造型效果存在着较大的差异性。直射光无论是线条还是影调都比不上散射光柔和；顺光与逆光的差异，顺光拍摄物体光线较为均匀，但缺乏相应的空间纵深感和画面质感。逆光曝光不充分，但在特殊的摄影场合，这种摄影手法反而更能表达摄影效果。从造型用光的光线强弱来看，强光有利于烘托画面的层次感，制造出绚丽的画面，弱光摄影往往给人以意想不到的惊喜。
二、电影摄影创作中造型用光的技术处理和艺术表现
造型用光在影视创作中有着特殊而又关键的作用。光源在被拍摄物体的外观、立体空间、彩色构成等方面都有着特殊的运用。因此，在拍摄过程中应通过光线调节和搭配，尽量呈现出被拍摄物体的艺术性和视觉美感，巧妙运用不同性质的光线，合理搭配自然光和人工光，深度融合到画面的意像中。摄影师在拍摄过程中要智慧与技巧并存，巧妙构思，灵活运用，把握好造型用光的影像效应与“光感”，结合被摄物的影像特征，调和好画面气氛，增强被摄物的空间深度感和画面层次感，灵活运用大自然赋予的丰富自然光彩。造型用光的完美技术处理，既要求摄影师具备相应的职业素质和一定的专业水平，又要求他们能够发挥创意，创新造型用光在摄影创作中的巧妙运用，只有这样才能达到较好的艺术造型效果。影视创作因为有造型用光的灵活运用，才会让观众在轻松愉悦的环境中接受摄影作品中传递的思想观念和情感认识，体会其中蕴含的艺术价值。为了渲染影视作品中这一主题的表达，就需要确定好光线方位、光线强度、光线性质等综合效果的处理。当作品中的光线、色彩等达到一定比例时，就会让人产生一种宛若仙境而又难以言表的视觉美感。优秀的影视艺术作品一般都有其独特的审美价值和创作理念。加大造型用光技术处理在电影摄影创作中的应用，将会推动电影摄影创作艺术的发展，并将创造出丰富多彩而富有艺术气息的作品。
电影摄影创作中造型用光的艺术表现是丰富多彩的。在影视创作中拓宽造型用光的艺术表现，有助于丰富影片的故事情节并提升影片的艺术价值。如电影故事情节中合理运用光线可以使画面的内涵和意义表达更充分，更能渲染出故事情节和环境气氛。人物形象的刻画中巧妙运用造型用光技术，可以充分传达出主人公复杂的内心世界和深挚的情感表达，为人物形象的塑造和故事情节的发展提供帮助和支持。同时造型用光在摄影创作中的运用也可以做为重要的情节因素，通过造型用光的动态展现和运动韵律营造出或紧张、或欢快、或恐惧的环境气氛，进面渲染故事背景，丰富故事情节。造型用光还可以提升人们的艺术审美效果，影视创作中摄影师引导被摄者调整姿态或笑容，或创造性地运用光线，让观众产生美的享受，阐释艺术美的主观认识。随着电影摄影器材的发展和摄影技艺的改进，造型用光的运用已经超出了一般艺术审美内涵，逐渐演变为一种多元的文化影像体系。一方面造型用光在展示自然鲜明个性，调节点线面、色彩、影调等诸多画面元素提升影视创作的形象感知，帮组观众从摄影作品回到现实生活，通过对生活的理解和判断获得真与美的理性认识；另一方面造型用光也在丰富人们文化生活，提升人们生活感知的同时，推动着艺术文化的前进，从早期的摄影活动到数字化语境下的摄影活动，造型用光一直伴随着摄影技术和摄影艺术的发展和进步，并成为推动艺术文化发展的重要力量。
三、促进电影摄影艺术与造型用光的良性互动
一、摄影与生俱来的纪录性
当世界上第一张照片《窗外》呈现在众人面前的时候，摄影就宣示了它无与伦比的优势：纪录性。绘画再细致逼真，也比不得摄影更真实。尽管起初拍一张肖像照片，需要几分钟才能拍成，被拍照的人必须在摄影机前保持一动不动。但与绘画相比，速度还是相当快的，而且是原汁原味的。摄影从诞生那天起，无论是胶片时代还是数码时代，无论是平面摄影还是电视摄影，都延续着它的根本特性：纪录性。没有那个技术或艺术的形式，比摄影的纪录性更直接更方便。而和摄影的纪录性直接对接的摄影门类就是纪实摄影。并不是其他摄影门类就没有纪录性，而是纪实摄影是尤其以纪录性为特征的一个摄影门类。说起纪实摄影就自然要提到布列松，这个拿着相机在街头闲逛的法国老头，创立了“决定性瞬间”的理论，而且以身作则，给我们留下了许多纪律性很强的精彩照片。
摄影的纪录性也包括“光学无意识”的特点，它可以把人眼看到的任何事物，任何角落，通过光学镜头，准确无误的纪录各种细节和信息。这将保存大量的历史文献。特别是数码时代，摄影机进入千家万户，可以方便快捷的拍摄纪录生活中的图像，而且成本很低，不用支付高额的冲洗胶卷的费用。可见数码时代的到来，摄影在其纪录性方面得到更充分的发挥，就纪录性而言摄影具有其它艺术门类无可匹比的优越性。
二、摄影发明与发展过程中的科学性
摄影术从发明时的专利技术，经历了韦奇伍德的实验、日光摄影法、银版摄影法、“卡罗式”摄影法、湿版火棉胶摄影、干版的发明等等，从起初的大箱子相机到胶卷相机再到现在的数码相机，从“莱卡”单反照相机、“哈苏”单反照相机到尼康FM相机、佳能EOS专业相机。摄影术自身是一个不断发展的进程，随着科学技术的不断前进而发展和完善。这就把摄影和科学捆绑在了一起。科学的发展促进了摄影的发展，反过来，摄影也推动了现代科学技术的发展。摄影技术的发达和摄影文化的繁荣象征着一个国家或地区的文化发达的程度。
摄影艺术的发展体现了科学精神。摄影科研、摄影理论以及新闻摄影、广告摄影、电视摄影等应用领域，无不体现着摄影的科学精神。对于新闻摄影来说，科学精神就是一丝不苟地纪实，不受任何先入为主的观念形态的制约，对于艺术摄影创作来说，科学精神就是充分尊重拍摄客体、真实表现创作主休，不搞哗众取宠或献媚邀宠的伪艺术，如此等等。特别值得一提的是，在摄影文化中，科学发现与艺术创作是具有同样的审美价值的。这一点是与其它文化圈截然不同的。在摄影中，每一种捕捉光线的新器具，每一种再现影像的新程序，都可能带来全新的视觉形象，带给人一种全新的艺术享受，如全息摄影、航空摄影、立体摄影、水下摄影等等。在摄影文化里，发现就是创作，创作也即在发现，发现与创造是一对亲兄弟，互相争先，彼此有着血缘关系。
三、摄影文化的开放性
没有一种技术和文化像摄影具有这么广阔的胸怀，横跨了科学、技术、理论思辨、新闻、艺术、商业服务、历史、哲学、美学、司法、心理学等种种领域。可以说摄影从发明那天起，先天就是一个完全开放的模式。摄影艺术是“平民的艺术”，摄影不断的发展，相机操作越来越方便，冲印越来越快捷，摄影向着最广大的社会阶层开放。
婚礼摄影、儿童摄影、毕业摄影、生日摄影、会议摄影等等，具体从事摄影的人数要远远超过艺术门类，如文学、戏剧、绘画等。可以说摄影是创作应用最为庞大的文化活动。
对摄影来说，没有技术的界限，买了相机就可以拍；也没有观赏的禁地，一切感受，一切领会，如人的眼睛，只要能看见，那么摄影就为你敞开，随意的去看，去想。
摄影文化开放与普及，超越了语言的障碍、国家的界限、民族的隔膜。摄影艺术沟通了人类的视觉直观感受和心灵的交流。实际上摄影没有国家、民族、文化、意识形态的区别，是整个世界共通的语言。一如音乐，不需要翻译就能被领会。因此，摄影艺术是具有开放性的，而摄影的活力也正式在于它没有禁区，在于它的不断发展努力开拓的精神。
四、摄影艺术跨越时空的超越性
随着时代的发展，相机开始进入家家户户，特别是数码相机操作方便、即时回看、直接拷贝，摄影文化已经和家庭联系在一起，亲戚朋友在一起合影留念，外出旅游考察拍照留念。尤其是现在手机上集成了照相功能，拍照就像说话一样轻松方便，从彩信到现在的微信，从博客到微博，看图时代的到来，摄影文化融入到每个人的日常生活中。
摄影是人类视觉的延伸，摄影能够将任何感光的空间形象纪录下来并传播开来。可以说物质借助摄影超越了其时空的确定性，变得超越了时空。而人类的视觉也超越了时空，分布在世界各个角落的人们，可以随意观看“过去的”和“遥远的”事物，某种意义上，人类超越了空间和时间的限制。借助于摄影艺术跨越时空的超越性，地球上的人们同时感知着世界上的各种变化。通过电视，通过网络，通过手机，人们使用着各种在线视频，观看各种即时图像。人类的感知范围空前地拓展了，这种拓展所具有的超越属性和未来属性，是过去任何一个时代都难以想象的。
摄影艺术跨越时空的超越性，让人类的视觉无限延伸，不再受空间和时间的限制，在空前广大的层次上形成了全人类共同的感性体验。
五、摄影的客体决定了摄影艺术的直观性
肖像绘画可以看着模特，但没有模特也可以画得逼真。而肖像摄影是肯定要有模特在场。摄影艺术是必须有客体在现场的。摄影艺术的直观性意味着摄影对象的物 质存在，这是摄影文化的根本，没有客体的存在，也就无法摄影，离开了被摄体，摄影自然就中断了。可见，摄影艺术是一种客体必须参与的文化，区别于文学、绘画、雕塑等。这就在摄影美学和摄影社会学上给我们一个提示，摄影艺术表现的是客体，没有对客体的认真研究，必然是摄影理念上的不完整。
摄影艺术的直观性也决定了摄影者必须亲眼目睹、必须亲自到达现场。不管是高山还草原，无论有路的还是没路的地方，获得照片的唯一途径就是摄影者到达现场。这是其他艺术文化形态所不同的。摄影者创作者同时也是见证者，摄影艺术是一种创作主题实感化的文化。无论拍摄内容是具象的还是抽象，都是摄影者自身的真切感受，对题材的追求、灵感的出现、以及在具体的影调、色调、色彩反面的处理，都是摄影者的直观体现。
摄影艺术的直观性还表现在对摄影作品的观赏。无论是冲印的还是数码的摄影作品，都是供人直接用视觉加以感知的。摄影的主体不仅仅是摄影者，而且也包含观赏者。观赏者对摄影作品的鉴赏，是对摄影作品的再创作。同样的摄影作品，在不同的观赏者眼里，有着不同的视觉感受和情感体验。
六、结语
摄影文化就是指一切与摄影相关的物质与精神现象，它是一个集合概念，带有整体性、宏观性、不可分解性。摄影作品反映的是时代的特征，通过一副摄影作品我们可以看到那个时代最形象的特征。而摄影工作者的文化素养的深厚，决定着摄影作品的内涵和艺术品位。所以一个好的摄影家首先应是一个文化人。所以追求文化根基，应成为提高摄影水平的根本选择。人的文化素质为文化能力奠定了基础，而文化能力又是得到文化理性认识的必然过程，最终理解、认识和创造出独特的文化哲学，为摄影的瞬间选择奠定深厚的文化根基。
1．大学校园摄影的内容广泛，涉及面广。大学校园是个浓缩的小社会，摄影作品不仅反映教师和学生这两个群体的工作、学习、生活的日常情景和他们的精神面貌，还记录着学校在各个发展时期的党团建设、思想政治教育、人才培养、校园基础设施建设、教育教学改革、科学研究、学术交流、文化体育活动、后勤服务保障和重大事件等方面活动。
2．大学校园摄影要求摄影工作者的技能全面，专业性强。摄影是一门涉及光学、机械、电子等多学科的现代科学。一名合格的摄影工作者不仅要知道各种相机和镜头性能，懂得成像原理和构图原理，还要熟悉不同景象的拍摄技法。另外，大学校园里的摄影范畴除了校园生活、新闻事件外，还包含教学实验和科学研究。在教学实验和科学研究的摄影活动中，不仅要求摄影工作者掌握显微摄影、高速摄影和特殊环境下摄影等专业技能，甚至还要求摄影工作者能够手工进行后期的暗室冲洗工作。另外，高校摄影从业者不但要掌握深厚的文化知识和美学造型艺术，还要具有较高的政治思想觉悟和政治敏锐性，知道怎么拍、拍什么。只有这样，才能拍摄出最具大学校园代表意义的图片，提升校园文化层次，为校园文化建设服务。
3．大学校园摄影从业人员不足，业务素养亟须提高。摄影技术的发展使得摄影的专业化分工越来越细。摄影师可细分为拍摄新闻事件的新闻摄影师、拍摄体育运动的体育摄影师、拍摄地理风光的风光摄影师、拍摄人物的人像摄影师，以及拍摄静物广告的广告摄影师等。由于高校的摄影工作受到编制和资金的限制，分工不可能这么细，从业人员数量也不会很多，甚至许多人员都是兼职的摄影爱好者，缺乏专业的系统学习和培训，专业素质参差不齐。
(二)大学校园摄影的表现形式
随着数码相机和智能手机等电子产品的普及，越来越多的教师和学生被摄影艺术的魅力所吸引，纷纷参与到摄影创作中来。走在大学校园中，随处可见摄影爱好者的身影和优秀的摄影作品。
1．宣传栏常被用来展示当前党和国家的时政要闻，以及与学校紧密相关的人和事，如党的十会议图片、国内外重大新闻、学校的最新动态、优秀学生和知名教授的事迹介绍等。
2．专题摄影作品展。出于丰富师生文化生活，提升大学生综合素质等目的，大学校园里会定期或不定期地举办一些特定主题的摄影作品展。这是大学校园摄影比较常见的一种表现形式。
3．高校自办的刊物，如校报、校刊等。校报和校刊是大学校园文化的重要体现，它可以培养校园文化氛围，促进校园文化的发展和提高。
4．高校的宣传材料，如宣传画册和招生简章等。这些材料图文并茂，印刷精美，蕴含着一个学校的文化积淀和发展愿景。
5．学报等学术期刊也是大学摄影作品的一个重要呈现平台。学报上的照片数量虽然相对较少，但是具有极高的专业性和学术性，体现了大学文化知识和科技水平的高精尖，是大学文化必不可少的组成部分。
二、摄影在大学校园文化建设中的作用
(一)新闻宣传作用
摄影作品可以将校园风貌、教学理念和发展动态展示给社会方方面面，有利于大学之间、大学和社会之间的沟通与交流，起到宣传学校，推广学校，提高学校知名度的作用。
(二)舆论监督作用
摄影作品通过记录校园文化建设中的文明行为和先进人物事迹，表彰先进，能够促进校园风气的进步，促进物质文明和精神文明的和谐发展。同时，还能揭露校园中的不文明行为和不良倾向，鞭挞后进，促使不良风气和行为得以纠正。
(三)信息沟通作用
在大学校园里，数万人在一起学习和生活，每天都有新鲜的事情发生。摄影作品以其直观、真实的方式将校园中最新发生的具有特殊意义的事件记录下来，并通过宣传栏、校刊、校报和校园网等形式和渠道，迅捷地传播到广大师生面前，使师生能够及时了解到校园的最新动态，促进学生与学生之间、学生与老师之间、学生与校方之间的信息交流沟通。
(四)文献纪实作用
摄影作品能客观、真实地记录学校每一个发展阶段所发生的重大事件，如党团建设、教学科研、人才培养、校园建设、学术交流、文体活动、校际交流等，并作为历史文献和重要史料保存起来。
(五)素质教育作用
摄影作为技术和艺术的结晶，现已成为各大高校素质教育的必选课程之一。通过摄影选修课的教学，学生既可以学习了解摄影器材和摄影技术，锻炼动手能力，拓宽知识面，丰富业余生活;又可以提高艺术修养，培养艺术鉴赏能力和审美水平，陶冶情操，提升综合素质。
三、以摄影艺术促进大学校园文化建设的策略
(一)转变观念，进一步彰显摄影在大学校园文化建设中的重要性
“拍照和摄影，就像是玻璃和琉璃。两者外观相似，但是本质却有着天壤之别。玻璃是普通的日用品。琉璃却是从火里锤炼而来，从水里凝结而去，要数十道复杂的工序才完成的可以流传百世的艺术品。”拍照只是一种简单的用镜头记录客观世界的行为，而摄影则是一门艺术。所以说，不是拥有了相机的人就是摄影师。摄影师需要思考，需要构思，通过镜头合理的运用来对一个事件进行精确的报道，而要避免不加取舍的狂按快门，记录大量的无效影像。要想充分发挥摄影在大学校园文化建设中的作用，就必须转变观念，提高对摄影工作重要性的认识。首先，学校领导要高度重视摄影工作。只有领导重视，才能从整个校园文化建设的全局上对摄影工作进行统筹规划，在组织、制度、政策和资源上进行保障。其次，要使教职员工充分了解摄影艺术的人文价值和内涵，以及摄影在开发学生潜能，培养学生综合素质中的教育功能。再次，要使教职员工充分认识到摄影不只是大学校园物质文明建设的成果反映，更是大学校园精神文明建设的重要手段和强大动力。只有改变那种认为“摄影只是展示和记录校园文化建设成果的工具，在校园文化建设中只具有从属地位”的错误的传统观念，变被动为主动，强化摄影在校园文化建设中的主观能动性，才能更好地促进大学校园文化建设的发展。
(二)摄影从业者要深入大学校园生活实际
摄影艺术是在客观真实基础上的创作活动。作为一名摄影从业者，必须深入大学校园的实际生活当中，从广大师生日常生活的点滴中寻求创作灵感，捕捉精彩瞬间。艺术来源于生活而又高于生活，摄影不仅仅是对自然现象和人物事件的客观记录，更多的是一种创造性的艺术加工和艺术创作过程。大学摄影从业人员只有与时代和文化紧密相连，与大学师生的喜怒哀乐紧密相连，与学校发展和校园文化建设紧密相连，才能创造出符合时代特点、反映大学特色和校园文化的好作品。
(三)创新大学校园摄影管理制度
要增强摄影在大学校园文化建设中的创新效果，创新校园摄影管理制度至关重要。好的管理制度能够有效地促进和引导校园摄影行为的规范性和健康发展。首先，重视对摄影工作者的权益保护，减少或规避外行管理内行的行为，建立内行领导内行，内行管理外行的管理机制，切实有效地让大学摄影工作符合摄影艺术的创作特点和发展规律，促进校园文化摄影艺术的广泛开展。其次，建立和优化校园文化建设的用人机制和人事制度，明确摄影工作者的岗位责任制，制定工作岗位的任职资格和用人标准，提高摄影工作者的岗位责任感和荣誉感。再次，创建和优化摄影工作考评机制，对摄影工作者的工作进行客观、公正、科学、合理的评价，以有效地促进校园摄影艺术创作的发展。大学校园文化建设的管理部门要重视并着手建立对校园摄影工作的考评系统，从物质上和精神上奖励表现好、服务好的个人和部门，教育与批评不积极、不上进的人员和部门，用创新管理制度的方式增强摄影艺术在大学校园文化建设中的创新效果。
(四)进一步提高摄影从业者的艺术修养
摄影艺术是一种视觉文化。所谓视觉文化是指以视觉信息为主要外在表现形态，并能激发起观者的想像和思想情感涟漪的艺术形式。一张优秀的摄影照片往往就是视觉文化的集中体现，从中我们不仅能够欣赏到线条、形状、质感、立体、明暗等视觉元素，体会到对比、统一、节奏、平衡等构图原理，还能感受摄影者的内在情感和诉求。普通拍摄者往往缺乏对视觉要素和构图原理的深刻理解，仅仅记录下新闻事件当时的现场情景，而很少去留意画面构图的优劣、主体是否突出、光影对比是否恰当等元素，这往往导致了相片质量不高，甚至画面模糊。所以说，视觉文化素养是成为一名优秀摄影者的必要条件。另外，摄影是一种处理时间和空间的艺术，在摄影的瞬间凝结着摄影师对时间和空间、艺术和现实的理解。新闻摄影尤其要求对决定性瞬间的准确把握。它将某个瞬间从新闻事件的时间流中分离出来，将这个瞬间凝固成一副精美、简洁，但极具视觉冲击力的画面，把这个凝结着事件本质内涵的决定性瞬间呈现给观众，让观众凭着各自的想像、理解去补充完善，从而表现出新闻事件的整体和全局。对“决定性瞬间”的把握，是衡量一名摄影师及其作品优劣的标尺。具有价值的客观现实往往转瞬即逝，一名优秀的摄影从业者要能够快速判断某一个瞬间是否具有新闻价值，捕捉事件中矛盾最尖锐、发展变化最饱和、最能代表其本质的瞬间。许多经典的摄影作品都具有决定性瞬间特点，让人看后终生难忘。二战经典照片《胜利之吻》，便是其中的杰出代表。
(五)增强大学校园摄影作品的审美价值
台湾摄影师李昱宏说过“喜欢拍照的人越来越多，但是真正的杰作却越来越罕见”。审美价值是衡量大学校园摄影作品好坏的先决条件。摄影照片只有具备了审美价值，才会不流于形式，才能更好地表现校园物质文明和精神文明的精髓和内涵，更具有生命力和视觉冲击力。
1．摄影作品要具有形式美感。一副好的摄影作品首先要具有形式美感。在摄影艺术中，构图是决定照片质量好坏的一个关键因素，其直接影响到摄影作品的最终展示效果。摄影构图要根据作品所需要展现的人物形象或事件主体，对相机镜头中的人、景、物进行有效地取舍，并对它们之间的位置关系进行合理地组织，以获取一种最佳的表现形式。其次，在具体拍摄时还要考虑到光影的影响，采用九宫格等辅助线和空间几何原理来对光影、云雾、气流等自然界中影响成像效果的因素进行协调处理，完善构图中的欠缺之处，以获得一副层次分明、布局合理、和谐优美的画面。另外，形式美感的获取，还取决于拍摄点的选择、景别和虚实的运用、画幅和镜头焦距的选择等因素。
2．摄影作品要饱含真情，融情入画。摄影师是通过相机镜头去观察客观世界和捕捉精彩瞬间的，一个优秀的摄影师要善于用镜头“说话”。优秀的摄影作品总是在画面中渗透了浓郁而真切的情感，借此以打动受众。
3．摄影作品的后期处理要适度。视觉张力强的摄影作品会激发受众的兴趣，提高摄影作品的传播及宣传效果。随着Photoshop等软件的流行，人们可以通过PS等后期处理技术来完善构图，提高视觉效果，增加摄影作品的意境和情感，使之更具有艺术气息。但是，摄影毕竟是一种纪实艺术，它要求真实、客观地反映新闻事件本身。后期加工一定要适可而止，不可过度，避免陷入南辕北辙、舍本求末的误区。过分的后期加工虽然能一时蒙蔽人们的双眼，但终究会真相大白，遭人耻笑。如曾获得2006年CCTV图片新闻年度评选铜奖的《青藏铁路为野生动物开辟生命通道》和获得2005年首届“华赛”(国际新闻摄影比赛)自然及环保新闻金奖的《广场鸽接种禽流感疫苗》就因后期处理而被取消了奖项。
4．注重对标题和文字说明的提炼加工。标题和文字说明是摄影作品中不可或缺的组成部分。好的标题会增强摄影作品的艺术感染力，起到画龙点睛的作用。文字说明能够补充说明摄影照片发生的时间、地点、人物、事件背景和演变趋势等信息，更好地表达出摄影作品的内涵和摄影者的情感。标题和文字说明既要简明扼要，又要富有感染力。摄影工作者在日常工作中要勤动脑，多动手，在提高摄影技能的同时，也要注重不断提高自身的文学素养和文字描述水平。借助于巧妙的文字表述，将事件现场的氛围和当事人的感受还原出来，力争达到文字与摄影作品珠联璧合、相得益彰的效果。
在艺术高职院校里，摄影作为一门素质教育的课程，起着培养美学品味、提高审美水平的作用。要想达到更好的教学效果，可从数码摄影理论与实践、摄影美学与摄影教学结合等方面予以加强。
一、摄形与美术的横向比较
在横向与美术比较，纵向与摄影历史发展比较的基础上，探讨摄影艺术的自律性及与兄弟艺术的联系性，能促使摄影眼光、品味和美学理论修养的提高。
美术的特性具有造型性、视觉性和空间性，在平面或三维空间塑造形体、创造可视性的艺术图象。论文百事通绘画雕塑具有瞬间凝固或静态的特性，与摄影关系最近。所不同的是媒介材料。美术思潮的写实技法、流派在摄影发明后，趋向更为主观的风格和流派的发展，甚至有意与摄影拉开语言距离。摄影以纪实性语言特性见长，深受美术的现实主义、写实风格等影响。
从媒介材料上看，摄影是光与影的色彩交响的瞬间组合。摄影通过光化学、数码等成像，极具感性特征，是主体和客体的空间交融。
以当今电脑技术数码影像占主导和统治地位的高科技为后盾的映像艺术(电视、摄影、计算机)昌形成规模，科学技术所产生的视觉艺术形象，不仅意味着它从根本上制约着设计艺术的更迭和演化(手绘、喷绘等手法己逐步被摄影图像、计算机辅助设计等现代高新技术所代替)，反作用于美术、设计艺术，而且还对人的思维模式和情感体验产生了不容忽视的影响。数字图像后期处理的方便，颠覆了传统暗房复杂繁琐的工艺。美术构成了新的设计艺术形成的技术基础，数码影像则是新的艺术形成产生的审美心理基础。
在这一单元中，结合美术与摄影的共同点，重点讲授构思构图、色调构图、风景人物静物等专题:同时，将美术与摄影碰撞交融所产生的流派风格等，融合在纯粹的技法传授中，使学生具有更开阔的眼界。
二、摄影艺术的本体性
摄影与美术既有联系也有区别。对摄影自身语言特性及其艺术规律的研究，属于摄影美学的范围。
随着艺术思潮的发展和数字时代的来临，典型性的瞬间艺术，已成为传统艺术或一种流派风格的代名词，艺术图像越来越多元化了。摄影象美术那样，可以表达类似超现实主义、结构主义、解构主义等多种图象，可以先设计构思，再摆放物体来摄影和后期进行特别加工。电脑数字软件使这类摄影变得越来越可行，更具有视觉传达效果上的陌生感。这类观念性图象的特征，是具有可计划性和可预见性；而且，摄影也可以象现代美术那样，表达一种多义化的“有意味的形式”。仅靠“纪实性”、“典型性”已远不能解释摄影的本体性了。因此，艺术摄影是包含着具有艺术真实的纪实性或观念性的图象信息，具有鲜明生动的艺术形象。
二、摄影瞬间思维能力的养成
摄影艺术创作实践中的瞬间思维并非都是正确的，形成正确瞬间思维的关键在于打动摄影者的那个“某一具体形象”。如果那一具体形象富有特征，极具典型性，由此而形成的瞬间思维就将是正确的;相反，如果那一具体形象不具有典型意义而被摄影者看中并被打动，形成的瞬间思维就将是片面的或不正确的。要培养摄影的瞬间思维能力，着重要从以下几个方面下功夫。
1．提升文化底蕴，提高艺术修养
南宋诗人陆游曾说“汝果欲学诗，功夫在诗外”。意思是说，学习写诗应该在诗歌之外、书本之外多下功夫。摄影亦如此，要想成为一个优秀的摄影师，除了玩转相机之外，还要努力提高自己的综合素质。一幅摄影作品主题的提炼过程，实际上是以文化积淀、生活积累为前提所构成的“瞬间归纳”的过程。大量的阅读，有利于心灵的厚积，是提升文化底蕴的有效方法。中国古代的诗经、楚辞、唐诗、宋词、元曲和四大名著等文学经典，近现当代优秀的诗歌、散文、小说和戏剧、影视文学作品，都能给人以启迪，阅读这些名著有利于主体在摄影创作时的主题提炼和艺术表现。外国大量的文学名著同样能开阔人的视野，拓展人的思维。只有不断地从古今中外文学艺术、音乐、绘画等文化宝库中吸取营养，充实自己，涵养诗情画意，才能独具慧眼，在现实生活中不断发掘摄影题材，拍摄出优秀的艺术作品。
2．提高对精彩瞬间的敏感度和捕捉力
敏感度和捕捉力是摄影者诸多能力的综合体，它包括感知、记忆、思考、警觉、演绎、预知、推理、判断等，是一个人长期所形成的习惯性的常识判断。准确的判断有利于掌握事物的发展趋势，做到明察秋毫，运筹帷幄，并作出正确决策。提升敏感程度和捕捉能力的必备条件包括把握全局的本领、高度专注的能力、敏锐感知的能力、严密推理的能力、准确预测的能力等。一旦培养出这些特质，人就能够获得高度敏锐的悟性和实用的捕捉力，就能够洞悉事物的本质，并以恰当的方式处理问题。当我们计划拍摄一个题材时，一定要勤于思考和善于调查研究。现实生活中的事物纷繁芜杂，我们必须弄清要表现的主体、要表达的主题以及实际拍摄时的环境气候等，认真分析，做出判断，同时还应学会站在相机的“立场”上看待客观事物，也就是要把眼睛变成取景器，要有职业的敏感性。否则，沸腾的生活场景拍成照片，运动感消失了;立体的事物形态拍成照片，层次感不见了。在这里，眼睛与相机之间的主客体差异、立体与平面的差异使我们有“感”无“受”。把眼睛变成照相机，用眼睛去拍摄，才能把正确的瞬间思维应用于摄影艺术创作实践之中。
3．培养对美的鉴赏能力
艺术的鉴赏能力不是先天就有的，需要在艺术创作或艺术欣赏的实践中逐步锻炼和培养。要提高对美的鉴赏能力必须在以下几个方面努力:首先，要认真学习摄影艺术鉴赏的理论知识，掌握基本原理。其次，要多欣赏优秀的摄影作品，从分析优秀的作品中提高鉴赏力。歌德说过，“鉴赏力不是靠中等作品，而是靠观赏最好的作品才能培养成。”再次，要从杰出的摄影家的创作实践中学习提高自己的鉴赏力。优秀摄影作品的创作过程体现了作者的创造和对其内容、形式的探索，深刻体会其创作过程有利于提高鉴赏能力。最后，通过从同一摄影作品中鉴别优劣之处而提高鉴赏力。精确的审美鉴赏在于能在许多毛病中发现出一点美，和在许多美点中发现出一点毛病，经常性地鉴别作品有利于鉴赏力的提高。
随着摄影器材的平民化和简单化，越来越多的普通群众参与到了摄影创作中来，从田园到城市、从山间到海边，到处都可以看到爱好者和发烧友的身影，即使不是严谨的创作，单是自娱自乐，这番景象也足以让人欣喜。对于一个文化工作者，摄影普及教育一直是我从事的工作之一，对于爱好者相对于摄影的狂热爱好，我深有体会，这种狂热如果加以引导，必然转变成一种强大的社会力量，对于先进文化的普及、发展、宣传和保存起到很大的作用。同时，爱好者也在这种活动中成长成熟，创作出更多的作品反哺于社会。
1 摄影艺术在人民群众文化活动中普及的意义
摄影艺术作为一种高雅的行为活动，能够提高人民群众的艺术修养，丰富人民群众的文化生活。它能够将人们生活中的点点滴滴以照片的形式记录下来，给人们留下了许多美好的回忆。而那些记录下普通人物的工作、生活场景的照片，不但能够给人们带来欢乐，同时也能够唤起人们对生活的热情，引发人们对于生活的思考。人民群众的摄影艺术带有群众性、娱乐性、普及性以及艺术等特性。摄影艺术所记录下的永恒瞬间，拥有着巨大的说服力，带来人们心灵上的震撼也更加直接。而照片的本身还具有传播知识、拓展视野的效用，它对于社会主义精神文明建设也有着特殊的贡献。
2 摄影艺术对群众文化的推动作用
（一）摄影艺术提高了人民群众的生活品味和文化素质。摄影艺术一方面可以陶冶人的情操，丰富人的思想感情，丰富人们的兴趣爱好，提高人们的修养。另一方面摄影艺术又具有审美和提高鉴赏能力等多重功能。学习摄影的过程，不仅是理解摄影的过程，更重要的是可以在摄影中倾注自己的情感，从而用自己的情感来感染自己、教育自己、渲染别人，也可以做到技能、知识、美育三者的有机结合，摄影艺术在群众文化中的普及，可以让更多的人认识摄影、了解摄影，提高对摄影艺术审美能力和鉴赏水平，提升文化艺术水平。
（二）摄影艺术可以促进群众社区和谐文化建设。在群众文化中普及摄影艺术，可以让摄影艺术走进人民生活，提高社区居民的生活品味和文化素质，使他们的体闲时光更丰富多彩，富有意义，同时也促进了群众社区性和谐文化的建设。人们通常都说，“艺术起源于生活，同时又回归于生活”。因为摄影艺术具有广大的群众文化基础，同时也需要融入特定的情感。摄影艺术是以实现生活为原则，表达真诚和质朴的情感。然而照片作为摄影艺术的重要载体，将摄影艺术中的情感淋漓尽致的表现出来，让群众深刻的认识到艺术来源于生活又回归于生活，从无形之中增加了人民群众日常生活的艺术感。
（三）艺术诠释了我国的民族文化，放开了大众审美的角度。中国有着历史悠久的民族文化，摄影艺术作为中国民族文化中重要的组成部分，源远流长。我国的历史文化包罗万象，可以是人物服饰、民居建筑，也可以是某个地方的人生礼仪，宗教文化。借助摄影将这些美好的事物用图片和影像记录下来，这种对于文化的解释是完整而又科学的。另一方面，摄影艺术有效放开了大众审美的角度，照片在当今已经赋予了时代的意义，通过照片将美好的事物定格，可以通过静态的形式表达出无限的意境。让人们通过视觉感官，让这些意境进入人们的心灵，放开审美的角度。
（四）群众摄影文化促进了旅游胜地的文化积淀。我国不少风景名胜如果缺少文化积淀，其魅力就会大打折扣。人类的遗产包括自然遗产和文化遗产，有的地方是二者皆具，像泰山、武夷山、九寨沟等，既是自然遗产，也是文化遗产。王夫之说：“情景名为二，而实不可离。神于诗者，妙合无垠。巧者则有情中景，景中情。”群众摄影文化无疑是可以增加自然景观的文化含量的。而群众摄影文化将在一定的程度上促进张家界自然景观的文化积淀。也就是说，张家界在人们的审美观照中愈益摇曳多姿，她再不仅仅是单纯的自然风光，也有迷人的人文风光。
3 如何有效的开展普及摄影艺术，促进群众文化建设
（一）群众对摄影的兴趣。要想提高群众对摄影的兴趣，以更好的推动群众文化建设，首先要打破传统摄影的局限性，从群众的兴趣要求出发，不断引进多种摄影形式，在提高人们对摄影兴趣的基础上，更好的促进群众文化建设。在这个过程中，培养群众兴趣，发挥主观能动性，创造性的使用教材，以达到提高群众对摄影艺术的兴趣。
（二）摄影知识、技能培训。在群众中普及摄影艺术的一个重要前提，就是文化工作者自身拥有专业的摄影知识，过硬的摄影技能。试想一名对摄影知识一知半解的文化工作者，如何指导一名摄影爱好者，使之更加热爱这项艺术呢？因此，必须要加强文化工作者关于摄影知识、技能方面的培训。各文化站可以定期、不定期的举行摄影培训班，邀请知名摄影家到文化站讲学，交流经验，同时组织摄影骨干去高校、集团内部学习，以期提高摄影水平。还可以组织他们深入生活，走进社区，将理论与实践相结合，提高自身的创作水平。通过宣
（三）网络体系。对每一位群众宣讲摄影艺术，对于一名文化工作者来说是很难完成的，也是不现实的。所以想要在群众中普及摄影艺术，首先要积极构建群众文化网络体系，比如在街道、社区组建“摄影俱乐部”，将爱好摄影艺术的群众组织在一起，并且保持与他们的联系。各个街道的文化站要定期召开会议，了解各地区的摄影活动开展的状态，交流各地区“影友”的实际需求。或者举办社区的群众摄影展，结束后组织摄影爱好者在一起交流、学习，对于想要加入的新“影友”面对面的进行艺术、技术上的辅导。因此，只有先构建一个由共同爱好为基础的网络体系，才有利于摄影艺术的普及。
（四）利用景观资源。这里的景观资源包括自然景观、人文景观等，文化工作者可以定期组织人员到这些景观所在地进行创作活动。人文景观不受时间限制，可以随时进行，而自然景观可以选择特定的时间进行，比如春季，可以创作出大地回春、生机盎然的作品；夏季创作百花怒放、生机勃勃的作品；秋季则是金浪滚滚、饱满富足的作品；冬季创作出万物寂静、肃杀荒凉的作品。当然，文化工作者在组织人员进行自然景观拍摄的过程中，一定要注意人身安全问题，摄影的地点必须要选择妥当。完成创作之后，再进行摄影比赛、创作展览等活动，使参加这次活动人员的技能、艺术水平都得到提高，对于优秀的摄影作品还可以向报刊投稿，以期提高广大人民群众对摄影艺术的热情。
（五）文化工作者自身的素质。作为一个专门从事摄影的文化工作者，一是要热爱摄影艺术，二是要有一种甘于奉献的精神，这样才能够感染身边的摄影爱好者，使他们投入到摄影创作之中。这就要求文化工作者将提高自身素质作为一项永恒的活动贯彻始终。提高自身素质的方式可以是自主学习摄影、书法、绘画等相关知识，也可以参加各种学习交流会，汲取别人的经验，学习的方式非常多样。
参考文献
电影摄影(cinematography)一词由两个词即cinema电影和photography摄影结合而成。电影，cinema这个第七艺术，从其诞生的时刻。就和她的姐妹摄影艺术photography有着亲密无间的关系。电影离不开摄影艺术，没有摄影也就不会有电影。但电影摄影艺术，又不是简单地照相。好莱坞电影自诞生时刻开始，就特别重视电影摄影艺术和技术。这就是cinematography电影摄影这个词的内涵。
在好莱坞，所有的电影摄影师都知道，他们是光的艺术家(artistoflight)。他们是在用光(light)代替画笔在电影胶片上进行作画的画家；与画家不同的是电影摄影师的作品，不是展览在美术馆和画廊内的大众可以观看欣赏的画作，而是制作在电影胶卷上的负片，到洗印车间冲洗后印制出可以放映的正片，或在电视上播映。现在美国加州的洛杉矶电影资料馆内收藏有大量的电影摄影的资料。在好莱坞，电影摄影师的地位很高，人们更喜欢称他为“摄影导演”(directorofphotography)，是以艺术家，专家级别来尊敬。他同导演一样是一部电影作品的最直接的，最主要的创作者。在美国电影艺术学院，我们有机会拜访了著名电影摄影大师，法国人阿尔蒙·德洛斯。我们问他一个天真的问题：“什么是电影摄影师?他都干一些什么事情?”这位大师笑着回答：“答案很简单：他什么事都干，也什么都不做!他从这部影片到另外一部影片，要干的事情是不太一样的。所以，无法给他一个十分确切的定义……我的工作有时就是简单地按一下电影摄影机的快门；也有时，坐在上面写有我的名字的折叠软椅上去监督我的助手去拍摄，动动嘴就行了……现在问题复杂了，在一些好莱坞大片中，我们需要的是一群人集体合作拍摄，有时一个镜头需要几个电影摄影师通力合作完成拍摄，谁也不清楚谁到底干了什么，反正最后，一切都体现在银幕画面上。”
“在一些小投资低成本的电影中，有时担当一个电影摄影师很难很苦。我就最怕同导演新手合作，我不但要去选择使用什么样的摄影机镜头，而且还要决定用什么样的大小景框——例如远景，中景等，还有摄影机的运动方向与部位等，有的时候还要去指导演员的活动范围，此外还有灯光的布置……虽然作为电影摄影师，我们想要发展自己的艺术风格；但我认为最重要的如何依靠您的技术能力，在电影作品中去表现您的艺术。您一定记住，您是在帮助导演去进行艺术创作，记住您自己的地位和作用：这样就要求您首先要理解导演的意图和创作理念。要多和他探讨，要多体会，您对于导演的理解越多，就越有助于您的电影摄影工作。在拍摄电影的过程中，一般是导演指示要什么镜头；但我总喜欢在具体拍摄之前，要首先同导演谈谈自己的想法；有的时候我提出具体的视觉修改建议(visualmodificationsuggestions)。比如说要选择什么样的摄影镜头——镜头的口径和具体的镜头框架，还有摄影的拍摄活动，乃至演员的位置和在摄影机前面活动的区域范围等。当然，最后的决定权还是在导演那里。有一些导演不喜欢同他的合作者交谈和商量。但记住他是导演，您不是……”
电影摄影师在电影拍摄和制作中的角色和地位，早在默片时期就确定下来了。一个摄影导演要亲自掌握电影摄影机来进行拍摄，此外有时还要雇佣第二摄影师，他的摄影机就架设在您旁边，他要拍摄另外一个负片，以备将来送到欧洲去洗印。电影艺术的先驱们经过自己的不懈努力，逐渐地形成电影摄影的基本的视觉语言，同时一些电影摄影的基本技术和典型特技也开始定型。比如基本的光学效果，镜头的形式，方位等，像淡出，淡入，色调，光调乃至一些基本的洗印剪辑等技法，大都在这个时期发明和发展了。不言而喻，当时电影摄影导演的权威地位是公认的。
著名导演格里菲斯(Griffith)的亲密同伙，电影摄影艺术的先锋，毕里·彼彻尔先生(Mr.BillyBitzer)的回忆录有助于我们研究美国好莱坞早期默片时代的电影摄影。他是格里菲斯的最好最亲密的合作伙伴；从1908年格里菲斯拍摄第一部短传记片开始直到1922年的《暴风雨中的孤儿》(OrphansoftheStorm)，两个人紧密合作，不但拍摄创作出美国早期的最优秀的电影作品，而且还共同发明创作了电影视觉语言的语法(CinematographicGrammarofPicture)。他们两个人还从自己的艺术创作实践中融和丰富的想象设置出很多电影摄影机的机位，运动的方式，光学的把握等，琢磨出一些诸如特写镜头(cIose-up)，虹膜镜头(irisshots)，软焦镜头(softfocus)等等，他们不断地努力，探索，实践，发现和发明，大大地丰富了电影的视觉语言。彼彻尔后来回忆他如何邀请格里菲斯从东海岸的纽约到西海岸的洛杉矶的情况——格里菲斯不太喜欢纽约。也正是这样的迁移，才能有好莱坞——这个电影王国在美国西海岸的诞生。
“大约是在1910年1月，格里菲斯的百欧格里弗公司(TheBiographyCompany)开始在好莱坞扎根。当时我们的摄影棚是一个大空厂房——一个倒闭工厂的车间；我们看了看，请工人们用木板搭建了一个大平台，并且用大块白色棉毯遮盖这个区域，安装了滑车，以便我们的摄影机能够活动，这样我们就可以调整光线。”
1912年，格里菲斯和彼彻尔决定在好莱坞建设拍摄基地。他们一同向百欧格里弗公司辞了职，要去好莱坞组建自己的独立公司：不久，这两个人就摄制出著名的《一个国家的诞生》(TheBirthofaNation，1914-1915)和《党同伐异》(Intolerance，1915-1916)，“我们成功了!”格里菲斯对大家说。彼彻尔后来回忆在拍摄《党同伐异》巴比伦尼亚的场景时他同格里菲斯遇到的困难和艰难险阻以及两个人如何费尽脑汁去解决的情形：
“哈克·沃特曼负责搭建影片《党同伐异》的所有的大布景……我们来回在摄影棚内走动着，巡视着，还要好好思考光源——最好用棚上面的玻璃窗投射进来的自然阳光……我和助手扛着摄影机，来回选择如何利用自然阳光来拍摄——不但要找好光源的方向和如何使用，还要想到影子的问题……为了拍摄大海的风暴和浪涛，我和哈克会彻夜不眠地听附近海的声音，当听见海风渐渐强大时，我们赶紧跳上吉普车赶到海边去抢拍。这样我学会拍摄海景的技巧和奥妙……关键是方位，光和镜头角度，还有曝光速度等。”
“我们之间的合作是如此完美而心照不宣。记得有一天早晨，哈克在他搭建的布景前思考着什么；我径直走过去：‘喂，能否帮个忙?’‘当然可以，’‘我想拍摄大战场面时用剪影处理，能否在这块地方搭建一条跑道供战马活动?’他看看说：‘大约要用多少匹战马?’不一会儿，格里菲斯来了，哈克问：‘您琢磨好了吗?大约要用多少匹战马?如何在墙上出现人形?’格里菲斯找到我：‘好主意!但您的摄影机会不会颤动太大太多了。’我们三人又一次合作成功，这就是《党同伐异》中被人称赞的战马和战车奔驰的场面。”
“随着我们合作和设置顺利，格里菲斯和哈克的野心也越来越大：他们所想要搭建的布景也变得更加巨大了。……哈克又找到我建议制造一个大型活动电影摄影车，用来拍摄大场面……我们两个人不谋而合。我们几个人在一起合计一下，制定了拍摄镜头的方案：要先有一个从高处拍摄的整个场景的大全景的鸟瞰镜头，这是一个震撼人心的大场面。然后要有一个大变焦镜头(zoom)镜头向下移动并改变焦距，拍摄围着篝火欢舞的姑娘们，要呈现她们优美的舞步；然后摄影机的镜头再次推动变焦，去拍摄巴比伦城内大厅中欢宴的场面。这还没有完，格里菲斯要求，摄影机镜头继续运动，去拍摄外面广场上的一辆小战车，有两个白人勇士在驾驶；镜头再次从地板上横向移动，从贝尔莎扎阅读情书转到可爱的公主上……这个场景实在是太大。我们从热气球向下观望，发现实在不好拍摄。哈克建议制作一辆大型移动摄影车。不久美国电影史上的第一辆大型移动摄影车开始工作了……这一天，我和我的摄影助手卡尔·布朗(KarlBrown)，登上了这个巨型移动摄影车：我们使用的是老式德国帕蒂尔(Pathe)电影摄影机。我们两个人进行了分工：他手持一架电影摄影机在一个固定的平台上拍摄基本稳定的大镜头：我在他的旁边去拍摄一些运动镜头，比如倾斜镜头(tiltshot)，移动旋转(panshot)镜头等：我们不交换意见。我几乎全心关注地把眼睛贴到摄影机的后视窗。这样，我们不知道换了多少摄影的光学镜头，一气呵成地完成了全部的摄影任务……”
想当一名好的摄影导演，不难，关键是要有思想，好的艺术理念，把握住基本的摄影技术，然后，去实践，光靠吹牛不行。前人的经验，是后人的财富，彼彻尔还举出不少好莱坞的著名的摄影大师成功的经验。
彼彻尔发明了一个特殊的摄影镜头，一直使用它专门为丽莲·基什拍摄用。在20世纪20年代，美国好莱坞电影经历了一次即电影从黑白到彩色的进步；当时使用的电影胶卷也从传统的胶卷到感光更为敏感的全色胶卷(Panchromaticfilm)。这位电影摄影师以自己的摄影功底把斯雯佳丽(Svengali)推到了大明星的位置。此时，是美国电影史中的第一个高潮阶段，几乎每一位大明星都有自己的专职摄影导演，专门为自己拍摄。比如专门为嘉宝(Carbo)拍摄影片被人成为“嘉宝的专用摄影家”(Carbo’scameraman)的家伙。他回忆给嘉宝拍摄特写照时说：
“我从来没有创作出嘉宝的面容(Carob’sbeautifulface，)，我只是做了我给所有的大明星都做过的同样的工作，即尽自己的能力去拍摄美丽的肖像照。只是嘉宝她太美了，难以形容的美。我则根据每场戏的特殊要求，去设计灯光或光线。……嘉宝有一双大眼帘和长睫毛，美极了!在一些情况下，我有意把灯光从上往下，从高处倾洒下来：使得她的眼帘在她的脸颊上出现阴影(shadow)，效果好极了，不久就成为嘉宝的注册商标。……嘉宝的美是天生的，自然的：我只不过有幸把她的美真实地体现出来。”
其实，这正是一个好的电影摄影导演所应具备的基本能力：要善于发现您所摄影的对象的内在美的潜能。实际上每个明星都具有自己独特的美，比如嘉宝的大眼帘和长睫毛。如果摄影师没有发现而且以独特的技巧去展现出来，那有谁能赞扬这个美?道理就这么简单。我们时常说的“上镜”——说穿了，就是去发现你拍摄的对象的内在的美，并且用你自己的摄影机把它展现出来。从这个意义来讲，谁都可以“上镜”。
“记得拍摄《肉体和妖魔》时，导演希望我把嘉宝和吉尔伯特的一场爱情戏，拍摄得更诗意更浪漫一些。我和演员们商量了一下。然后让导演把具体的要求重复和强调……我找来两只铅笔碳棒让他拿在手中，当他们两个人亲吻时，我请灯光师把柔光打在铅笔碳棒上，出现一点反射光在他们的面颊上，吉尔伯特竭力控制自己同灯光技师的距离，他的手发抖，光也摇晃；就这样一场抒情的爱情戏拍摄成功了。”
“有一次，我为玛塔·哈丽拍摄一场风流戏，特别有趣。导演和我在拍摄前讨论。确定要把这场戏拍的既浪漫又。哈丽，这位以演风流角色的大明星在这场戏中要去诱惑她的新男友。我想用一只香烟燃烧的微弱亮光来作为这场戏的主要照明。当时没有人这样做过。我开始想法子了：首先，我们把这场戏的场景设计在一个酒吧的内部，然后，两个主角相对而坐，头几乎碰在一起地交谈，一丝香烟飘然向上，在两人脸颊中飘过，烟向上漂，在烟雾中她伸出小嘴；结束。我们先请工人在两人座位的上方开一个小窗户，让香烟的烟雾能向上飘。然后，我们让男主角点燃一只香烟，香烟点燃后，在黑暗中，我们关闭了所有的灯光，香烟头的亮光光不足，无法拍摄。我琢磨后，邀请了一位外科医生。果不其然，他有好主意：制作一只香烟小电筒，即外形如同香烟，前面安置一只微小灯泡，只要用力一叼，它就发光。我们邀请特技技师如法制作。我叫男演员点燃一只真香烟，弹掉烟灰，然后把我们特制的香烟灯光放在真香烟上面，两只烟摞在一起，让他同时一口叼两只香烟，用力吸出烟雾，用力吹，香烟的烟雾慢慢从上升起，穿过上面微小的灯光，在两人的嘴即将接近的时候，烟雾中的哈丽的脸容非常美而有诱惑感。这是我的电影摄影艺术生涯中最为浪漫的一个镜头。”
美籍华人大摄影艺术家黄宗(JamesWongHowe)是一位很富有创造精神的电影摄影导演。在好莱坞流传着不少他的故事，比如他用一盒火柴的光亮拍摄一个镜头的故事。下面是他在1943年为赫沃德·吴克斯(HowardHawks)拍摄影片《空军》的情况：
“……当时已经是日落西山后了，我必须把机场跑道上所有灯光打开。……我们就把原来放在后面的反射光板挪到前面，叫电工接好线。我叫一架战机滑翔过来，叫他按动开关；这样在反射灯光下产生很亮的闪光；我们开始拍摄，整个机场如同着火一样；我们作了烟幕效果。这样，当轰炸机下降时，机前的大灯照射烟幕，效果好极了，它创作出强烈的戏剧性效果。就这样，在特技师的合作下，我们就用闪光拍摄完这个B-17轰炸机着陆的场景。”
电影摄影师不仅要和大明星合作，更多的时候是和导演合作。在美国好莱坞，有很多大导演有自己长期合作的电影摄影师。罗伯特·巴克就长期同希区柯克合作，共同创作了不少优秀影片。格里格·托兰德(GreggToland)回忆他在好莱坞的艺术生涯时说：
“《呼啸山庄》是一部软调子影片。我尽量把一些爱情戏弄得浪漫一些。这个作品本来就是一个爱情故事，一个浪漫，幻想和解脱的传统爱情故事。于是，我就以这些定下了我的电影摄影基调，要通过一些优美的带有魔幻性的特写镜头，使观众如醉如狂地进入梦幻的境界《愤怒的葡萄》就不一样了。它是一部尖锐的影片，是一个表现不幸人们的斗争故事。所以，我就把影片的基调定高，亮些，尖锐些。演员们也没有化什么妆，我就以一种特殊的低调进行拍摄，要求真实……”
“《我们美好的日子》(TheBestYearsofOurLife，1946)是一部情绪片，对于我不但是挑战，也是一次试验。在拍摄之前，威利(Willy导演)和我讨论很长时间，我们研究分析每场戏，最后决定把影片基调定为简单的朴实无华的现实主义……”
奥逊·威尔斯(OrsonWelIs)是世界电影史上公认的伟大艺术家。他这个人对于电影视觉语言有自己独特的见解。他不止一次地强调。电影就是用影像来讲述一个故事，而电影摄影就是将故事用影像讲述出来的最好的工具和手段(arealaid)。他能够花费几个星期去讨论如何达到他所需求的摄影效果——这在好莱坞电影圈内是少见的。
“在正式开拍《公民凯恩》(CitizenKane)之前，威尔斯和我反复计划摄影计划，这在好莱坞也是异乎寻常的。我大概用了将近半年准备和计划拍摄。在影片中，威尔斯要求搭建一个带有天花板的室内景；这样就使得一个房间就是一个真房间，特别是影片中真出现天花板。过去不搭天花板的内景，光效果是不够真实的，因为照明光是从不自然的角度投射的。这部影片还有好多打破了好莱坞的传统，它要求摄影的细节。威尔斯坚持每场戏的流畅和完整无缺。这样一来，每场戏拍摄之前，我们就要详细地计划摄影，这样的摄影能体现什么样的真实，摄影机能够为观众带来什么——在这之前，从没有人在好莱坞这样做过。我们设计电影摄影机的运动，去避免直接的切换镜头，要使摄影机能够从一个角度摇移或转到另外一个角度，不产生切断。比如说，有一些戏，威尔斯要求一气呵成地拍摄，从一个特写镜头到一个大全景镜头，要一下子拍摄完成。这就要求，我的摄影机的运动要同时能从一个大前景运动到大背景的范围内，我们反复试验，终于成功：这就是著名的景深镜头的诞生。”
《公民凯恩》的拍摄，使得当时尚年轻的导演威尔斯实现了自己的视觉理念和野心，同时以一种新的丰富的流畅的电影视觉语言改变了好莱坞的电影叙述规则和传统。所以《公民凯恩》一公映，就引起轰动，直到现在依然被认为是具有革命性意义的杰作。威尔斯的第二任摄影师斯坦利·靠特兹(StanleyCortez)也是有影响的大师，此后，查里斯·劳顿(CharIeLaughton)开始崭露头角，他被邀请拍摄黑色恐怖片《猎人之夜》。他后来回忆：
